EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ. CENTRO CULTURAL DE LA VILLA ACOGE EL MADRID DESIGN FESTIVAL CON CUATRO EXPOSICIONES

El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge el festival Madrid Design del 9 de febrero al 14 de marzo. El centro, sede expositiva principal del festival, ofrecerá durante este tiempo cuatro muestras: Madrid Design Portrait; ¡Emergencia! Diseños contra la Covid-19; Valencia Pavilion, The future is design y Connected.

Madrid Design Portrait

Bajo el título Madrid Design Portrait, desde el festival se ha puesto en marcha una serie de acciones para visibilizar a los principales actores del diseño en la ciudad, ya sean madrileños o afincados en Madrid, que culminan con esta exposición colectiva en el Fernán Gómez. CC de la Villa.

La muestra presentará los proyectos de una selección de 15 diseñadores locales, de entre los más de 70 que han participado en las acciones previas de Madrid Design Portrait, creando a través de sus trabajos una panorámica del efervescente tejido local, su riqueza y su relevancia en el mundo del diseño. Entre las disciplinas que recogerá este retrato colectivo, encontramos diseño de producto, diseño gráfico, moda, ilustración o diseño de interiores, entre otras...

Lucas Muñoz, Miguel Leiro, Mayice, Izaskun Chinchilla, Moneo Brock, Patricia Bustos, Federico Antelo, Tornasol, Estudio Báltico, Andrea Santamarina, Mariano, Mad Lab, Kike Keller, Álvaro Catalán de Ocón y Enorme Studio son los diseñadores y estudios que participan en la muestra.

¡Emergencia! Diseños contra la Covid19

La exposición – comisariada por Teresa Bastardes, responsable de colecciones del Museo del Diseño y Rossend Casanova conservador de diseño de producto del Museo del Diseño - reúne 55 iniciativas que, desde la perspectiva del diseño, han dado respuesta a las necesidades inminentes surgidas a raíz de la crisis sanitaria mundial. La mayoría de los diseños que se presentan nacieron en el 2020 ante la necesidad urgente de salvar vidas y proteger a las personas. Propuestas surgidas durante el confinamiento con un objetivo claro: diseñar para ayudar. En nuestra sociedad, la tecnología de la información y la digitalización han facilitado, además, el diseño colaborativo, la relación fluida entre equipos transversales, la disponibilidad de acceder a diseños en código abierto y la posibilidad de imprimir en 3D en la empresa, en la universidad, en el despacho o, simplemente, desde casa.

El Museo del Diseño de Barcelona, ha querido documentar y seleccionar las diferentes respuestas surgidas, tanto públicas como privadas, para formar una colección que fuera testigo de este periodo, dedicando una atención especial a los elementos de protección, a la maquinaria clínica y a la gráfica comunicativa.

Valencia Pavilion. The future is design

Valencia Capital Mundial del Diseño 2022 aterriza en Madrid Design Festival con Valencia Pavilion. The future is design, una exposición con la que proyectar el futuro y la vanguardia del diseño valenciano. Diseñada por MUT Design y comisariada por Estudio Savage, esta muestra celebra la designación de Valencia como Capital Mundial del Diseño 2022 con el tejido creativo de todo el país, siendo la primera parada de diversas citas en el calendario del diseño internacional.

Valencia Pavilion. The future is design aporta una visión vanguardista de la manufactura de producto industrial y artesanal, llevando a cabo una amplia labor de arqueología del futuro y queriendo sentar las bases del porvenir, entendiendo que este futuro aprovecha la amplia trayectoria ya recorrida y es capaz de integrar disciplinas muy diversas.

A través de la exposición se destaca el papel del arco mediterráneo como zona en la que se idea y se diseña, y en la que además se fabrica con excelentes estándares de calidad. Pues en ella existe un importante tejido industrial, compuesto por sectores como el textil, el calzado, el mobiliario, la cerámica, o las industrias gráficas, que, si bien comenzó trabajando a través de técnicas artesanales, paulatinamente ha ido incorporando tecnología en sus procesos y materiales. Todas ellas son a día de hoy fuentes de riqueza y prosperidad para el territorio valenciano.

Connected

La exposición expone los resultados de un experimento único desarrollado durante el confinamiento debido al Covid-19, en el que la American Hardwood Export Council (AHEC), Benchmark Furniture y el Design Museum de Londres retaron a destacados diseñadores internacionales a que cada uno de ellos creara una mesa y una silla para su uso personal, que se adaptasen a sus nuevas formas de trabajar y vivir desde casa.

Madrid Design Festival acoge cuatro mesas y sillas originales e imaginativas, diseñadas por Ini Archibong (Suiza), Jaime Hayón (España), Sabine Marcelis (Países Bajos) y Studiopepe (Italia), y fabricadas en uno de los mejores talleres artesanos de carpintería de Europa, Benchmark Furniture, utilizando la madera de tres frondosas estadounidenses sostenibles: roble rojo, arce y cerezo. El proyecto exigió que, tanto los diseñadores como los artesanos de Benchmark, trabajasen de manera innovadora confiando únicamente en la comunicación digital y en las videoconferencias para hacer realidad las ideas de los creadores. Este enfoque requirió un nuevo nivel de confianza en los fabricantes, ya que los diseñadores no han podido ver físicamente las piezas, que se terminaron el pasado verano. El recorrido creativo y la producción se grabaron para mostrar cómo se desarrollaron las ideas y sus diseños en un momento de movilidad y contacto físico limitados. Los resultados son diferentes y personales y destacan una audaz variedad de acabados naturales y teñidos que dan una nueva interpretación de la madera de estas especies sostenibles. Cada una de las piezas ha desafiado los procesos de fabricación con su complejidad y atención al detalle.

 

JAWLENSKY. EL PAISAJE DEL ROSTRO

 

7. Colina, 1912 

Si vais a realizar una visita a la Fundación MAPFRE hacerlo con tiempo porque junto a la magnífica exposición de Tomoko Yoneda, os vais a encontrar, en la primera planta, con otra gran exposición, esta vez de pintura, la de Aexéi Von Jawlensky.

La programación de exposiciones de Fundación Mapfre ha dedicado desde su inicios una especial atención a los orígenes del arte moderno. Ahora nos muestra la obra de Alexéi Von Jawlensky, uno de los artistas más singulares de la historia del arte situado a medio camino entre el uso vibrante y liberado del color fovista y el dramatismo formal del expresionismo, elementos que confluyen en la experiencia radical de la abstración. 

Pionero en el desarrollo de la autonomía de una pintura que, a comienzos del siglo XX, camina hacia la abstracción, Jawlensky creó una extensa obra basada en series y regresos casi obsesivos, en conexión con el lenguaje musical, un ámbito que inspiró a numerosos artistas de su época. El pintor participó en algunos de los acontecimientos más relevantes del arte del siglo XX; junto a otros amigos artistas como Vasili Kandinski, Gabriele Münter o Marianne von Werefkin, fue uno de los principales protagonistas en la formación del expresionismo alemán, así como uno de los fundadores en 1909 de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich [Neue Künstlervereinigung München]; asimismo, se movió en la órbita del colectivo El Jinete Azul [Der Blaue Reiter], aunque se puede considerar que nunca llegó a abrazar de forma plena la abstracción.

1. Mesa negra, 1901 

Durante sus primeros años, su obra se centra en la representación de naturalezas muertas, paisajes y retratos, en un estilo deudor del postimpresionismo de Cézanne, Van Gogh y Gauguin que irá derivando en un uso cada vez más intenso y autónomo del color desde cierta filiación fovista. Obligado a refugiarse en Suiza durante la Primera Guerra Mundial, el artista da inicio a lo que será su característica forma de trabajo serial, y fija su atención en una misma escena de paisaje, a la que vuelve una y otra vez con gran libertad y sentido de la investigación cromática: se trata de las Variaciones, que cuestionan, a través de su formato vertical, la horizontalidad a la que tradicionalmente se había vinculado este género.

3. Niña, c. 1909 

Pero es el retrato y, más concretamente, la indagación sobre las facciones humanas hasta sus líneas maestras esenciales lo que de manera más clara singulariza la producción pictórica de Jawlensky. El recorrido que pasa por las «cabezas de preguerra», las Cabezas místicas, las Cabezas geométricas (o Cabezas abstractas) y las Meditaciones pone de manifiesto una pintura en constante tensión entre la plasmación de la imagen del individuo y la reducción del mismo a un arquetipo. Las cabezas de Jawlensky llegan, con el paso de los años, a cancelar todo rasgo de dimensión psicológica. A partir de 1908-1909, el pintor comienza un proceso de despersonalización y reducción a lo esencial, y, si bien en sus retratos todavía se distingue la edad o el sexo del retratado, los títulos de sus obras ya no remiten casi nunca a personas identificables; lo importante es el aspecto plástico del cuadro y no la fidelidad a la representación del modelo.

3. La lámpara, 1908 

Jawlensky. El paisaje del rostro recorre la trayectoria del pintor ruso desde sus orígenes y los inicios de su carrera en Múnich, pasando por la transformación que experimenta su pintura en Suiza, hasta sus últimos años en la ciudad alemana de Wiesbaden.

7. Princesa Turandot, 1912 

La selección de obras, que supera el centenar, ofrece un amplio recorrido cronológico por la trayectoria del pintor a través de seis secciones, al tiempo que establece puntualmente un diálogo con piezas de distintos artistas que compartieron inquietudes e intereses con Jawlensky o tuvieron determinada influencia sobre él. Entre estos otros autores se cuentan los franceses Pierre Girieud, Henri-Edmond Cross, André Derain, Henri Matisse o Maurice de Vlaminck, compañeros de viaje durante el período postimpresionista y fovista; la pintora Marianne von Werefkin, compañera de Jawlensky hasta 1921; Gabriele Münter, una de las pocas mujeres asociadas al expresionismo alemán, o Sonia Delaunay, a quien le une el uso vibrante del color.

15. Cabeza abstracta: Karma, 1933

15. Gran meditación, 1936 

La exposición podrá visitarse entre el 11 de febrero y el 9 de mayo. La Fundación ofrece visitas guiadas en las que por la actual normativa de prevención sanitaria, cada grupo estará formado por un máximo de 5 visitantes, más el/la guía.