LA OBRA DE RODOLF SIRERA, EL VENENO DEL TEATRO, SE ESTRENA EN CASTELLANO POR PRIMERA VEZ.

 

El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge, del 9 de abril al 3 de mayo, la obra El veneno del teatro, de Rodolf Sirera, con dirección y adaptación de Robert Torres. José María Rodríguez Méndez ha realizado la versión en castellano para su estreno en Madrid, versión que se podrá ver en la Sala Jardiel Poncela del teatro.

Silvia Maya y Marta Sangú forman el elenco de El veneno del teatro, una obra que nos lleva a París donde una marquesa de aficiones extravagantes invita a Gabrielle de Beaumont, una actriz de moda, a visitarla en su palacio. Allí recibirá el encargo de interpretar una pieza teatral sobre la muerte de Sócrates, escrita por la propia marquesa, lo que desencadenará una serie de extrañas situaciones y reflexiones sobre la naturaleza del arte y la actuación. La actriz comprobará pronto que todo es una trampa para someterla a un experimento mortal: la autenticidad de la verdad.  

El montaje profundiza en el lado oscuro del ser humano, ese que nos habla y nos hace creer que nuestro punto de vista es el correcto y que nos facilita una coartada, ya sea artística o moral. El personaje de la marquesa se presenta como un ser obsesionado por la autenticidad en la interpretación, hasta el punto de llegar a la psicopatía. La obra original se enmarca en el racionalismo ilustrado del siglo XVIII pero la propuesta que llega al Fernán Gómez se sitúa en un futuro cercano en profunda transformación, marcado por la incertidumbre y la revolución tecnológica. 

También en la nueva adaptación se ha optado por un elenco femenino mientras que en la primera versión en castellano estrenada en 1983 en el Teatro María Guerrero, fueron José María Rodero y Manuel Galiana quienes la interpretaron. La dirección corrió a cargo de Emilio Hernández y su puesta en escena se convirtió en un hito del teatro español.

La obra mantiene al espectador en tensión, explorando los límites entre la realidad y la ficción, el poder y la actuación a través de un duelo dialéctico y dramático entre los dos personajes.

EL TEATRO ESPAÑOL ESTRENA ‘TRAS EL ENSAYO’ DE INGMAR BERGMAN

 En un escenario vacío tras un ensayo teatral, Henrik Vogler, un viejo director de teatro se  sumerge en sus recuerdos hasta que es interrumpido por la entrada de Anna, una joven actriz con la que está trabajando.  La irrupción del recuerdo de Rachel, una actriz  neurótica y alcohólica que ha sido su amante y que casualmente es la madre de Anna desencadena un tenso y revelador triángulo emocional. A través de un diálogo denso y afilado, Bergman desvela las contradicciones del artista: su necesidad de control, su vulnerabilidad y su eterna lucha entre el compromiso con el arte y con los afectos reales. Con una estructura casi confesional y una atmósfera cargada de introspección, Tras el ensayo es una meditación sobre el tiempo, la herencia emocional y la complejidad de las relaciones humanas bajo el prisma implacable del teatro.

Esta obra con versión y dirección de Ernesto Caballero, es probablemente una de las más íntimas de Ingmar Bergman, donde el personaje principal Henrik Vogler, se puede ver como un trasunto del propio autor. En ella Bergman se confiesa para enfrentarse a los fantasmas del arte, el tiempo y la memoria. 

Interpretada por Emilio Tomé, Lucía Quintana y Elisa Hipólito, Ernesto Caballero ha optado por una escenografía casi desnuda que es obra de Víctor Longás, al igual que la iluminación. Apenas un sofá, una maqueta de la obra al fondo, al igual que un escritorio, algunas sillas y un tronco de árbol en el suelo, que tal vez simbolice las raíces de Vogler, o tal vez las de Bergman. Los actores se mueven libremente por ese espacio entre ficción y realidad dejándonos la inquietante sospecha de que el ensayo no era sino la verdadera función.

La obra estará en escena en la Sala Margarita Xirgu del 4 de abril al 17 de mayo y habrá función accesible el 24 de abril. 

Fotografías ©Conchita Meléndez

OLVIDADAS, UN HOMENAJE DE MERCEDES DE CÓRDOBA A LAS SINSOMBRERO

 Las Sinsombrero fueron un grupo de mujeres artistas e intelectuales españolas de la Generación del 27, incluyendo a Maruja Mallo, María Zambrano, Concha Méndez, Victoria Durán, entre otras,  que fueron silenciadas por la historia. El término fu acuñado en un documental de TVE realizado en el año 2015 y hace alusión a un hecho acaecido en Madrid en los años 20 del pasado siglo. Margarita Manso, Maruja Mallo, Federico García Lorca y Salvador Dalí, pasearon por la Puerta del Sol quitándose el sombrero en público. Esta actitud transgresora pretendía romper la norma y, metafóricamente, en ausencia de la pieza que tapa la cabeza, liberar las ideas y las inquietudes. La jugada pudo costarles cara ya que fueron apedreados y recibieron todo tipo de insultos. 

Ahora, 100 años después, la bailaora Mercedes de Córdoba rinde un homenaje a estas mujeres con su espectáculo flamenco Olvidadas en Centro Danza Matadero, que podrá disfrutarse esta tarde y mañana sábado. 

Esta propuesta, galardonada con el Premio Lorca 2025 a mejor espectáculo español/flamenco, parte de un encuentro imaginario con la esencia de las mujeres intelectuales, artistas y pensadoras que formaron parte de Las Sinsombrero.

La propuesta de Mercedes de Córdoba fusiona sus propias vivencias artísticas con la memoria colectiva de estas figuras, rescatando su legado del olvido. El espectáculo utiliza un lenguaje visual y corporal cargado de metáforas, símbolos y una ironía poderosa que invita al público a reflexionar sobre la represión, el silencio, la falta de respuestas y la lucha por ser recordadas.

Considerada una de las figuras más prominentes del flamenco contemporáneo actual, Mercedes de Córdoba ha construido una sólida trayectoria tanto en España como en escenarios internacionales. Destaca por su versatilidad, intensidad expresiva y capacidad para conectar profundamente con el público. Su trabajo ha sido reconocido por la crítica y ha colaborado con numerosas figuras de la escena jonda.

LA VIDA EXTRAORDINARIA, LA FUERZA DE LA AMISTAD

 

El famoso poeta de la salsa, Ruben blades dijo ‘los amigos son la familia que uno escoge’, y Blanca escoge a Aurora como amiga cuando ambas tienen 5 años de edad. Y eso probablemente es lo más importante de dos vidas que en realidad no tienen mucho de extraordinarias, dos vidas como las de cualquiera otra persona, con sus altibajos, con sus alegrías y sus penas. 

Aurora (Malena Alterio) y Blanca (Carmen Ruiz), son dos mujeres con personalidades muy distintas, Aurora es juiciosa, le encanta leer, es sosegada, Blanca es un torbellino, temperamental, impulsiva, algo melodramática. Sin embargo las dos tienen muchas cosas en común, a las dos les interesa la poesía y ambas escriben sus propios poemas, no son poemas de gran calidad lírica pero están llenos de vida. Las dos se casan con hombres a los que no aman, las dos se enamoran de hombres a los que no deberían haber amado. Las dos pierden a seres queridos, Aurora a su padre, Blanca a su madre, pero por encima de todo las dos sienten una gran amistad la una hacia la otra que perdurará hasta el final de sus días. 

Malena y Carmen, Carmen y Malena, están inmensas en sus respectivos papeles, con monólogos desbordantes en los que las acompañan Jorge Naveros al piano y Diana Valencia al violín. También escuchamos la voz de Alicia Borrachero como narradora durante una serie de audiovisuales sobre el origen de la vida que se irán proyectando a lo largo de la representación, y que a mi particularmente no me aportaron demasiado al contexto.

La obra, que estará en cartel en la Sala Verde de los Teatros de Canal 26 de marzo al 19 de abril, está escrita y dirigida por Mariano Tenconi Blanco y se estrenó por primera vez en Buenos Aires, producido por Teatro Nacional Argentino – Teatro Cervantes, en la Sala Orestes Caviglia, en agosto de 2018. Con anterioridad ya pudimos ver en Madrid otra obra suya, ‘La mujer fantasma’, que tuvo lugar en el Teatro Valle-Inclán, del Centro Dramático Nacional.

Fotografías © Conchita Meléndez

JUGAR CON FUEGO, UNA ADAPTACIÓN DE MARINA BOLLAÍN

 Marina Bollaín firma una versión de Jugar con fuego, una obra que se estrenó en 1851, con libreto de Ventura de la Vega y Francisco Asenjo Barbieri  que por su duración, superior a la habitual, se considera el primer título de zarzuela grande.  En esta ocasión la directora traslada la trama a un estadio de fútbol como escenario de la lucha de poder y la desigualdad de clases.

En la parte musical comparten dirección al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, titular del Teatro de la Zarzuela,  Álvaro Albiach y Lara Diloy, quien tomará la batuta en tres de las 14 funciones programadas.

‘Jugar con Fuego’ vuelve al Teatro de la Zarzuela 26 años después de su última representación en el coliseo madrileño, con un total de 14 funciones. Y lo hace con dos repartos de primer orden: en los que Ruth Iniesta y Berna Perles darán vida a la duquesa de Medina y Alejandro del Cerro y Antonio Gandía a su enamorado Félix. Subirán también a las tablas del coliseo de la Plazuela de Teresa Berganza José Antonio López y Luis Cansino en el papel del marqués de Caravaca; David Lagares y Javier Castañeda, como el duque; Manuel de Diego y Emmanuel Faraldo en el papel de Antonio y Javier Povedano haciendo las veces de un loco.

Blanca Añón firma la escenografía, apoyada por los vídeos de Félix Bollaín y el espacio sonoro creado por Lucas Laverty y la iluminaciónde Marc Gonzalo. Un montaje cuidado al detalle que tendrá cono guinda el sorprendente vestuario diseñado por Teresa Mora.

La versión de Marina Bollaín, cambia el escenario de la verbena de San Juan a un  campo de fútbol y actualiza la historia, pero se mantiene intacta la música y el mensaje.  La zarzuela narra la historia de una mujer que juega con fuego al arriesgarse a romper con todo lo establecido persiguiendo su firme propósito de buscar el amor fuera de la clase social a la que pertenece.

La protagonista es Leonor, duquesa de Medina, una mujer cansada de la superficialidad de su clase, que se enamora de Félix, un plebeyo. Dispuesta a vivir su amor, pero no a enfrentarse a las normas establecidas, se hace pasar por alguien que no es de su clase creando así una trama plagada de confusiones y malentendidos, de medias verdades y completas mentiras. Humor, romance y crítica social hacen de Jugar con fuego una zarzuela ágil y luminosa.

Fotografías ©Conchita Meléndez