LAS LOCURAS POR EL VERANEO DIRIGIDA POR EL NUEVO DIRECTOR DEL TEATRO ESPAÑOL SE REPRESENTA EN NAVES DEL MATADERO

 

Las locuras por el veraneo es una comedia de enredo a la antigua usanza, no en vano fue escrita a mediados del siglo XVIII por Carlo Goldoni el renovador de la Commedia dell'Arte. En esta ocasión la obra ha sido adaptada y dirigida por Eduardo Vasco, quien en breve asumirá las funciones de director del Teatro Español. 

La obra se representa en la sala Max Aub (Nave 10) de las Naves de Matadero, que tras la reforma surgida en el seno del Teatro Español queda como un ente  independiente de cuya dirección y proyectos se hará cargo Luis Luque, director de escena, docente y, desde el año 2019, director adjunto artístico del Teatro Español y las Naves. La representación estará en las Naves hasta el 28 de enero. 

El veraneo se encuentra entre las actividades sociales irrenunciables de las familias de Livorno y los preparativos de última hora resultan vertiginosos, ya que nadie quiere quedarse a pasar los calores estivales en la ciudad. El destino soñado son las apacibles villas de la Toscana (Montenero) y, cómo no, todo el ocio y las diversiones que el campo ofrece. ¡La vida no se entiende sin esta temporada de indolencia y descanso!

Pero la rivalidad y los celos encienden los ánimos durante los días previos a la partida, y aunque la cortesía reina entre las familias burguesas de la ciudad, una enloquecida competencia hará saltar todo por los aires. Leonardo y su hermana, pese a estar endeudados hasta las cejas y contar con muy pocos recursos, no se van a resignar a quedarse sin vacaciones y, sobre todo, teniendo en cuenta que la familia de su vecino Filippo, y su bella hija Giacinta, lo tienen todo a punto para partir hacia un verano de ensueño.

Dos familias desatadas en una competición de apariencias se encontrarán inmersas en un buen número de situaciones cómicas que conseguirán que el espectador disfrute de una gran comedia al tiempo que reflexiona sobre algunos de los valores de entonces que, todavía hoy o quizás hoy más que nunca, condicionan nuestro comportamiento como ciudadanos.  Aparentar, ser reconocidos, quizás se hagan de un modo diferente pero no deja de ser lo que cada día vemos en las redes sociales  en donde lo más importante es el número de seguidores aunque no se conozcan de nada. 

De izquierda a derecha: Jesús Calvo, Alberto Gómez Taboada, José Ramón Iglesias, Celia Pérez, Rafael Ortiz, Elena Rayos y Eduardo Vasco © Conchita Meléndez

La adaptación que ha llevado a cabo Eduardo Vasco pone a los actores y actrices a cantar y a bailar sobre el escenario y moderniza los diálogos con temas actuales en los que Giacinta bien podría pertenecer a algún colectivo feminista, porque como bien se encarga de decir su criada, ella es muy “Contemporánea”. 

Acompaña a la puesta en escena el buen hacer de Carolina González, quien se ocupa del Diseño de espacio escénico y atrezzo, la iluminación de Miguel Ángel Camacho y un acertadísimo vestuario diseñado por Lorenzo Caprile. 

El elenco está compuesto por :

Rafael Ortiz             (Leonardo, caballero) 

Elena Rayos              (Giacinta, hija de Filippo) 

José Ramón Iglesias         (Ferdinando, parásito) 

Mar Calvo    (Vittoria, hermana de Leonardo) 

Alberto Gómez Taboada   (Guglielmo, caballero) 

Jesús Calvo           (Filippo, anciano y jovial) 

Celia Pérez   (Fulgencia, viuda con ínfulas de celestina) 

Manuel Pico             (Paolo, criado) 

Anna Nácher      (Brigida, criada)

Las fotografías de escena han sido realizadas por Vanessa Rabade.

LA ISLA DEL AIRE REUNE A CINCO ACTRICES LIDERADAS POR LA VETERANA NURIA ESPERT

De izquierda a derecha Vicky Peña, Mario Gas, Nuria Espert, Claudia Benito, Candela Serrat, Teresa Vallicrosa y Josep María Pou © Conchita Meléndez

 

La isla del Aire, obra basada en la primera de las novelas que componen la trilogía escrita por Alejandro Palomo El tiempo que nos une,  y que acaba de estrenarse en el Teatro Español, es una reescritura realizada por el propio autor de los dramas que arrastran  las tres generaciones de mujeres de una misma familia. A través de sus conversaciones, pensamientos y discusiones, nos irán abriendo las puertas del jardín de los secretos: sus tristezas, alegrías y miserias; sus desamores, encuentros y pérdidas en el camino; esas historias que cuentan una vida y conforman una familia. 

La trama se desarrolla en Menorca, aunque para los conocedores de la isla y sus maravillosos faros, la escenografía les resultará un tanto fría y gris, más propia de algún país nórdico que de las aguas cálidas y cristalinas del Mediterráneo. Las cinco mujeres que conforman la familia, seis en realidad porque la sombra de Helena planea sobre ellas durante todo el relato, acaban reuniéndose en la Isla del Aire, un lugar emblemático para ellas y al que solían acudir en otros momentos menos traumáticos de sus vidas para solazarse. 

Es la matriarca Mencía (Nuria Espert), quien las empuja a visitar el lugar y quien en mayor o menor medida ha forjado el destino del resto de la familia. Su intención es conseguir una catarsis que acabe por sacar a la luz los secretos,  problemas y dolores de un grupo de mujeres rotas, incapaces de reaccionar y de abrirse a los demás y a ellas mismas. Mencía es capaz de manipular a su antojo, utilizando su fragilidad, su fingida ausencia de memoria o una despiadada y cruel sinceridad revestida de esa senilidad a la que todo se le permite. 

Lía (Vicky Peña) es incapaz de soportar la desaparición de su hija Helena un año antes en las aguas que rodean la isla. Se niega a darla por muerta y aún sigue soñando en que en algún momento volverá. Aun así ejerce como cobijo para el resto de la familia. 

Teresa Vallicrosa interpreta a Flavia, la otra hija de Mencía y quien guarda un mayor rencor contra ésta por la forma en que manipuló su vida muchos años atrás. Es la encargada de cuidarla y lo hace con rabia aunque en el fondo depende totalmente de esa relación tóxica que las une a ambas. Candela Serrat, Inés en la ficción, al igual que ocurre con el personaje de Flavia, está como desaprovechada, sus intervenciones son escasas y resulta un personaje bastante indiferente cuando en realidad podría tener un gran protagonismo. Su drama personal quizás sea uno de los más actuales y por lo tanto más cercano. 

Es la relación entre Mencía y su nieta Bea, Claudia Benito, que escribe para que alguien la escuche, la que lleva el peso principal de la obra. Sus secretos compartidos y confesados en una especie de juego ideado por la matriarca, son lo más cercano a lo que el autor pretende que nos acerquemos, esa especie de catarsis que no llega a cuajar porque a la obra dirigida por Mario Gas le sobra profesionalidad y le falta mala leche. La resignación de estas mujeres es tan patente que en ningún momento, si acaso brevemente por parte de Inés, vemos un conato de rabia, un instinto primario que les haga levantar la voz. 

Tras la caída del telón lo que sí está claro es que Nuria Espert sigue dando el do de pecho y que a pesar de su avanzada edad, tanto la  de la actriz como la de su personaje, aún puede hacernos sonreír y aplaudir con ganas. 

La obra, que llega a Madrid tras su paso por el Teatre Romea de Barcelona,  es una producción de Grup Focus, con la colaboración de ICEC, en la que el director ha contado con un equipo artístico de grandes profesionales como son Paco Ariza que firma las luces; el vestuario corre a cargo de Antonio Belart; la escenografía es de Sebastià Brossa; la música original y espacio escénico son de Orestes Gas; la videoescena la firma Álvaro Luna con la colaboración de Elvira Ruíz y la caracterización es de Núria Llunell.

Las fotografías de escena han sido realizadas por David Ruano. 

EL TEATRO ESPAÑOL HOMENAJEA A TENNESSEE WILLIAMS

El Teatro Español, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, presenta del 9 de noviembre al 17 de diciembre el estreno de Tennessee, dos obras cortas y un entremés, espectáculo dirigido por María Ruiz e interpretado por César Camino, Cristina Medina y Maripaz Sayago. La propuesta, que podrá verse en la Sala Margarita Xirgu, consta de dos obras cortas de Tennessee Williams: La marquesa de Larkspur Lotion y Háblame como la lluvia, y un entremés o intermedio escrito por María Ruiz y Cristina Medina. 

 

La marquesa de Larkspur Lotion y Háblame como la lluvia son dos de las joyas indiscutibles del teatro del siglo XX. Una marquesa adicta al insecticida, un escritor que no escribe, cucarachas voladoras y amantes que intentan quererse mientras se mueren de hambre. Personajes de deshecho que se defienden como pueden de un mundo que no entienden y que reflejan como nadie la quintaesencia del talento de Williams ya que, gracias a su talento y a su sentido del humor, se convierten en sus manos en personajes literalmente inolvidables.  

Estas dos obras cortas, raramente representadas, son un nuevo encuentro con uno de los grandes autores de teatro de la historia reciente, una oportunidad para sumergirse de nuevo en ese prodigio que es Tennessee Williams, ganador en dos ocasiones del Premio Pulitzer: la primera en 1948 por Un tranvía llamado deseo y la segunda en 1955 por La gata sobre el tejado de zinc. 

 

El programa se completa con un entremés escrito por María Ruiz y Cristina Medina, donde una actriz en proscenio se debate con los personajes de Williams, entre ellos la adorable marquesa que acaba de interpretar. 

"Con el paso del tiempo, a la vez que iba comprendiendo algo de las cosas humanas, apreciaba más y más a Tennessee Williams y muy especialmente a estos personajes indefensos que parecen sacados de la basura y por los que siento una especie de hermandad, como si en cierto modo me notara hecha de la misma pasta”, cuenta la directora María Ruiz. “Me di cuenta de que se debía a que Tennessee se identifica con ellos, que los mira con el amor con que se tratan las cosas propias, los entiende, le resultan interesantes y le hacen gracia. Que en el último escalón antes del precipicio social en que se mueven los haya adornado con el valor y la chispa de personajes nobles me produce una especie de alegría que espero poder transmitir a través de los actores y de un grupo de creadores que han demostrado ya lo que valen". 

Tennessee, dos obras cortas y un entremés es una coproducción de Teatro 

Español y Producciones Come y calla.

La función de Teatro Accesible de Tennesse, dos obras cortas y un entremés tendrá lugar el viernes 17 de noviembre.  

 

Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años. 

 

EL TEATRO DE LA ZARZUELA RECUPERA LA ACLAMADA PRODUCCIÓN DE ‘LAS GOLONDRINAS’ DE JOSÉ MARÍA USANDIZAGA FIRMADA POR GIANCARLO DEL MONACO

El Teatro de la Zarzuela ha inaugurado en la tarde de hoy 9 de noviembre el drama lírico ‘Las golondrinas’ de José María c en su versión de ópera. La representación estará en cartel hasta el día 19. Este montaje lúcido, apasionado y sorprendente firmado por Giancarlo del Monaco –uno de los directores más celebrados en el horizonte lírico internacional– que ya cosechó la alabanza unánime de crítica y público en su estreno de 2016, contará asimismo con la dirección musical de uno de nuestros pesos pesados de la música en el mundo como es Juanjo Mena, que estará al frente de un brillante doble reparto, así como del Coro Titular del Teatro y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. 

Dos serán los repartos que den vida a este triángulo de amor, celos y circo. El papel de Celia, causante de amores y recelos, también víctima, estará interpretado por las mezzosopranos Ketevan Kemoklidze y María Antúnez; el de Lina, la joven que suspira en silencio por el amor de Puck, cobrará vida en las voces y gestos de las sopranos Raquel Lojendio y Sofía Esparza; el del payaso Puck, jefe de saltimbanquis perdidamente enamorado de Celia, de quien es amante, estará encarnado en los barítonos Gerardo Bullón y César San Martín; el tenor Jorge Rodríguez-Norton y el bajo Javier Castañeda completarán el cartel de cantantes en los papeles de Juanito y Roberto, hermano y padre de Lina respectivamente. Además del reparto de cantantes, en el escenario estará constantemente presente una troupe de artistas de circo que irán desarrollando sus correspondientes ejercicios a lo largo del drama.

El espectáculo cuenta con la sugerente escenografía de William Orlandi, el atractivo vestuario de Jesús Ruiz, la poética iluminación de Vinicio Cheli y el hábil movimiento coreográfico de Barbara Staffolani. Esta producción de ‘Las golondrinas’ del Teatro de la Zarzuela recrea el lenguaje visual del cine mudo, que se acentúa con la utilización de los grises en todo el acto primero. El paisaje prácticamente desaparece, «para que la historia se haga universal o, lo que es lo mismo, puro teatro», como señala el propio Giancarlo del Monaco. Solo con la escena de la Pantomima surgirá el color en el escenario.

La música de Usandizaga posee un lenguaje muy nuestro, a la vez que recibe influencias francesas e italianas. Pero lo realmente importante es que la obra está muy bien hilvanada en todas sus partes y define psicológicamente los personajes con colores musicales recurriendo al leitmotiv. Se trata de música de altos vuelos sinfónicos, en la que destaca la riqueza instrumental y sonora con la que el autor busca nuevos caminos dentro de la renovación del género lírico.

Juanjo Mena alude además a la «plena conciencia» con la que en esta ocasión se aborda la partitura de Usandizaga a través de las experiencias vividas, «porque en este drama lírico de comienzos del siglo XX encontramos temas que son similares a los que vivimos en nuestros días más de un siglo después: el maltrato físico o psicológico entre los seres humanos que supuestamente amamos o queremos».

La obra se divide en tres actos, en el primero la acción transcurre en un pueblo de Castilla. Lina, su padre Roberto, Cecilia, Puck, jefe de la troupe y Juanito ensayan para la función de esta noche. Todo es alegría si no fuera por las constantes disputas entre Puck y Cecilia. A pesar de que Puck la ama ciegamente, esta decide abandonarlos en busca de fama y dinero. 

En el segundo acto la compañía disfruta de gran éxito gracias a las pantomimas que Puck escribe y que Lina representa. Lina ama a Puck sin atreverse a confesarlo abiertamente. Aparece de nuevo Cecilia contratada casualmente por el mismo circo en que ellos actúan. 

El tercer acto se desarrolla en el interior del cuarto de Lina en el circo. Puck no duda un instante en seguir a Cecilia en cuanto la ve, ante el abatimiento de Lina, que teme perderlo. Este se deja embaucar de nuevo por sus encantos, pero Cecilia se ríe de él contándole que ama a otro hombre. Puck reacciona violentamente y mata a Cecilia. Al confesárselo todo a Lina, esperando que le aborrezca, esta le confiesa su amor ante la sorpresa de Puck y le perdona.

En Las golondrinas, José María Usandizaga trabajó con la mejor pareja de libretistas de la época, Gregorio Martínez Sierra y la esposa de este, María de la O Lejárraga. La obra fue estrenada como zarzuela en 1914, y posteriormente, tras la muerte del compositor, su hermano Ramón arregló el texto y compuso la música para los fragmentos hablados para representarse como ópera en 1929. Este último trabajo es el que ahora nos ocupa.

Fotografías : © Conchita Meléndez

LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA ACTUARÁ EN LAS NAVES DEL ESPAÑOL BAJO LA DIRECIÓN DE JOAQUÍN DE LUZ

La Compañía Nacional de Danza que dirige Joaquín de Luz,  estará desde el 7 hasta el 12 de noviembre  en la Sala Fernando Arrabal de las Naves del Español en Matadero, para interpretar cuatro piezas de las cuales una es un estreno absoluto. 

El programa con una duración que no llega a dos horas, está ideado para agradar a todos los amantes del ballet ya que cada una de las cuatro piezas que lo componen es diferente, tanto en música como en ejecución, y todas ellas están llenas de emoción y maestría. Desde las influencias del barroco en Morgen, a los cuartetos de Arriaga o los vibrantes compases del jazz en Swoosh el espectador quedará atrapado tanto por la música como por la gracilidad de los bailarines. 

Morgen, la primera de las piezas, con coreografía de Nacho Duato y música original de Pedro Alcalde, representa una lucha contra el suicidio, Es un signo de esperanza que representa que la vida puede continuar, que anima a estas personas a seguir adelante. El ballet está basado en un poema de Dorothy Parker  titulado Resumé. El poema consta de ocho versos cortos. Los siete primeros hacen referencia a los inconvenientes de 7 formas de suicidarse y el octavo y último indica que también se podría vivir. 

Por su parte Kübler-Ross representa la teoría de las cinco fases del duelo de la psiquiatra Elisabeth Kübler-Ross, uno de los modelos psicológicos más célebres del mundo. Estos cinco estadios son la negación, la ira, la negociación, la depresión y la aceptación, y tienen lugar en mayor o menor grado siempre que sufrimos una pérdida. 

La increíble María Kochtkova y Joaquín de luz constituyeron el primer elenco de este dúo creado por el coreógrafo Andrea Schermoly, con música de Antonio Vivladi (Andante del Concierto para violín en Si bemol Mayor RV583)

La tercera pieza, con coreografía de Joaquín de Luz es un estreno absoluto de la Compañía Nacional de Danza. Swoosh alude al sonido de un movimiento repentino en el aire o en el agua. La coreografía estructurada en tres escenas presenta inesperados y fugaces encuentros de extraños en una ciudad tan trepidante como Nueva York. La personalidad de cada personaje la representa un instrumento de Jazz. 

El programa lo cierra Arriaga, de Mar Aguiló, Pino Alosa y Joaquín de Luz, con una coreografía coral a seis manos sobre música del bilbaíno Juan Crisóstomo Arriaga, máximo exponente ibérico del clasicismo musical tardío. Se trata de un homenaje a su figura y su obra musical en su corta pero prolífera vida artística.

Las piezas que se han seleccionado para representar han sido:

Cuarteto n.º 1 re menor: III. Menuetto: Allegro-Trio: Più moderato,

Tema variado Op. 17: Andante, Variation 1, 2, 3, 4, 5, 6 y variation largo

Cuarteto no. re menor: II. Adagio con espressione

Cuarteto n.º 1 re menor: IV. Adagio-Allegretto

Que son interpretadas por 2 violines, 1 viola y 1 violonchelo.

Joaquín de Luz se formó en la escuela de Víctor Ullate y es director de la Compañía Nacional de Danza desde Septiembre del 2019, tras un proceso de selección al que optaron otros trece candidatos. De Luz ha sido estrella del New York City Ballet durante casi 15 años y ha bailado con las formaciones internacionales más reputadas.

Todas las fotografías de este artículo han sido cedidas por la oficina de prensa del Teatro Español y tienen copyright de su autora Albirú Muriel. 

El Teatro Español estrena Poncia con una impresionante Lolita Flores

 

La Sala Principal del Teatro Español, acogerá del 3 de noviembre al 3 de diciembre Poncia, espectáculo escrito y dirigido por Luis Luque a partir de La casa de Bernarda Alba, y otras obras de Federico García Lorca, e interpretado por Lolita Flores.  

No es fácil enfrentarse sola al público durante más de una hora en un monólogo cargado de emotividad y dolor, pero Lolita lo hace y lo hace muy bien, con la carga justa de añoranza, de pena, de rabia, de deseo de justicia, de odio incluso. Esa criada que ha soportado los desmanes de las habitantes de la casa en la que trabaja, quien probablemente sea la única personas que siente la muerte de la joven Adela a la que ni tan siquiera está permitido llorar, es un personaje maravilloso recreado por Luis Luque con una fuerza y un coraje del que probablemente carecía el personaje original. 

Con algo de nervios y algún fallo menor en el sonido, que probablemente hoy se haya corregido ya, ayer asistimos al ensayo general del que salimos con muy buen sabor de boca. Con una escenografía sencilla pero muy efectiva, una iluminación fantástica y un acompañamiento musical que interviene en los momentos precisos, la obra se nos muestra como una de las más interesantes puestas en escena que podremos ver esta temporada en el Teatro Español. Al menos así lo aprecio el público presente quien aplaudió con ganas al terminar la representación. Por mi parte un ¡bravo! tanto para Lolita como para Luis Luque. 

Poncia está escrita a partir de las intervenciones del personaje de la criada en la obra de Lorca, convertidas para la ocasión en reflexiones, soliloquios y diálogos con fantasmas y sombras que conforman un profundo análisis del personaje. En la obra original, el espectador asiste a una sucesión de hechos que se desarrollan en orden cronológico. En esta obra, Poncia habla después del shock producido por el suicidio de Adela y todo ocurre después de su muerte. De este modo, Poncia ajusta cuentas con las habitantes que sobreviven dentro de la casa, y descubre su simpatía por la más joven de las hijas de Bernarda y cómo se culpa a sí misma por no haber hecho más de lo que hizo. Todo dentro de una tormenta de niebla y un mar de silencio.

 

Poncia confronta al espectador con temas como el suicidio, la libertad, la culpa, la conciencia de clase, la educación y el sexo, entre otros. Y lo hace con la fuerza de una voz que ha sido maltratada y callada, en una época en la que a las mujeres la libertad les estaba prohibida. “Poncia siempre me ha sugestionado como ningún otro personaje de los que habitan en la casa de Bernarda Alba”, explica su autor y director, Luis Luque. “Los personajes de las criadas encierran un enigma interesante: son testigos de los avatares de sus dueños y amos, conocen la verdad del interior de las casas y poseen la filosofía oculta de las clases populares”.

 

El proyecto de Poncia surge tras conocer Luque la intención que José Carlos Plaza tenía de proponerle el papel de la criada a Lola Flores en su mítico montaje de 1984 cuando Miguel Narros dirigía el Teatro Español. Un papel que la artista no pudo representar por problemas de agenda y que, casi cuarenta años después, retoma ahora su hija, Lolita Flores, para reimaginar lo que ocurrió en esa casa después de la muerte de Adela. “Mi madre se quedó con la pena de no interpretar a Poncia, pero algo de ella llevo yo dentro de mí y, si es verdad que la energía no muere sino que se transforma, ella lo estará disfrutando”, cuenta la actriz. “Luis ha sido muy inteligente en sacar un spin-off de La casa de Bernarda Alba. Es muy acertado y coherente lo que ha hecho con esta mujer a la que le importan las injusticias, la poca libertad y no tener voz ni voto”.

 

Lolita Flores y Luis Luque

Poncia es una producción de Pentación y Teatro Español con texto y dirección de Luis Luque a partir de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca y pequeños fragmentos de otros textos del poeta como Doña Rosita la soltera, Gacela de la muerte oscura y Alma ausente, interpretada por Lolita Flores, con diseño de espacio escénico de Monica Boromello, diseño de iluminación de Paco Ariza, diseño de vestuario de Almudena Rodríguez y música original de Luis Miguel Cobo.

 

La función de Teatro Accesible de Poncia tendrá lugar el viernes 10 de noviembre.

 

Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años.

JOSÉ LUIS GÓMEZ REGRESA A LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO CON EL ESTRENO ABSOLUTO DE VUELAN PALOMAS

 

El actor y director José Luis Gómez regresa a la Compañía Nacional de Teatro Clásico con la dirección de escena de Vuelan palomas. Arte de sermones para tiempos inciertos, el nuevo estreno de la CNTC, que vuelve a trabajar conjuntamente con el Teatro de La Abadía siete años después de Celestina (2016).  

Vuelan palomas pone sobre la palestra teatral un género desconocido por el gran público, como es el del sermón religioso, muy cultivado en el siglo XVI, pero de enorme vigencia en la actualidad. José Luis Gómez, responsable de la idea, coautoría y dirección, afirma que «me percaté de que los sermones no habían servido únicamente para el desarrollo de la lengua, sino también para perseguir judíos, protestantes, alumbrados, alumbradas y musulmanes».   El director fundador del Teatro de La Abadía asegura que Vuelan palomas «es una historia apasionante que tiene que ver con nuestro país, con nuestra lengua y con nuestra evolución histórica».

El montaje tiene como tema central homenajear a la palabra y al poder de la misma como arma de condena y liberación, ofreciendo un arte de sermones para tiempos inciertos. Javier Huerta Calvo, coautor junto con José Luis Gómez, explica el género como un «conflicto que oponía la fe católica a otras confesiones, o a quienes se desviaban de su ortodoxia».

Los intérpretes Clemente García, Alberto Granados, Roberto Mori, Lidia Otón y Marcos Toro encarnan a diversos predicadores y religiosas del siglo XVI llevando sus palabras desde el pasado áureo de la inquisición y coacción religiosa hasta un pasado no tan lejano, como fue la guerra civil española y la inmediata posguerra con sus consecuencias terribles para los heterodoxos como fue el exilio encarnado en la filósofa María Zambrano.   

El público podrá ver sobre las tablas a predicadores como  Gerónimo Morales, Alonso de Cabrera o El Lunarejo, aunque también verá a religiosas como Teresa de Cartagena, primera escritora en lengua castellana, o a la poeta y dramaturga sor Juana Inés de la Cruz. Ellas trataron de hacerse escuchar no desde el ámbito público del púlpito, sino desde otra esfera más íntima.

La puesta en escena presenta una escenografía que homenajea los versos del Cantar de los Cantares: «¡Cómo brillan alegres / tus ojos de paloma!» firmada por Elisa Sanz, la iluminación de Raúl Alonso, el vestuario con matices clásicos y contemporáneos de Deborah Macías, la composición musical y espacio sonoro de Alberto Granados, el trabajo físico diseñado por la maestra cuerpo Mar Navarro o la videoescena de Jorge Vila.

Vuelan palomas. Arte de sermones para tiempos inciertos se representa, del 12 al 22 de octubre, en la Sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia. Posteriormente, el espectáculo se exhibirá, del 26 de octubre al 12 de noviembre, en el Teatro de La Abadía.      

Las fotografías de escenas son propiedad de © Sergio Parra. 

Foto de grupo Compañía: © Conchita Meléndez

ISLA, UNA OBRA PARTICIPATIVA DE PALOMA PEDRERO EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 

Desde el pasado 3 de octubre y hasta el día 29 el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa presenta Isla, obra escrita por Paloma Pedrero y dirigida junto a Pilar Rodríguez, dentro de la ONG Caídos del Cielo, una organización dedicada a hacer teatro con personas en riesgo de exclusión y en especial vulnerabilidad. Para ello han transformado la Sala Jardiel Poncela en una playa.

 

En Isla se busca ser el espejo de nuestra sociedad actual a través de unos indígenas. Será esa visión la que nos otorgará una perspectiva diferente sobre nosotros mismos como personas “civilizadas” frente a las “incivilizados”, cuestionando nuestra forma de vivir desde una perspectiva limpia de impurezas y prejuicios. Este estudio antropológico inverso se realizará desde un punto de vista humorístico y cariñoso que hará replantearse a los asistentes sus vicios, de modo que se moverán y fomentarán sus virtudes.

 

El montaje, que transforma el teatro en una isla habitada por un puñado de indígenas, invita al espectador a formar parte de esta historia, desarrollando una experiencia inmersiva en la que le público pasará a ser uno más de la tribu. El equipo nos invita a descubrir el secreto que se esconde en esta isla y la tribu que la habita a través de los actores, que representarán a los embajadores indígenas que han viajado a la civilización para exponer sus ritos y costumbres. Será de este modo cómo se dejará en manos del público, recurriendo a la democracia, decidir el futuro de la Isla.

 

Rocío Agost, Mariu del Amo, Alberto Cavero, Carmen Céspedes, Juan Cruz Guerra "Juantxo", Pedro Fajardo, Charo Gabella, Julio Gil Gómez, Teresa de la Hera, Amaury Millán, Daniela Millán, Esther* Mora, Marta Navas, Magali Parra, Rober Ruiz, Sonia Sánchez, Ana Sánchez Cano, Josep Segarra/Kike Munsa, Semilla forman el elenco de este montaje “efímero” que sólo podrá verse en Madrid. Una oportunidad única para entender el espíritu y la energía de Caídos del Cielo.

Caídos del Cielo surge como una compañía de teatro social y ONG en el 2009 gracias a su obra homónima, estrenada en el Fernán Gómez en 2009 dentro del Festival de Otoño. Es así como comienzan su labor volcada en hacer teatro con personas en riesgo de exclusión social y en situación de vulnerabilidad. Su residencia en el teatro los lleva a presentar esta nueva obra de mano de Paloma Pedrero y Pilar Rodríguez.

Esta compañía ha recibido múltiples reconocimientos a lo largo de sus 14 años como organización y compañía teatral, destacando el Premio Max Social 2022 o el VII Premio Dionisios 2017 otorgado por la UNESCO. Su defensa de los derechos humanos legitima su valor social, además de avalar su desarrollo artístico a través de siete montajes teatrales estrenados en reconocidos teatros públicos y privados.