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viernes, 19 de abril de 2024

UNA NUEVA VERSIÓN DE LA CELESTINA SE REPRESENTA EN EL TEATRO REINA VICTORIA

 


El Teatro Reina Victoria de Madrid acoge, doce años después de su última puesta en escena,  hasta el 16 de junio ‘La Celestina’, una versión del texto atribuido a Fernando de Rojas y conocido también como La Tragicomedia de Calixto y Melibea,  elaborada por Eduardo Galán dirigida por Antonio Castro Guijosa, en la que se propone una novedosa visión de esta obra en la que el personaje de la célebre alcahueta, interpretado por Anabel Alonso, narra los hechos tal y como sucedieron a Pleberio, el padre de Melibea.


El elenco que da vida a los inolvidables personajes son además de Anabel Alonso, Víctor Sainz como el joven Calisto, Melibea representada por Claudia Taboada , que también da vida a Areúsa, José Saiz en el doble papel de Pleberio y Sempronio,  Beatriz Grimaldos como Elicea y Lucrecia y David Huertas como Pármeno.


Calisto, un joven noble apuesto, penetra en la huerta donde se halla Melibea, de quien queda profundamente enamorado. Ante el rechazo de ésta y aconsejado por su criado Sempronio, decide encomendar su cuidado a Celestina, para lograr por medio de ella el amor de Melibea. La alcahueta consigue mediante artimañas que Melibea se enamore de Calisto. Los criados de éste intentan explotar un beneficio propio a la pasión de su amo: que había prometido una cadena de oro a Celestina si le ayudaba a rendir la voluntad de Melibea. Cuando esto sucede, los criados reclaman su parte y ante la negativa de Celestina, la matan. Son apresados y ejecutados por la justicia.



En el último encuentro de Calisto y Melibea, el joven mancebo al saltar la tapia del huerto de Melibea para socorrer a otro de sus criados cae y muere. Lo que lleva al suicidio de Melibea ante la mirada compungida de su padre Pleberio, quien finaliza la tragicomedia con unas reflexiones morales y existencialistas


Esta versión que se puede ver en el Teatro Reina Victoria, ofrece al espectador un giro único al presenta a  la protagonista, Celestina, que ya ha muerto y se aparece ante Pleberio, para mostrarle los hechos que acontecieron previamente y que llevaron a tanta tragedia, revelando los hilos del destino desde una perspectiva más allá de la vida. Así, los espectadores son testigos de los acontecimientos pasados desde la mirada de quien ya no está, añadiendo una capa de profundidad y misterio a la trama.

La literatura está llena de dramas en que el amor y la tragedia se dan la mano y en la que los jóvenes sufren por las imposiciones de sus progenitores, probablemente el más claro ejemplo sea Romeo y Julieta de William Shakespeare, el Bardo de Avon, que sin duda es el escritor y dramaturgo más conocido y representado del mundo. Pero no es el único, también Bartolomé Torres Naharro presenta en la que quizás sea su mejor obra, Himenea, una historia basada en tres actos de La Celestina, tema sobre el que volvería en Calamita y la Aquilana. Por su parte La Celestina, la alcahueta,  es un personaje que ya había aparecido en las comedias romanas de Plauto y a lo largo de la Edad Media en obras como el Libro de Buen Amor de Juan Ruiz (Arcipreste de Hita) (el personaje conocido como Urraca la Trotaconventos) y en obras latinas e italianas como la Historia duobus amantibus de Enea Silvio Piccolomini o la Elegía de madonna Fiammetta de Giovanni Boccaccio

La obra en cartel es una producción de Secuencia 3, Pentación Espectáculos, Saga Producciones y Teatre Romea.


Fotografías: © C. Meléndez


miércoles, 17 de abril de 2024

DOS TRONOS, DOS REINAS, EL DESENCUENTRO ENTRE DOS DINASTÍAS

 


Los Teatros Luchana son el escenario perfecto para el encuentro entre dos grandes personajes femeninos de la historia, Isabel I Tudor , Reina de Inglaterra e Irlanda y María Estuardo, Reina de Escocia . Sin que ni siquiera llegaran a conocerse, estas dos mujeres se pasaron sus vidas pendientes la una de la otra. Las dos, distanciadas por varios frentes pero con muchos puntos en común, dialogan en un encuentro privado al que el público asiste como si, en el teatro, se hubiera abierto una puerta al pasado. El ambiente político religioso del momento en Europa las enfrentó, también  los dos polos opuestos de las luchas religiosas, María fue la esperanza del catolicismo inglés en la clandestinidad, mientras que Isabel abogaba por la causa protestante. 

Este trabajo nos presenta una velada en la que las dos soberanas charlan y se muestran en una faceta muy íntima en la que se despojan de todo,  un encuentro imaginario que nunca existió. Una sentencia de muerte postergada. La feminidad y la masculinidad del poder a través de dos mujeres antológicas: Isabel I de Inglaterra y María Estuardo, Reina de Escocia. Durante esta reunión, surgirán todo tipo de cuestiones  entre estas dos mujeres que sin quererlo dependían la una de la otra. 

El artífice de este tinglado Pepe Cibrián, lo ha realizado con gran maestría y dirigido por Nicolás Pérez Acosta, cuenta con unos diálogos brillantes y un verso endiablado que los dos actores que la interpretan recitan con gran pericia a pesar de la dificultad que implican. La obra posee un gran fondo histórico, puesto que sabemos que se establecieron unos pactos entre ellas, aunque María estuvo encerrada posteriormente 19 años  tras La conjura de Babington, en la que entre otras cosas se contaba con asesinar a la reina Isabel y que en cambio supuso la sentencia de muerte de María Estuardo, quien había conspirado y firmado el documento. 

Un detalle acertado es la elección de actores masculinos para representar a estas mujeres poderosas, evocando la tradición teatral de la época isabelina donde los roles femeninos eran interpretados por hombres. Esta decisión no solo enriquece la representación desde un punto de vista histórico, sino que también permite a los actores explorar la profundidad de los personajes.

Los dos actores que se suben al escenario son Nicolás Pérez Acosta (en el papel de María Estuardo) y Nacho Guerreros (Isabel I de Inglaterra). Ambos se transforman de manera brutal y hacen una interpretación digna de la ovación que reciben al final del montaje, que al menos el día que yo estuve fue larga e intensa.

Ambos actores están fantásticos en sus respectivos papeles, Nacho Guerreros realiza una estupenda mímesis con el personaje de Isabel que pone los pelos de punta, y se maneja increíblemente bien con el vestuario, diseñado por Rubén Díaz y que por su ampulosidad supone todo un reto. Pérez Costa a su vez realiza una gran interpretación de la sibilina María, que sabiéndose condenada de antemano no pierde la esperanza de sobrevivir. 

Todos los matices de este trabajo se complementan a la perfección con el maquillaje y el peinado. Labor realizada por Patricia Yepes, cuyo buen hacer merece otro aplauso. Las máscaras blanquecinas que cubren los rostros de los actores, reminiscentes del Kabuki japonés y la moda isabelina, transportan al público a la época de las reinas. Además, estos elementos añaden una capa de misterio, recordando la especulación en torno a la muerte de Isabel I relacionada con los pigmentos de su maquillaje.

Dos Tronos, Dos Reinas es una de las apuestas más interesantes del panorama teatral que hay en este momento en la capital, con una temporada que promete cautivar al público hasta el 23 de junio. La obra no solo entretiene, sino que también invita a reflexionar sobre el poder, la política y las relaciones humanas en un contexto histórico fascinante. Si aún no has tenido la oportunidad de presenciar este encuentro único en escena, no dudes en reservar tus entradas y sumergirte en el drama y la intriga de dos reinas enfrentadas por el destino y unidas por la historia.


Fotos cedidas para prensa.

lunes, 15 de abril de 2024

ALFONSO LOSA Y PATRICIA GUERRERO LLENAN DE FLAMENCO EL TEATRO ESPAÑOL

 

© Esteban Perles

El flamenco, ese arte que late con fuerza en las venas de España, encuentra en Alfonso Losa y Patricia Guerrero dos de sus más brillantes intérpretes.  Alter Ego llega de su mano a la Sala Principal del Teatro Español, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, tras su rotundo éxito en el Festival de Jerez 2024, donde se ha alzado con el Premio del Público y el Premio de la Crítica. En las 28 ediciones del festival, solo en tres ocasiones anteriores un espectáculo ha sido reconocido con ambos galardones. La pieza ha obtenido también el Premio a la Mejor Composición Musical, a cargo de Francisco Vinuesa.

© Beatrix Molnar

Ahora, este dúo con música en directo podrá verse en tres únicas funciones en el Teatro Español del 25 al 27 de abril. Alter Ego supone el encuentro sobre el escenario de dos grandes figuras de la danza actual. Alfonso Losa es el máximo exponente de la escuela madrileña de danza flamenca y Premio de la Crítica del Festival de Jerez 2022 y Patricia Guerrero, Premio Nacional de Danza 2021 y nueva directora del Ballet Flamenco de Andalucía.

© Beatrix Molnar

Juntos dirigen e interpretan este dúo en el que dicen encontrar "sus espejos emocionales, sus yos más sinceros, lejanos, comprometidos, desinhibidos y expuestos". El espectáculo es un juego de dos cuerpos que bailan más allá de sus fronteras. Losa y Guerrero se buscan en lo ajeno en una danza compartida, abierta y libre. Un baile hecho de impulsos, sorpresas, preguntas, entrañas y desconciertos en el que dos personas se descubren en la danza. Un diálogo en el que el compromiso con la tradición y la osadía se unen para "crear un cuerpo nuevo. Que está y no lo vemos. Es real y es abstracto como un impulso genuino que escapa por pura necesidad, del vértigo", explican ambos creadores.

© Beatrix Molnar

Alfonso Losa y Patricia Guerrero representan lo mejor del flamenco contemporáneo. Con una profunda conexión con sus raíces y una visión innovadora, estos artistas están marcando un nuevo camino en el mundo de la danza. "Alter Ego" es una celebración de la pasión, la creatividad y la libertad, un espectáculo que promete dejar una huella imborrable en el corazón de quienes tienen el privilegio de presenciarlo.

© Beatrix Molnar

La música, un componente esencial en el flamenco, cobra vida gracias a la brillante composición  y la guitarra de Francisco Vinuesa y las emotivas interpretaciones de Sandra Carrasco e Ismael "El Bola". Cada nota, cada compás, acompaña magistralmente el baile de Losa y Guerrero, elevando la experiencia artística a nuevas alturas.

© Pablo Lorente

Alfonso Losa es considerado por muchos el más genuino representante de la escuela madrileña de danza flamenca y el necesario puente entre sus maestros y las nuevas generaciones. En plena madurez artística ha articulado su propio lenguaje con el que transmite los conceptos más auténticamente identitarios del baile tradicional a través de los nuevos códigos de la danza. 

© Esteban Perles

Patricia Guerrero recibe en 2021 el Premio Nacional de Danza por la "personalidad y fuerza de su arte, por haber sabido incorporar desde el flamenco más tradicional nuevas formas y estéticas en su baile, como se pone de manifiesto en sus últimos espectáculos, especialmente en su reciente interpretación de La Bella Otero como artista invitada del Ballet Nacional de España". De profundas raíces flamencas, Guerrero ha explorado otros estilos de música y danza.


jueves, 11 de abril de 2024

JARDIEL ENAMORADO: LA VIDA TRÁGICA DE UN GENIO CÓMICO

 


A partir del 10 de abril, el Teatro Infanta Isabel de Madrid alzará el telón con una historia que abraza la tragicomedia de uno de los genios más influyentes del teatro español del siglo XX: Enrique Jardiel Poncela. Ramón Paso, autor y director de esta obra teatral, nos invita a adentrarnos en la mente y el corazón de este hombre multifacético a través de "Jardiel Enamorado", una producción que promete no dejar indiferente a su audiencia.

Enrique Jardiel Poncela, un hombre de contradicciones y pasiones desbordantes, será interpretado magistralmente por Pepe Viyuela. A lo largo de la obra, Viyuela nos guiará por un viaje no convencional a través de los altibajos de la vida del autor, desde sus amores y desamores hasta sus éxitos y fracasos, pasando por sus aventuras en Hollywood y sus desventuras en Uruguay. En este periplo, desfilarán por el escenario personajes emblemáticos como Mihura, Chaplin y Benavente, pero siempre bajo la sombra alargada de Josefina Peñalver, el gran amor de la vida de Jardiel, interpretada por Ángela Peirat. El elenco estará consituido además de por Pepe Viyuela y Ángela Peirat por Ana Azorín, Inés Kerzan, Sergio Otegui y Rafa Ramos. 


La meticulosa producción de esta obra, a cargo de Andrés Vicente Gómez y Lola Teatro en colaboración con PasoAzorín Teatro, garantiza una experiencia teatral inmersiva que transportará al público desde las calles de Madrid hasta los escenarios de Hollywood, Uruguay y más allá. La escenografía e iluminación de Javier Ruiz de Alegría, el vestuario de Juan Sebastián Domínguez, el espacio sonoro de Daniel Villarroya y los elementos audiovisuales de Madrid Produce se combinan para dar vida a este fascinante viaje en el tiempo y el espacio.

Pero más allá del espectáculo escénico, "Jardiel Enamorado" nos invita a reflexionar sobre la verdadera esencia de Enrique Jardiel Poncela. ¿Quién fue realmente este hombre que desafiaba las convenciones y despreciaba la humanidad incluso mientras la abrazaba con fervor? Ramón Paso, como descendiente directo de Jardiel Poncela, nos ofrece una mirada íntima y reveladora de este genio caótico que marcó una era en el teatro español.


La obra nos sumerge en los altibajos de la vida de Jardiel Poncela, desde sus primeros años de gloria en Madrid hasta su trágico final en 1951, donde muere solo y arruinado, con su lúcida  mente disminuida y algo trastornada por la medicación que tomaba contra el cáncer, y lamentando una única cosa: su ruptura con Josefina. A lo largo de esta travesía, nos encontramos con un hombre que desafió las convenciones sociales, un seductor seducido, un bocazas que se peleó con el mundo y un autor responsable de algunos de los mayores éxitos y fracasos del teatro madrileño.

La figura de Jardiel Poncela cobra vida en las manos de Pepe Viyuela, quien describe el privilegio de dar vida a este personaje no como un mero acto de interpretación, sino como un acto de resurrección. Para Viyuela, encarnar a Jardiel Poncela es una oportunidad de habitar no solo un personaje, sino una persona real con sus propias pasiones, miedos y aspiraciones.

Y detrás de cada risa y cada lágrima en el escenario, se encuentra la visión única de Ramón Paso, un hombre cuya vida está entrelazada con la historia misma del teatro español. Como descendiente de una familia dedicada a las artes escénicas, Paso ha forjado su propio camino como dramaturgo y director, dejando su huella en más de cincuenta montajes teatrales que abarcan desde comedias delirantes hasta dramas profundos.

"Jardiel Enamorado" no solo es un homenaje a uno de los mayores talentos cómicos del siglo XX, sino también un viaje emocionante y revelador a través de la vida de un hombre extraordinario. Con una combinación de humor, tragedia y una pizca de locura, esta obra promete cautivar al público y dejar una impresión duradera en el panorama teatral español.

Fotografías: © C. Meléndez

miércoles, 10 de abril de 2024

LA ISLA DEL TESORO UNA AVENTURA MUY MUSICAL

 


Un viejo marinero llamado Billy Bones deja al joven Jim Hawkins el mapa de una isla donde está enterrado un tesoro. Jim con el Doctor Livesey preparan una expedición con la fragata “La Hispaniola” y se lanzan a la aventura.

El muchacho vive todas las experiencias con las que siempre hemos soñado de niños. El mapa del tesoro, la navegación, los piratas y el temido John Silver “El largo” que haciéndose pasar por cocinero se infiltrará con su tripulación en el barco y le dará más emoción a la aventura.


Basada en la novela de Robert Louis Stevenson la compañía La Bicicleta ha creado  un nuevo musical para ver en familia que hace la delicia de todos.

Las aventuras, la emoción, la amistad, los rencores y los enloquecidos piratas se unen a la música, las canciones, los bailes y las apasionantes peleas por el tesoro para ofrecer un espectáculo apasionante, divertido y también conmovedor. Sus personajes, ya icónicos, como el audaz, curioso y con frecuencia imprudente adolescente Jim Hawkins y el inmoral pero aparentemente bonachón y siempre sorprendente pirata Long John Silver nos apasionan y nos llevan a preocuparnos por su destino.


Bajo la dirección de Ana María Boudeguer, con Dramaturgia y producción de Julio Jaime Fischtel, Música Original de Ángel Padilla, Javier Marín y Ricardo Padilla y Letra de las canciones de Julio Jaime Fischtel y Ángel Padilla, el espectáculo fue finalista de los Premios Gran Vía en el 2007. 

El reparto está compuesto por Jaime Páramo Lara como el Doctor Livesey, Edgar López en el papel de Jhon Silver, Rafa Ventura como Jim Hawkins, Alberto Barahona es Capitán Smollet / Jonathan, Victor Benedé es Ben Gunn / Pew, David Sentinella como Perro Negro / Israel y Manuel Varela Paisal como Billy Bones / Dirk.  

La obra se podrá ver en la Sala Sanpol  del 13 al 28 de abril en sesiones de de 12:00 y 17:30 h. 


Fotografías de © Emilio Tenorio

martes, 9 de abril de 2024

UN DELICADO EQUILIBRIO, DE EDWARD ALBEE EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 


La obra teatral "Un delicado equilibrio" de Edward Albee, ganadora del premio Pulitzer en 1967, es una exploración intensa y turbulenta de las relaciones familiares y de amistad. La historia sigue a Agnes y Tobías, una pareja adinerada de mediana edad, cuya complacencia se ve alterada cuando sus amigos de toda la vida, Harry y Edna, llegan inesperadamente a su puerta, huyendo de un miedo indefinible que los ha obligado a abandonar su hogar. Este encuentro desencadena una tormenta emocional que pone en entredicho el delicado equilibrio de la vida de Agnes y Tobías.


La obra presenta a los personajes como seres atormentados por sus propias contradicciones y vulnerabilidades. Agnes, Claire, Tobias y Julia exhiben una gama de emociones que van desde la ternura hasta la repulsión, reflejando así la complejidad de las relaciones humanas. La llegada de Harry y Edna actúa como un catalizador que sacude las bases de la vida cotidiana de Agnes y Tobías, desencadenando un enfrentamiento con el miedo y la incertidumbre.


La presencia constante del alcohol en la obra sirve como un catalizador para un diálogo peligroso y excitante entre los personajes. Las conversaciones se convierten en un torbellino de pensamientos y emociones, donde todo se dice pero nada se resuelve verdaderamente. Esta dinámica refleja la incapacidad de los personajes para enfrentar sus propios miedos y conflictos internos.

A pesar de que "Un delicado equilibrio" fue escrita hace más de cincuenta años, su relevancia perdura en la sociedad actual. La obra plantea temas universales como la crisis de la seguridad en el mundo occidental y la inevitabilidad del paso del tiempo. En un mundo donde las estructuras sociales y las certezas se desmoronan, el miedo y la ansiedad se convierten en compañeros constantes.


Al final de la obra, Agnes sugiere comenzar el nuevo día como si quisieran empezar de nuevo, lo que plantea la posibilidad de un renacimiento después de la crisis. Esto nos lleva a reflexionar sobre el significado del miedo en nuestras vidas y el papel que juega en nuestro crecimiento personal. ¿Qué lecciones podemos aprender de enfrentar nuestros miedos más profundos? ¿Cómo podemos encontrar un equilibrio entre la seguridad y la incertidumbre en un mundo en constante cambio?

Protagonizada por Alicia Borrachero, Ben Temple, Manuela Velasco, Anna Moliner, Cristina de Inza, Joan Bentallé y bajo la dirección de Nelson Valente, la obra se puede ver en la Sala Guirau del Teatro Fernán Gómez hasta el 28 de abril. 


CASTING LEAR, UNA OBRA DE ANDREA JIMÉNEZ EN EL TEATRO DE LA ABADÍA

 


Es difícil definir lo que es Casting Lear sin haberla visto. Según su autora, nos encontramos en un ficción en la cual lo que hay en abundancia es “nada”. “La obra es un homenaje al teatro y por tanto es un homenaje a la nada, que es la frase fundamental que le dice  el Rey Lear a su hija Cordelia: “Nada puede surgir de la nada”. Por tanto lo que Andrea Jiménez pretende en esta versión personal de la obra de Shakespeare es un intento de sacar algo de la nada en esta pieza en la que el actor no sabe nada, en la que en la escena no hay nada, no se usa atrezo, no se usa un vestuario. Es simplemente un escenario encima de un escenario. La obra empieza con nada y termina con nada. 

Es también una terapia de sanación en la que se emplea el perdón como arma ya que tal como dijo el filosofo Reyes Mate “El perdón es el poder de la víctima.” Así Andrea Jiménez se enfrentará cada noche en cada representación a todos los padres que merecen ser perdonados, al Rey Lear que repudió a su hija Cordelia por supuesto, pero también a su propio padre y a otros muchos padres que aunque no estén en el escenario están en el fondo de lo que nos cuenta esta historia. 

Esta versión-simulacro de Rey Lear aspira a ser una puerta abierta para pensar cómo nos relacionamos con nuestros padres, los biológicos, pero también los metafóricos, incluido el mismo William Shakespeare. Es una autoficción a partir de un clásico o un clásico autoficcionado, y ojalá ninguna de las dos cosas. Es una pieza sobre el origen, sobre cómo lo que vino antes nos persigue aunque queramos ignorarlo. Sobre cómo nos construyen quienes nos preceden. Sobre cómo inventar una vida que te pertenezca sin olvidar el pasado. Sobre cómo imaginar otros finales posibles.

Andrea investiga los cruces entre ficción y realidad, teatro y performance en esta irreverente adaptación de Rey Lear de William Shakespeare, en la que dirigirá en directo a un actor distinto cada noche en el rol de Lear, porque la obra es también una audición, o un ensayo, eso que sucede antes de que todo suceda, el lugar justo antes de que algo tome su forma exacta. El momento exacto en el que aún todo es posible.

Con un reparto en el que figuran Andrea Jiménez y Juan Paños junto a José Luis Alcobendas, Ernesto Arias, Miguel del Arco, Jarek Bielksi, Alfonso Delgado, Adolfo Fernández, Juan Fernández, Daniel Freire, Vicente León, Andrés Lima, Mariano Llorente, Jesús Noguero, Rafa Núñez, Carlos Olalla, Alberto San Juan, Ángel Solo, José Luis Torrijo. De los que los únicos fijos serán Andrea y Juan Paños, en el papel de “Apuntador”, y donde el resto estarán en una sola función sin que el espectador que acuda a ver la función sepa previamente a quien le va a corresponder ser el Rey Lear ese día, nos encontramos ante un auténtico reto, tanto para quienes acudamos al teatro como para los propios actores y es que éstos llegarán allí sin un guion previo y serán guiados en sus primeros 30 o 40 minutos de representación por un pinganillo a través del cual el apuntador les irá dando las instrucciones de la directora, es decir de Andrea, sin que el público pueda escuchar dichas directrices. Si escuchará en cambio las palabras de Cordelia, teniendo que separar por tanto el trabajo de ambos roles, el de directora y el de protagonista de esta tragedia, ambos bajo el velo de la palabra de Andrea Jiménez.

Andrea abre así un espacio de encuentro con todo una generación de actores y hombres para reflexionar sobre la paternidad, el amor y el perdón, en un ejercicio teatral tan valiente como lúdico.

En este viaje la han acompañado Úrsula Martínez que codirige la obra con ella, Olga Iglesias en la dramaturgia, Judit Colomer en Iluminación y Escenografía, Lucas Ariel en el espacio sonoro, Amaya Galeote e Inés Narváez como encargadas de movimiento y Yaiza Pinillos encargada de vestuario. 

La obra estará en la Sala José Luis Alonso del Teatro de la Abadía entre el 11 y el 28 de abril.