EL MUSEO DEL PRADO APORTA UN TOQUE CONTEMPORÁNEO A TRAVÉS DE LA OBRA DE FERNANDO ZÓBEL

 

Existe una cita en los diarios de Zóbel que podría constituir el lema de la exposición que acaba de inaugurarse en la Sala C del Edificio de Los Jerónimos del Museo del Prado: ‘Recojo mi tarjeta (número 342) de copista del Prado. Lo esencial es que me da derecho a silla. Se me estaban acabando los cuadros que por casualidad tienen asiento puesto delante.’ Y es que para saber pintar, primero hay que saber mirar. Y fueron muchas las horas que Fernando Zóbel pasó mirando en las salas del museo fascinado por la investigación pictórica y realizando dibujos de sus obras favoritas. 

¿Cómo admirar la pintura de los grandes maestros sin ser una víctima pasiva de su fascinación? ¿Cómo sumergirse en el arte del pasado sin abdicar del compromiso con las vanguardias modernas y contemporáneas. La respuesta de Fernando Zóbel (Manila, 1924 – Roma, 1984) fue a un tiempo simple y enormemente sofisticada: estudiarlos para comprenderlos y luego, reinventarlos. 

Autorretrato, 1952 © Fundación Juan March

A través de un recorrido por su pintura y sus dibujos El Prado acoge a Fernando Zóbel y su extraordinaria mirada sobre el arte de los grandes maestros. En total son 42 pinturas, 51 cuadernos de apuntes y 85 dibujos y obra sobre papel, procedentes de colecciones españolas, filipinas y norteamericanas, las que conforman el recorrido con el que el Museo Nacional del Prado, con la colaboración de la Comunidad de Madrid, rinde homenaje a una figura fundamental de la pintura española de la segunda mitad del siglo XX.

“Zóbel. El futuro del pasado” explora la obra del pintor a lo largo de dos itinerarios que son fundamentales para valorar su original contribución a la pintura abstracta contemporánea: el primero, entre la modernidad y el legado de la tradición, reúne los estudios del pintor realizados en museos a lo largo de todo el mundo, el Museo del Prado muy particularmente, reconstruyendo su proceso creador. En segundo lugar, la exposición sigue  la obra de Zóbel a través de un itinerario, internacional y geográfico, mostrando cómo el dibujo fue la herramienta que le acercó a una forma original y alternativa de modernidad  que Zóbel descubrió en Asia, en la tradición vernácula de las Islas Filipinas o en la pintura china y japonesa. Ambos itinerarios nacen de la particular condición biográfica del artista: Nacido en Manila, formado en los Estados Unidos para acabar instalándose en España, Fernando Zóbel no fue solo un pintor enormemente curioso y erudito, también fue un viajero permanente y un artista radicalmente cosmopolita.

Comisariada por Felipe Pereda, profesor en la Universidad Autónoma de Madrid, en la Johns Hopkins University (Baltimore) y en la Universidad de Harvard y Manuel Fontán del Junco, director de Museos y Exposiciones de la Fundación March, ambos muy ligados profesional e institucionalmente a la figura del pintor, “Zóbel. El futuro del pasado” recrea la larga conversación del artista moderno con los grandes maestros, una conversación que se fraguó en museos de todo el mundo. 

Estructurada en cinco ámbitos, la exposición reconstruye el itinerario poético y artístico de Zóbel, entre los extremos de un mismo principio: aprender a mirar, para entender el arte de los grandes maestros, por un lado, y, por el otro, volcar lo aprendido en su propia obra para así compartirlo. La obra de Zóbel es una conversación continuada con los maestros del pasado. Y esas conversaciones son ejercicios de traducción pictórica. Lo nuevo es lo antiguo revalorizado sobre nuevas bases. Zóbel elevó el acto de pintar desde el hábil oficio de plasmar las apariencias hasta el comentario apasionado sobre la naturaleza intangible de la verdad. 

Fernando Zóbel, años 50'. Fotógrafo desconocido

© Fotografías Conchita Meléndez

La Calcografía Nacional muestra la obra de Guillermo Pérez Villalta, Premio Nacional de Arte Gráfico 2020

 

De izquierda a derecha, Victor Nieto Alcaide, Juan Bordes, Guillermo Pérez Villalta y Tomás Marco Aragón

La Real Academia de San Fernando en su espacio de Calcografía Nacional expondrá la obra de Guillermo Pérez Villalta entre el 10 de noviembre de 2022 y el 15 de enero de 2023. 

Instituido en 1993 por la Calcografía Nacional, el Premio Nacional de Arte Gráfico galardona la trayectoria consolidada de nombres imprescindibles del panorama artístico español y, en particular, de quienes han desarrollado una propuesta reconocida en diferentes manifestaciones de la imagen múltiple. En su edición del año 2020 el Premio fue otorgado a Guillermo Pérez Villalta.

Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 1948) es un artista polifacético, pintor, dibujante, grabador, escultor y diseñador, así como escenógrafo y figurinista, paisajista y escritor; o, como él prefiere, un artífice. Integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo español, en la década de los 80 estuvo vinculado a la Movida madrileña. Su formación y vocación por la arquitectura se reflejan en sus obras, donde los espacios y vacíos juegan con la luz, además de construir composiciones geométricas y teatrales que sirven de escenario para la superposición de elementos simbólicos y mitológicos. Para Pérez Villalta el dibujo es el vehículo que le permite expresar sus ideas; las proporciones y el orden contribuyen a ello. Defensor de la libertad en el arte, su propuesta estética aúna tradición y modernidad, en técnicas y motivos. La suya es una proposición ecléctica, tendiendo hacia la racionalidad y simplificación.

La exposición organizada por la Calcografía Nacional muestra la trayectoria de Pérez Villalta en el campo del arte gráfico. Una predilección por este género de expresión artística que le ha llevado a realizar ediciones en aguafuerte, litografía y serigrafía, así como la ilustración de varios libros, entre ellos, Faetón, del conde de Villamediana, La Odisea –serie con la que ilustró el libro de Homero traducido por José Manuel Pavón- o Los viajes de Gulliver, de Jonathan Swift. Los dos primeros trabajos mencionados forman parte de las cuatro series en las que se estructura la exposición. Otro conjunto de obras expuestas se articula en torno a Pabellones, fruto de la experimentación, una de las primeras incursiones del artista en el mundo digital, donde recrea espacios arquitectónicos formados a partir de la combinación de diagonales entrecruzadas en la estampa, creando divisiones armónicas.

Finalmente, se presenta la serie inédita Verbum et imago, creada exprofeso para la exposición, formada por siete aguafuertes con frases que condensan pensamientos líricos del artista.

Con esta muestra Pérez Villalta comparte la experiencia de la realización de su obra, el complejo proceso que entraña la ejecución de sus estampas. Para ello se incluyen, además de imágenes impresas, dibujos originales y matrices que apoyan el discurso creativo y manifiestan el cuidado trazo y la elegancia de sus composiciones.

Durante la presentación de la muestra, la institución hizo entrega al artista de dos grabados de Goya.

EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ PRESENTA LA OBRA DE XAVO GIMÉNEZ “ESPALDAS DE PLATA”

 

Laila Ripoll, directora artística del teatro Fernán Gómez ha prsentado el montaje Espaldas de plata de la compañía La Teta Calva. La obra se podrá ver del diez al veintisiete de noviembre de 2022 en la Sala Jardiel Poncela.

La obra ha sido escrita y dirigida por Xavo Giménez, quien también acuta en la función junto al actor argentino Leo De Bari, quien ya había colaborado con el director en anteriores producciones como “El muro”, “California” o “Les aventures de T Sawyer”. El guion nos muestra a Fontana y Walter, dos ejecutivos que trabajan en una agencia de publicidad encargada de la campaña de un político que ha pasado unos años en la sombra debido a oscuros casos de corrupción y ahora vuelve a la carrera después de haber pagado por todos sus pecados. 

Fontana, un creativo publicitario se ve empujado a aceptar algo que detesta, a cumplir unas órdenes que él nunca daría. Porque de eso va esto, de dar o cumplir órdenes. Comete el imperdonable error de traicionar a sus principios y cuando decide reconducir la situación, cuando decide enmendar sus pecados, ya no hay marcha atrás. Una vez bato las alas en mi sofá, se desatan los tornados en Oklahoma.

Es ésta una obra que surge de una historia real. En el año 2005 a María Cárdenas, cofundadora junto a Xavo Giménez de la compañía La Teta Calva, le ofrecieron ser la directora creativa de la campaña de un político en las elecciones autonómicas cuando trabajaba como directora creativa en una agencia. Ella rechazó el producto, pero se pregunta, ¿qué habría pasado si hubiese sido culpable de su mayoría absoluta y posterior abuso institucional? O ¿Qué habría pasado si hubiese podido hundirle la carrera de por vida?.

La función está amenizada por la música de varias bandas valencianas entre ellas Petit Mal, un grupo de country rock a la valenciana del que forma parte el propio Xavo Giménez. 

OTRO RENACIMIENTO. ARTISTAS ESPAÑOLES EN NÁPOLES A PRINCIPIOS DEL CINQUECENTO

Organizada con el Museo e Real Bosco di Capodimonte de Nápoles, el Museo Nacional del Prado, con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA, plantea hasta el 29 de enero de 2023 en las salas A y B del edificio Jerónimos, un recorrido por uno de los capítulos más fecundos y desconocidos de la cultura del Renacimiento europeo: de la España y  lde a Italia meridional hacia “la maniera moderna”, el gran arte basado en la revolución llevada a cabo por Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.  

La Virgen y San José - Pietro Velverte (1507-1508)

Bajo el título “Otro Renacimiento. Artistas españoles en Nápoles a comienzos del Cinquecento”, esta exposición, compuesta por 75 obras (44 pinturas, 25 esculturas, 5 libros y 1 retablo) procedentes de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales, pretende llamar la atención sobre una cronología (los años iniciales del siglo XVI), una geografía (Nápoles) y unos actores (pintores y escultores italianos y españoles), que conforman un panorama artístico a menudo considerado secundario respecto a los tradicionales focos del Renacimiento: Florencia y Roma, y que tuvo además una decisiva trascendencia dentro de una realidad política más amplia, la de la Monarquía Hispánica, como demuestra la posterior actividad en España de artistas como Pedro Machuca, Bartolomé Ordoñez, Diego de Siloe, Pedro Fernández o Alonso Berruguete, entre otros. 

Llanto sobre Cristo Muerto - Maestro del Retablo de Bolea - Antes de 1503

Retablo de la Visitación - Pedro Fernández (1510-1519)

La exposición, comisariada por Andrea Zezza, Professore associato, Dipartimento di Lettere e Beni Culturali, Università degli Studi della Campania, y Riccardo Naldi, Professore, Facoltà di Lettere e Filosofia, Università degli Studi Napoli «L’Orientale», propone, en palabras de Javier Solana, Presidente del Real Patronato del Museo Nacional del Prado, “emprender un viaje visual por una etapa cargada de interés, por un instante en el que se estaba descubriendo una nueva manera de expresión artística, que se interpretaba de otro modo y que llegaría a la península ibérica digerida, metabolizada y diferente”.  

Virgen Anunciada - Gionanni da Nola, 1508-11

Inscrita en un espacio arquitectónico que evoca las construcciones napolitanas de la época, “Otro Renacimiento” proporciona una idea muy aproximada de lo que supusieron las novedades de ese período sin circunscribirse a una sola disciplina artística. Se transmite de este modo una percepción global, ajustada a una realidad de convivencia de técnicas y materiales. La pintura sobre madera o lienzo, la miniatura, la madera policromada o la escultura en mármol presentan un panorama variado de tipologías y formatos que traslada de manera más verosímil al período que se ilustra.  

Santa Catalina de Alejandría y Santa María Magdalena - Agostino Tesauro (1518)

La muestra pone sobre la mesa el papel que desempeñaron los artistas hispanos en la introducción de los códigos del Renacimiento en Nápoles y en la asimilación de todo el movimiento de vanguardia que estaba aconteciendo en el centro y norte de la península itálica, convirtiéndose en vehículos imprescindibles de novedades por Nápoles y, posteriormente, por la península ibérica. Los artistas españoles viajeros por Italia en una peregrinación formativa que les ponía en contacto con los períodos más brillantes de la Antigüedad clásica, pero también con aquellos grandes maestros que estaban revolucionando el lenguaje artístico, vieron en la incorporación de Nápoles a los territorios hispánicos una excelente oportunidad de demostrar sus habilidades, dejando allí su huella y su influencia. 

San Juan Bautista y San Juan Evangelista - Andrea di Piero Ferrucci (1508-15010)

La virgen de la leche - Atribuido a Pedro Machuca (1516)

La exposición está montada por secciones y destacan en ella obras tan impresionantes como el Retablo de santa Elena de Pedro Fernández y Antoni Norri (1519-1521), que ha sido prestado íntegramente por la Catedral de Girona; La Sagrada Familia con Rafael, Tobías y san Jerónimo (Virgen del pez), de  Raffaello di Giovanni Santi, llamado Rafael Sanzio (1512-1513), La Virgen y las ánimas del Purgatorio Pedro Machuca (1517), las dos esculturas de San Sebastián, o el Cristo atado a la columna, en alabastro policromado de Digo de Siloe (1530)

Retablo de santa Elena - Pedro Fernández y Antoni Norri (1519-1521)

Cristo atado a la columna - Diego de Siloe (1530)

Imágenes: © C. Meléndez

LA OBRA DE GAUDÍ EL GENIO CATALÁN SE EXHIBE EN CENTROCENTRO

 

La delegada del Área de Cultura Andrea Levy, ha  presentado hoy en CentroCentro acogerá del 14 de octubre al 5 de febrero de 2023 la exposición GAUDÍ, comisariada por Charo Sanjuán, que reúne más de 150 piezas procedentes de las más importantes colecciones del arquitecto catalán, entre las que se exhiben planos, dibujos, maquetas, muebles, elementos arquitectónicos, cerámica y fotos de época. La delegada del Área de Cultura Andrea Levy, ha  presentado hoy la exposición y ha agradecido la colaboración  a las instituciones públicas y privadas, museos, universidades, archivos, galeristas y coleccionistas, sin los cuales esta exposición no hubiera sido posible. 

La exposición, que aborda de una forma extensa la figura del reconocido arquitecto reúne más de 150 piezas. Destacan, entre otros, los planos para el proyecto para la Sociedad Cooperativa La Obrera Mataronense; la hoja de palmito en hierro fundido de la reja de la Casa Vicens; los planos originales correspondientes a las casas Calvet, Batlló y Milà; el mosaico hidráulico que diseñó para el piso principal de la Casa Batlló; la planta general del Templo de la Sagrada Família, datado en 1885; y las fotos del Park Güell, realizadas por Adolf Mas, las mismas que se exhibieron en la muestra de París de 1910. 

Antoni Gaudí (Reus, 1852 - Barcelona, 1926) está considerado un genio de la arquitectura y del arte a nivel mundial. Siete de sus edificios han sido declarados Patrimonio Mundial por la UNESCO: el Park Güell, el Palau Güell y la Casa Milà —«La Pedrera»—, desde 1984; la Casa Batlló, la cripta de la Col nia Güell, la Casa Vicens y la cripta y la fachada de la Natividad de la Sagrada Família, desde 2005. Sus obras atraen desde hace años multitud de visitantes de todo el mundo, que quedan sorprendidos y fascinados por su originalidad y belleza.  

La exposición GAUDÍ pone de manifiesto que la originalidad de las formas, la ornamentación, el cromatismo, la riqueza de los símbolos y su inspiración en la naturaleza son elementos que fascinan a primera vista. Pero luego, con una mirada más atenta, se descubren otros aspectos que subyacen en su trabajo y que evidencian al gran arquitecto: muestran que, detrás de la forma, está la racionalidad de su sistema constructivo y que su arquitectura es un prodigio de inventiva, soluciones constructivas e innovación, fruto de su propio genio personal, pero también del estudio y de un trabajo minucioso e ingente al que dedicó toda su vida.

Hace más de 20 años que Madrid no acoge una muestra tan extensa sobre Gaudí, una de las figuras más destacadas de la arquitectura y el arte internacionales.  

La exposición se acompaña de un importante catálogo que incluye textos de Charo Sanjuán Gómez, comisaria de la exposición; Antoni Ramon Graells (ETSAB Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona - UPC); Francesc Fontbona de Vallescar (Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi); Jordi Pomés Vives (Universitat Aut noma de Barcelona); Jaume Sanmartí i Verdaguer (Doctor arquitecto); y Carmen Rodríguez Pedret (Cátedra Rodríguez ETSAB. UPC).

PICASSO Y CHANEL JUNTOS EN EL MUSEO THYSSEN BORNEMISZA

 

No es la primera vez que el Museo Thyssen hermana moda y pintura en sus salas, ya en el 2018 presentó una exposición que analizaba la influencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla en la que las pinturas del autor compartían protagonismo con vestidos y complementos de la época. También en 2019 hubo una muestra compartida por estas dos disciplinas, en ella se vinculaba la creación de Cristóbal Balenciaga, el diseñador de moda más admirado e influyente de todos los tiempos, con la tradición de la pintura española entre los siglos XVI y XX.

Lo novedoso pues de esta exposición que se ha inaugurado hoy 11 de octubre y que permanecerá en activo hasta el 15 de enero del 2023 es que en esta ocasión son dos figuras concretas las que se enfrentan cara a cara, dos de los más grandes genios, cada uno en su campo, del pasado siglo. Picasso, indiscutible a la hora de hablar de grandes pintores y Chanel, quien indudablemente transformó el mundo de la moda. 

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una exposición que explora la relación de dos grandes creadores del siglo XX. Picasso y Chanel colaboraron profesionalmente en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en Antígona (1922) y en el ballet de Serguéi Diághilev El tren azul (Le Train Bleu, 1924). Se habían conocido en la primavera de 1917, seguramente a través del propio Cocteau o de Misia Sert. La diseñadora entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo del pintor español. A partir de entonces, Chanel frecuentará al matrimonio de Olga y Pablo Picasso, coincidiendo con la activa participación del artista en los Ballets Rusos de Diághilev. La creadora llegó a estar muy relacionada con el mundo artístico e intelectual del París de la época, hasta el punto de afirmar: “son los artistas los que me han enseñado el rigor”. 

Chanel y Picasso fueron estrictamente contemporáneos y los dos tuvieron una enorme capacidad de trabajo, o más bien una necesidad imperiosa de crear hasta el final de sus días renegando, en muchas ocasiones, de los cánones establecidos. 

Gabrielle Chanel, más conocida en el mundo de la alta costura como Coco Chanel, era apenas dos años más joven que Pablo Picasso y frecuentaban los mismos círculos. Personajes como Serge Lifar, Satie, Jacques Lipchitz, Georges Braque, Cocteau, Raymond Radiguet, Misia y Sert, Caryathis, o Blaise Cendrars, formaban parte de la bohemia que les rodeaba y la residencia de la modista en la 29 rue du Faubourg Saint-Honoré se convirtió en un punto de encuentro de la vanguardia. Picasso y Chanel se conocieron en la primavera de 1917, cuando ambos se encontraban en la treintena y ya eran célebres en sus respectivas actividades profesionales. Picasso empezaba a ser uno de los pintores más cotizados de París, mientras que Chanel, tras comenzar su carrera como sombrerera, había triunfado como diseñadora de moda y abierto tiendas en París (1910), Deauville (1912) y Biarritz (1915). Su natural intuición y su insaciable afán de aprender la llevaron a rodearse de músicos, literatos y pintores con los que compartió interminables veladas y de los que en ocasiones se convirtió en mecenas ayudando económicamente a Stravinsky, al poeta Pierre Reverdy o a Jean Cocteau.

La amistad entre el matrimonio formado por Pablo Picasso y Olga Khokhlova con Chanel fue tan firme que en ocasiones cuando él regresaba a París desde su residencia  en Fontainebleau por motivos de trabajo se alojaba en casa de Chanel para no tener que soportar la soledad que le provocaba su apartamento vacio. En agradecimiento Picasso regaló a Chanel un ejemplar del libro firmado con 32 reproducciones de los diseños para el vestuario y decorado del ballet El sombrero de tres picos, de Manuel de Falla, de 1919.

La muestra, comisariada por Paula Luengo,  conservadora y responsable del Área de Exposiciones del museo, reúne una excepcional selección de vestidos, óleos, dibujos y otras piezas procedentes de museos y colecciones americanos y europeos, entre los que destacan por su generosa colaboración Almine y Bernard RuizPicasso, Patrimoine de CHANEL y el Musée national Picasso de París.  

El recorrido por las salas se organiza en cuatro grandes secciones que se suceden en orden cronológico y que abarcan, aproximadamente, las décadas de 1910 y 1920:  

El cubismo y el estilo Chanel presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de Chanel ya desde sus primeros e innovadores diseños: el lenguaje formal geométrico, la reducción cromática o la poética cubista del collage se traducen en trajes de líneas rectas y angulosas, en su predilección por las masas de color, por el blanco, el negro y el beige, y en la utilización de tejidos humildes.  

Olga Picasso, el segundo capítulo, está dedicado a los numerosos y bellos retratos que Picasso realizó de su primera mujer, la bailarina rusa Olga Khokhlova, devota clienta de Chanel; junto a ellos, algunos vestidos de este periodo inicial de la diseñadora francesa, de los que se conservan escasos ejemplos.

Antígona, adaptación moderna de la obra de Sófocles realizada por Cocteau y estrenada en París en 1922, con decorados y máscaras de Picasso y vestuario de Chanel que vuelven a reunirse en este capítulo para mostrar su común inspiración en la Grecia clásica.  Destaca en esta sección la vasija prestada por el British Museum de Londres, atribuida al Pintor de Dolón, Antígona ante Creonte, 390-380 a. C.

El tren azul es el título del cuarto apartado y del ballet producido por Diághilev en 1924, con libreto de Cocteau inspirado en el deporte y la moda de baño; Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), un pequeño gouache que Diághilev descubrió en el taller de Picasso, se convirtió en imagen para el telón de la obra, mientras que Chanel, entusiasta deportista, creó trajes para los bailarines inspirados en modelos deportivos diseñados para ella misma y para sus clientes.

La comparación directa entre los diseños de Chanel y la obra de Picasso evidencia admiración contribuyendo ambos a la construcción del paradigma moderno. Chanel creó el ‘uniforme’ de la mujer moderna y dinámica del siglo XX,  igual que Picasso logró formular un nuevo canon de belleza plástica que se convierte en su estilo.

CELEBRACIÓN PICASSO 1973-2023: 50 EXPOSICIONES Y EVENTOS PARA CELEBRAR A PICASSO  

El 8 de abril de 2023 se cumplen cincuenta años del fallecimiento del artista español Pablo Picasso, evento que marcará la celebración de su obra y su herencia artística. Los gobiernos de Francia y de España han acordado trabajar conjuntamente a través de una comisión que reúne a las administraciones culturales y diplomáticas de los dos países.  

La Celebración Picasso 1973-2023 gira en torno a unas cincuenta exposiciones y eventos, organizados por instituciones culturales de Europa y América del Norte, que permitirán abordar un análisis historiográfico de su obra. La conmemoración, acompañada de celebraciones oficiales en Francia y España, servirá para hacer un balance de las investigaciones e interpretaciones en torno a Picasso, especialmente durante un simposio internacional que tendrá lugar en otoño de 2023, coincidiendo con la apertura del Centre d'Études Picasso en París.