EL DRAGÓN DE ORO, UNA TRAGEDIA LLENA DE FINO HUMOR

El Teatro de La Abadía arranca la temporada con la adaptación de uno de los textos más representados internacionalmente del dramaturgo alemán Roland Schimmelpfennig: El Dragón de Oro, Premio de Dramaturgia de Mülheim 2010. La compañía gallega Sarabela Teatro, con 40 años de trayectoria, es la encargada de llevar a escena esta historia que, desde lo poético, aborda temas sociales de gran calado como son la problemática de las personas migrantes y la prostitución. Ánxeles Cuña lleva a cabo la dramaturgia y la dirección de esta propuesta que, pese a los hechos dramáticos sobre los que versa, no está exenta de comicidad y de un gran juego teatral, capaz de "unir fantasía y realidad", en palabras de su directora, apta para todos los públicos a partir de 12 años. El Dragón de Oro podrá verse del 11 al 28 de septiembre en la Sala Juan de la Cruz.

“El Dragón de Oro habla de personas invisibles, de aquellos que viven y trabajan entre nosotros, pero a quienes rara vez miramos de verdad”, afirma el autor alemán a propósito de la obra. Pese a que fue escrita en 2010, los 25 años no le pesan, ya que los asuntos que se abordan en poco más de una hora siguen en plena vigencia. "Creo que si una obra es buena, tiene que poder defenderse en el presente, aunque el tiempo haya pasado", añade Schimmelpfennig.

Sarabela Teatro plantea una puesta en escena llena de dinamismo con un elenco de cinco intérpretes formado por Fina Calleja, Fernando Dacosta, Sabela Gago, Fernando González y Fran Lareu que habitan un universo fascinante, único. Los cinco dan vida a 17 personajes en un entramado de historias cruzadas, con la fábula de la cigarra de fondo, con 14 espacios y 48 escenas que se suceden a un ritmo frenético.

La Abadía ofrece una de sus funciones, la del 12 de septiembre, en galego con sobretítulos en castellano en su firme compromiso por integrar las lenguas cooficiales en sus espacios escénicos.

© Conchita Meléndez

© Conchita Meléndez

Imágenes de escena cedidas por Sarabela Teatro

EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ ESTRENA UN HOMENAJE AL LORCA MÁS ÍNTIMO

Decía Neruda que “para entender a Lorca no hay que estudiarlo; hay que amar a Lorca para entenderlo”. Y esa es la premisa de este proyecto de El Aedo Teatro, capitaneado por el actor, dramaturgo y director Jesús Torres (Puños de harina, Premio SGAE AutorExprés 2019; Premio Hispanoamericano de Dramaturgia 2024).

Corre el año 1929 y Federico García Lorca prepara un viaje a Nueva York. Quiere huir de una reciente ruptura amorosa, de la traición de sus amigos y también del éxito de Romancero gitano, que le abruma. En la ciudad de los rascacielos Lorca encuentra modernidad, vanguardia y libertad para conocer y conocerse, para dar rienda suelta a su creatividad

Poeta (perdido) en Nueva York es una adaptación teatral que enfrenta los poemas de Poeta en Nueva York con las cartas que Federico García Lorca escribió a su familia durante su estancia en la ciudad. Federico viaja a Nueva York en busca de la calma que no halla en Madrid, pero se encuentra con una ciudad golpeada por el crack del 29: caótica, deshumanizada, profundamente injusta. Ese choque transforma su mirada y su poesía para siempre. A través de sus versos y sus propias palabras, nos acercamos al Lorca más íntimo: el joven que llega entusiasmado a la gran urbe y termina enfrentándose a su propia fragilidad. La obra recorre su paso por las calles de Nueva York a la vez que recorre su propia soledad, en un viaje lleno de belleza, el dolor y revelación. Un viaje hacia dentro, donde Lorca, lleno de vida, dialoga con un Federico herido que emerge en busca de una voz propia. 

El montaje, que cuenta con una iluminación y puesta en escena imponente y una banda sonora original, se estrenó en Londres la pasada temporada. El epicentro del espacio lo compone, como punto de partida, la famosa imagen de Federico junto al reloj de Sol de la Universidad de Columbia. El diseño de Juanjo González ha convertido este monumento en un espacio circular y giratorio donde tendrá lugar la videoescena y alrededor del cual giran otros elementos urbanos que nos llevarán a Coney Island, Harlem, ...

La obra  estará en la sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez del 11 de septiembre al 19 de octubre de 2025. 

Jesús Torres y Juan Carlos Pérez de la Fuente

Fotografías © Conchita Meléndez

EL ORGULLO DE QUERERTE. ROMANCE MADRILEÑO EN TRES ACTOS

 

Los Teatros del Canal en su Sala Roja ponen en escena un Estreno semi escenificado de la zarzuela El Orgullo de Quererte. La obra se representará los días 11, 12, 13, 18, 19 y 20 de septiembre 2025 y tiene una duración total de 2 horas y 30 min (con pausa incluida).

Allá por el año 2010, una afortunada locura de Javier Carmena y Felipe Nieto, alumbró lo que hoy es El Orgullo de quererte.  Se propusieron entonces revitalizar la zarzuela de gran formato o zarzuela grande, respetando su forma tradicional y actualizando la temática para acercarla al momento presente y, en general, a los nuevos públicos.

En El Orgullo de quererte se mantiene el carácter costumbrista de muchas zarzuelas, y por sus páginas desfilan algunos de los tipos que podemos encontrar hoy día en Madrid. En la fauna particular de Chueca aún se puede reconocer la idiosincrasia del chulaperío, las modistas, los gañanes, los señoritos y las damas que reconocemos en la zarzuela de siempre.

Su estreno en 2022 en los Teatros del Canal, em versión de concierto semi escenificada, con la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, fue un gran éxito que avaló la creación de esta nueva puesta en escena, firmada por Albert Boadella que la dirige junto a Martina Cabanas y con dirección musical de Alondra de la Parra y José Luis López Antón.

El hilo conductor de la obra son los recuerdos del glamuroso y malvado P.J. quien, como un viajero del tiempo, baja y sube por la chimenea de su memoria. P.J. desde el futuro, en una irreconocible Plaza de Chueca, evoca aquellas fiestas del Orgullo en que perdió el favor de su amado Alonso y todo su mundo desapareció.

El Orgullo de quererte se desarrolla en un entorno urbano actual, ambientado en las celebraciones del Orgullo LGTBIQ+ en Madrid. Su música y texto nos invitan a reflexionar sobre el miedo, los celos y la libertad, temas universales que resuenan más allá de generaciones y contextos.

El reparto está encabezado por Enrique Viana, Santiago Ballerini, German Olvera, María Rey-Joly, Mar Morán, Andrea Rey, Berna Perles Sancho, Gerardo López, Jesús Cantolla y Daniel González.

Además les acompañan como bailarines y figurantes Begoña Quiñones, Verónica Garzón, Yolanda Barrero, Nuria Tena, Jose Alarcón, Daniel Morillo, David Palacios, Adrián Gómez y Enrique Arias.

Fotografías © Conchita Meléndez

IMPREBÍS EN HOY NO ESTRENAMOS, UN ESPECTÁCULO NADA IMPROVISADO

 

Hoy he disfrutado de una gran función, y de unos grandes actores, hoy he disfrutado en el Teatro Infanta Isabel, del que guardo muchos recuerdos de infancia, de la magnífica puesta en escena que realiza la compañía Imprebís con un texto propio que es una oda al teatro. Ágil, divertido, dinámico, original, el texto lo tiene todo y ellos hacen que aún sea más. 

Un grupo de vecinos de un barrio popular cualquiera de Madrid va a encontrar en el teatro un buen reflejo de nuestra sociedad y verá cómo los textos de las grandes obras teatrales modifican y mejoran sus vidas. Uno tras otro irán llegando a esa clase magistral que les va a impartir Antonio (Santiago Sánchez), son gente corriente de todo tipo, un militar, un antiguo torero, dos hermanas que regentan un pequeño bar, un actor en declive que en su gran momento ganó un Oscar, un genio informático que ha decidido vivir fuera del sistema, un joven acomplejado con ciertas limitaciones y así hasta una docena de personajes, todos ellos interpretados por esos dos grandes monstruos de la escena que son Carles Montoliu y Carles Castillo, al que por cierto vamos a echar de menos ya que se despide de la interpretación con esta obra después de casi cuarenta años en la compañía de la que es miembro desde 1986. 

Como colofón del curso que les imparte Antonio, montarán una de las obras más insignes de uno de los más insignes bardos, William Shakespeare, será Hamlet,  y esa escena final en la que Carles Montoliu y Carles Castillo interpretan a todos los personajes de la obra con tan solo cambiar un objeto en sus cabezas o en sus manos y que transcurre a un ritmo vertiginoso es realmente impactante. Es sin duda un gran ejercicio de interpretación, una lección magistral de teatro. 

A los tres actores anteriores les acompaña Víctor Lucas en el papel de Ico, un chique de género no binario. Ha hecho un módulo de artes escénicas y está haciendo las prácticas en el teatro, pendiente de que el jefe técnico, Chano, le firme las notas y poder acceder a una titulación que le permita iniciarse en el ámbito laboral. Ni que decir tiene que Víctor está perfectamente a la altura del resto de intérpretes. 

La función estará en cartel tan solo 10 días, hasta el 14 de septiembre, así que si no queréis perdérosla  y yo os aconsejo que no lo hagáis, ya estáis tardando en sacar las entradas. 

Fotografías © Conchita Meléndez