PLAY, DE MATÍAS UMPIERREZ, UNA EXPLORACIÓN ESCÉNICA SOBRE LOS RELATOS Y DISCURSOS DE ODIO

 

Matías Umpierrez estrena a nivel mundial en Contemporánea Condeduque de Madrid PLAY, una investigación escénica sobre los discursos del odio, las narrativas de la hostilidad y el infierno y paraíso de la conciencia.

La obra, que se presentará entre el 22 y el 31 de enero en solo 6 funciones, es una de las grandes apuestas de la temporada del recinto madrileño y constituye su imagen oficial, bajo el lema que articula la programación: “Salvar a la tierra del espanto”.

PLAY es una producción de Estudio Matías Umpierrez en coproducción con ArtHaus Centro de Creación Contemporánea, con el apoyo de Contemporánea Conde Duque y la copresentación de UNAM México.

El odio está hoy en el centro de la agenda pública: atraviesa la política, las redes sociales y la vida cotidiana. Ahora llega a escena como un acontecimiento artístico que nos confronta con una de las cuestiones más urgentes de nuestro tiempo: la pulsión de desear el mal a quienes no comprendemos o no reconocemos como parte de nuestra comunidad.

En PLAY, Umpierrez es el único intérprete en escena. A través de su presencia, va hilando historias que revelan distintas formas de incitar el odio o provocar su liberación a lo largo de la historia: desde la caza mitológica de unicornios o la matanza masiva de gatos en la Francia del siglo XVIII, a el caso reciente de un adolescente cuya relación con un chatbot de inteligencia artificial terminó en suicidio.

Una escenografía basada en proyecciones, paisajes sonoros, discursos políticos y conversaciones telefónicas, en la que se usan dispositivos analógicos (radios, tocadiscos, teléfonos de línea, contestadoras automáticas) para crear paisajes sonoros y ficciones y también digitales,  que también reproducen miedos colectivos y utopías. El resultado es una conferencia-performance concebida como instalación, presentada como el desmontaje de la sociedad teatral en que vivimos, que muestra cómo el odio atraviesa siglos, culturas y tecnologías.

Umpierrez interpela directamente al público: ¿Cómo ejercitar el sentido crítico frente a la sobreinformación que moldea nuestra visión del mundo y alimenta los discursos de odio? En PLAY, esa pregunta se formula a través de la historia y de la ficción.

Reconocido mundialmente por su trabajo, Umpierrez ha destacado por su montaje MUSEO DE LA FICCIÓN, una visión de Macbeth con la participación de Ángela Molina, Elena Anaya y el director y actor canadiense Robert Lepage.

Fotografías ©Conchita Meléndez

UNA FORMA DE VIDA, MORPHINE Y TEBANAS SON LAS PROPUESTAS DEL TEATRO DE LA ABADÍA PARA COMENZAR EL AÑO

 

Álvaro Tato, Yayo Cáceres y Juan Mayorga © Conchita Meléndez

El Teatro de la Abadía da comienzo a la temporada 2026 con tres interesantes propuestas muy diferentes entre sí pero igualmente apetecibles. Por un lado podremos ver Morphine, que únicamente estará en cartel 3 días, del 15 al 17 de enero en la Sala Juan de la Cruz, y en la que tras el éxito del Ciclo de los milagros, Luz Arcas y La Phármaco regresan al Teatro de La Abadía para presentar una nueva pieza que está llena de interrogaciones, de palabras mudas que hablan.

Morphine © La_Compañía exlímite | Recycled Illusions

Morphine es una sesión de espiritismo, una invocación. La lectura de Emmy Hennings (poeta, novelista, bailarina, mendiga, morfinómana, prostituta, presa y mística cristiana) ha sido fundamental para encarnar una poética que se mueve entre la oración y el sacrilegio, la devoción y la iconoclastia, la revelación mística y la adicción.

En la obra conviven elementos rituales de Andalucía con el flamenco de Lebrija, referencias de la cultura religiosa popular mediterránea con elementos autobiográficos y memoria familiar.

Tebanas © David Ruiz

A partir del 22 de enero y hasta el 15 de febrero, también en la Sala Juan de la Cruz, Álvaro Tato en la dramaturgia y Yayo Cáceres en la dirección, nos traerán su particular visión de las tragedias griegas. Será un viaje al origen puro de la tragedia clásica, en una versión libre de Edipo Rey y Antígona de Sófocles, Siete contra Tebas de Esquilo y Fenicias de Eurípides.

Un joven elenco encarna a todos los personajes de una saga familiar que transgrede los límites sociales hasta las últimas consecuencias. El coro tebano, testigo y partícipe de la sucesión de catástrofes, nos brinda un espejo ético y moral donde se reflejan las grandes preguntas fundadoras de la convivencia: ¿son hereditarios los delitos y las culpas? ¿La verdad debe buscarse a cualquier precio? ¿Existe un límite entre razón y creencia? ¿Debe prevalecer el Estado sobre la persona? ¿Qué distingue al aliado del enemigo? ¿Cuál es la frontera entre justicia y ley? En definitiva: ¿quiénes somos nosotros?

Una forma de vida © Carla Maro

Y ya en la Sala José Luis Alonso del 9 al 25 de enero, Isabelle Stoffel y Juan Ceacero, presentarán una adaptación teatral de la aclamada novela homónima de la escritora belga Amélie Nothomb, ‘Una forma de vida’. Una reflexión sobre la monstruosidad que habita en nosotros mismos. Un diálogo sobre la creación, el cuerpo, y la necesidad del otro.

«Deseo existir para usted», le escribe un soldado americano destinado en la guerra de Irak en una carta a la novelista belga Amélie Nothomb. Así comienza una relación epistolar en la que la autora, atrapada en su compulsión por responder a cada lector, se sumerge en el mundo del soldado Melvin Mapple, quien le revela la relación que tiene con su cuerpo. Cada guerra tiene sus adicciones: en Vietnam muchos soldados dependían del opio para aguantar el horror, en Irak la obesidad fue declarada la enfermedad de la guerra. Melvin Mapple ha aumentado 100 kilos desde su llegada a Bagdad. Cada día, al volver del campo de batalla, intenta tapar el vacío interior devorando ingentes cantidades de comida basura. El soldado concibe su cuerpo como el territorio para su propia creación y sabe que la autora lo entenderá. La creación de Melvin es su propia grasa. De este modo El cuerpo se convierte en el gran protagonista de la obra en una relación que carece de encuentro físico.

Juan Ceacero, Isabelle Stoffel y Juan Mayorga © Conchita Meléndez

Isabelle Stoffel y Juan Ceacero han conseguido convertir una novela epistolar en una experiencia escénica en la que cuerpo y mente coexisten por separado y en donde la autora de manera difusa nos revela cierta naturaleza del proceso creativo, escritura y corporalidad, realidad y ficción, deseo y muerte.

LA NUEVA TEMPORADA DEL TEATRO CIRCO PRICE REAFIRMA SU COMPROMISO CON EL CIRCO EN TODAS SUS FORMAS

 

La temporada 2026 del Teatro Circo Price refuerza su compromiso con el circo en todas sus expresiones, apostando por la convivencia entre creaciones internacionales, nacionales y locales, así como por el diálogo con otras disciplinas artísticas y con públicos diversos. Presentada por la delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, y la directora artística Aránzazu Riosalido, la programación consolida al Price como un referente cultural abierto, diverso y profundamente conectado con la ciudadanía, con especial atención a la creación, la reflexión y el encuentro.

El año arranca con Inverfest, que del 16 de enero al 8 de febrero ofrecerá 20 conciertos de destacados artistas del panorama musical. En febrero, el Festival Internacional de Magia, dirigido por Jorge Blass, volverá a situar lo imposible en el centro de la escena, ampliando su programación a otros espacios culturales con actividades como ‘Magia y Cine’. En primavera, el teatro y el circo se cruzan con Teatralia y con la celebración del Día Internacional del Circo en abril, mes que acogerá propuestas como Vetus Venustas, homenajes al circo y adaptaciones literarias en clave circense.

La programación continúa con grandes compañías y nuevas miradas, como la obra El sueño de Ícaro de Daniele Finzi Pasca, la iniciativa ‘Madrid a la carpa’ para dar visibilidad al circo madrileño y la llegada de propuestas internacionales como Yé (L’eau) de Circus Baobab o Circo sobre Agua de la carpa Alegría. Tras el verano, el Proyecto CRECE impulsa la creación joven, mientras septiembre se dedica al clown con ‘Las semanas del payaso’ y espectáculos de compañías francesas y españolas.

El otoño combina circo solidario e internacional con Saniclown, la Gala Circo Atayde y la propuesta australiana The Mirror. La temporada culmina con ‘Circo Price en Navidad’, a cargo del Circo Raluy Legacy. Todo ello se complementa con talleres, conferencias, visitas teatralizadas, actividades familiares y proyectos artísticos como El Jardín del Price, en el que el grafitero madrileño SUSO33, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2025, será el encargado de realizar una nueva intervención que transformará una pared de hormigón en una obra artística con el circo como protagonista, consolidando al Teatro Circo Price como un espacio de creación, aprendizaje y participación activa en la vida cultural de Madrid.

Fotografías © Conchita Meléndez

ORIOL PLA SOLINA Y PAU MATAS NOGUÉ ABREN LA TEMPORADA DEL VALLE INCLÁN CON GULA

 

Según la Real Academia Española (RAE), la gula es el exceso en la comida o bebida, y el apetito desordenado de comer y beber, siendo un vicio que se relaciona con la glotonería y la voracidad, y que va más allá del hambre física. Y si hay una palabra que pueda definir “Gula”, la obra que nos proponen Pau Matas Nogué y Oriol Pla Solina es sin duda el exceso.

Durante las dos horas que debería durar la obra, pero que en realidad se acercan más a las dos y media, Oriol Pla nos muestra un exceso de brío, de coraje, de garra, de profesionalidad, hasta el punto de que cuando uno sale del teatro se pregunta sin conseguirá llegar al final de las 28 funciones, del 9 de enero al 15 de febrero,  que tiene apalabradas con el CDN en el Teatro Valle-Inclán o si caerá rendido en algún momento antes de alcanzar esa meta. 

Y es que la labor que realiza en el escenario es extenuante. Y no me refiero únicamente al esfuerzo físico que tiene que realizar para poner en escena un personaje que se mueve entre el circo, la performance, la danza, el slapstick, que de todo eso hay y mucho en ese individuo que entra tímidamente en escena, encogido, tímido, apocado,  y que empieza pidiendo perdón a todo el mundo, su padre, su madre, a los espectadores, al teatro, a los bailarines, para llegar a un apoteosis frenético en el que el público insaciable pide más y más. 

Pero es que además la impostura de la voz que utiliza durante prácticamente toda la representación supone un esfuerzo añadido para este actor que por méritos propios se ha ganado un lugar entre los más valorados de nuestro país y que le ha supuesto ya un Premio Emmy Internacional al mejor actor por su interpretación en la serie de televisión ‘Yo adicto’.

Y junto a él sobre el escenario está su amigo y compañero artístico Pau Matas Nogué, que es coautor y codirector de la obra y quien deliciosamente pone el contrapunto a los excesos de Oriol con una figura tranquila, calmada, que deja hacer pero que de vez en cuando pone orden al tiempo que acompaña con una suave música  interpretada con una guitarra acústica y que  usa el silbido como instrumento musical  creando bellas melodías.

Oriol Pla y Pau Matas Nogué © Conchita Meléndez

Al final agotado, ya sentado junto a su compañero, el personaje de Oriol vuelve a sentirse vulnerable y confiesa su miedo a no haber conseguido lo que se proponía. Teme que el espectáculo haya sido demasiado largo, que algunas personas del público no se hayan reído, que no hayan disfrutado. Pau le consuela y de nuevo Oriol quiere continuar, un poco más, una canción más. Pero ya no es posible, tiene que abandonar el escenario.  Y entonces se produce el milagro que todo artista espera en cada representación, los espectadores en pie aplauden con entusiasmo durante varios minutos.  

MARTA HAZAS Y JAVIER VEIGA PROTAGONIZAN UN MATRIMONIO SIN FILTROS

 

MARGA y JAIME van a separarse después de 15 años de matrimonio. Entre lágrimas y reproches se consuelan sabiendo que, al no tener hijos ni mascotas y ni siquiera un coche en común, podrán marcharse sin más, dando un portazo con un clásico: “Yo ya no quiero nada tuyo”. Pero hay un pequeño detalle en el que no habían caído. Ese portazo hay que darlo con una puerta. Y esa puerta pertenece a una casa. ¡¡¡Y esa casa… es la casa de los dos!!!

Empiezan a sacar los trapos sucios y a echarse en cara mutuamente el fracaso de su relación. Ambos llegan a una conclusión: debería irse de la casa el que tenga más culpa de que se estén divorciando. Y ahora empezará la guerra de verdad. Ambos van a tirar de la manta y a sacar toda la mierda que tenían guardada debajo de la alfombra. Aquí ya no hay pudor, ni importa el qué dirán…

"Un matrimonio sin filtros" es una comedia teatral sobre una pareja en crisis que decide convertir su separación en un reality show, donde el público decide quién se queda con la casa. Funciona como un espejo de la sociedad actual, que consume cotilleos y se expone en redes, invitando a la reflexión sobre hasta dónde llega la sinceridad en las relaciones. 

Interpretada por Marta Hazas y Javier Veiga, pareja en la vida real, "Un matrimonio sin filtros" podrá verse en el Teatro Maravillas del 9 de enero al 28 de junio de 2026. 

Fotografías ©Conchita Meléndez

NOCHE, DE ALEJANDRO SAWA, ABRE EL AÑO EN EL ESPAÑOL

 

Escena de Noche ©Javier Naval

El Teatro Español acaba de estrenar en la sala pequeña, Margarita Xirgu, la primera puesta en escena del nuevo año. Se trata de una coproducción entre el Teatro Español y Micomicón sobre una adaptación de NOCHE, obra de uno de los grandes autores malditos de la literatura española, Alejandro Sawa.

Alejandro Sawa, nacido en Sevilla,  fue un escritor y periodista español, que formó parte de la bohemia finisecular madrileña. Sawa, que murió pobre y ciego, habiendo perdido la razón, inspiró a Valle Inclán para crear su personaje de Max Estrella en Luces de bohemia. No fue Valle el único que le rindió homenaje en su obra, también Pío Baroja hace alusión a él en El árbol de la ciencia. Y en la que fuera su casa, en la calle de Conde Duque número 7 de Madrid puede encontrarse una placa dedicada en la que reza: «Al rey de los bohemios, el escritor Alejandro Sawa, a quien Valle-Inclán retrató en los espejos cóncavos de Luces de bohemia como Max Estrella, que murió el 3 de marzo de 1909, en el guardillón con ventano angosto de este caserío del Madrid absurdo, brillante y hambriento".

Aunque principalmente Sawa fue un periodista qué vivió gran parte de su vida en Madrid, una vida marginal que le llevó a terminar sus días enfermo, ciego y con graves carencias económicas, es sus años jóvenes viajó y  conoció el París simbolista, tradujo a los hermanos Goncourt y se empapó de arte y belleza, lo que amaba por encima de todo. En Madrid se ganó la vida trabajando para importantes periódicos, tales como El Heraldo de Madrid, El Imparcial, Don Quijote y ABC. Escribió varias obras entre las que destacan: Iluminaciones en la sombra (1910), Crimen legal (1886), Declaración de un vencido (1887), La mujer de todo el mundo (1885), Historia de una reina (1907), La sima de Igúzquiza (1888), Criadero de curas (1888) y Noche (1888).

Es ésta última la que Mariano Llorente ha adaptado y dirigido para el Teatro Español. Una novela que sigue la corriente naturalista de la época y que se desarrolla en la España de misa, mantilla y procesión; la de los cafés abarrotados de tertulianos hasta altas horas de la madrugada; la de los burdeles de baja estofa y clientela fiel.

La protagonizan un padre autoritario, una madre sin carácter, cinco hijos y un cura amoral e hipócrita. La obsesión enfermiza del padre por la religión y la huida del pecado convierte a esta familia en un grupo de seres grises que conviven en una misma casa enclaustrados. La novela narra las consecuencias que la educación autoritaria del padre tiene sobre el destino de sus hijos.

Mariano Llorente, que dice haberse sentido entre las palabras de Alejandro Sawa como en casa,  refleja en el montaje que ha realizado los años de una España oscura y una familia aún más oscura. Las primeras palabras que escuchamos desde la escena son las de la única hija que les queda a Dolores y a Paco en la casa familiar. Paquita, que yace en el lecho enferma de tuberculosis, le recrimina a la madre que ni ella ni su marido les han querido nunca a ella y a sus hermanos. Es duro escuchar algo así, pero no sorprendente en los tiempos en los que se sitúa la obra. 

El reparto de la obra lo componen: Alberto Jiménez, que regresa a la escena tras un largo periodo de ausencia y que encarna a Don Francisco (Paco), que es el padre de la familia y en él reside gran parte de lo que es la lucha, la noche está en su cabeza, la noche está en sus tinieblas morales, en su dogmatismo, en su fanatismo.  Roser Pujol es Dolores, la madre, una mujer sojuzgada al marido, sin personalidad, una paridera de niños que vive bajo las condiciones que Paco la impone y que ni siquiera considera el hecho de que no debería de ser así. Y Àstrid Janer es Paquita, la hija enferma y abnegada que en sus últimos momentos intenta remover conciencias. 

El resto del equipo es el habitual con el que Micomicón suele trabajar y está compuesto por Arturo Martín Burgos, en la escenografía; el vestuario es de Almudena Rodríguez Huertas; la Iluminación de Ion Aníbal, la Composición musical de Mariano Marín y la Videoescena, que es realmente magnífica,  de  Emilio Valenzuela.  Todos ellos han colaborado para lograr una atmósfera opresiva pero con una gran belleza estética. Las fotografías de escena son de Javier Naval.

La obra estará en cartel desde el 8 de enero al 1 de febrero de 2026

Alberto Jiménez, Àstrid Janer, Mariano Llorente y Roser Pujol ©Conchita Meléndez

OUTCASTPRODUCCIONES TRAE A MADRID LA LEGENDARIA OBRA DE JONATHAN LARSON ‘RENT’

Como si de un regalo adelantado de Navidad se tratase el Teatro Fernán Gómez estrenará el próximo día 23 de diciembre coincidiendo con el su 30 aniversario, RENT, un musical rock con libreto, música y letras de Jonathan Larson, basado en la ópera La bohème de Giacomo Puccini, Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Su trama central gira en torno a un grupo de jóvenes bohemios que luchan por salir adelante en el Alphabet City neoyorquino de principios de los 90, bajo la constante amenaza del VIH/sida y el temor  a ser desahuciados del edificio en el que viven.

RENT es una obra que habla de una época y un lugar, pero que perfectamente podría traspasarse a lo que acontece en nuestros días. La precariedad laboral, la dificultad para poder costearse una vivienda, la droga, el sida, son algunos de los problemas que se plantean en la obra y que hoy siguen vigentes.

RENT fue el primer musical que dio protagonismo a la diversidad, expresándose en un lenguaje directo, urbano, contradictorio y real. Con una estética urbana y música rock, este clásico de finales del siglo XX  incluye clásicos icónicos como "Seasons of Love", "La Vie Bohème", y "Rent" , además de momentos poderosos como "One Song Glory", "Light My Candle", "Tango: Maureen", "Take Me or Leave Me", y "What You Own".

Pero RENT es más que una denuncia, es también una historia de amor y de amistad, de solidaridad y de ansias de transformación. De anhelos compartidos y de sueños individuales. Pensada como un taller teatral en 1994 para el circuito alternativo, acabaría estrenándose en 1996 en el Nederlander Theatre de Broadway y permaneció en cartel durante doce años, recibiendo diferentes premios entre los que se incluyen el Pulitzer y Tony al mejor musical. En España se estrenó por primera vez en Barcelona en 1999, en una producción dirigida por Daniel Anglés que luego llegó a Madrid en el año 2000, al Teatro Coliseum, consolidando su éxito en el país.

Ahora vuelve de nuevo, esta vez a un teatro público, el Fernán Gómez y lo hace de la mano de OutcastProducciones. La dirección y la adaptación son de José Luis Sixto y la dirección musical, arreglos y adaptación, de César Belda. La coreografía es de Analía González y la dramaturgia, de Adrián Perea. Los papeles principales está interpretados por Luis Maesso (Mark), Pascual Laborda (Roger), Candela Camacho (Mimi), Tiago Barvosa (Tom), Adrián Amaya (Ángel), Carla Pulpón (Maureen), Begoña Álvarez (Joanne) y Tatán Selles (Benjamín Coffin III), a los que se suman otros nueve miembros de la compañía y cuatro músicos que actuarán en directo durante toda la representación. 

La obra cerrará el telón el 25 de enero, fecha en la que se cumplen 30 años del fallecimiento de Jonathan Larson, que murió precisamente la noche del estreno de su obra maestra.

Fotografías ©Conchita Meléndez