A SUS 94 AÑOS HÉCTOR ALTERIO REGRESA AL TEATRO CON "UNA PEQUEÑA HISTORIA"

 

©Jesús García Serrano

El emblemático tándem artístico compuesto por Héctor Alterio y Ángela Bacaicoa, acompañado musicalmente por el pianista Juan Esteban Cuacci, llegará al Teatro Reina Victoria de Madrid los días 21, 22 y 23 de junio para presentar "Una Pequeña Historia", la nueva obra de Pentación Espectáculos.

"Una Pequeña Historia" se erige sobre la base de un viaje de ida y vuelta entre Buenos Aires y Madrid, encapsulando los recuerdos y vivencias de Héctor Alterio en la poesía, la música y la emoción. Esta obra promete ser una noche de disfrute sensorial total, fusionando amor y humor de la mano de un actor que sabe conmover profundamente con su voz inigualable. La sensibilidad musical de Juan Esteban Cuacci al piano añadirá una capa extra de emotividad a la experiencia.

En esta celebración sobre el escenario, Héctor Alterio regresa con un bagaje de recuerdos y vivencias, evocando los poemas de grandes figuras como Cátulo Castillo y León Felipe, entre otros. La dramaturgia de la obra está a cargo de Ángela Bacaicoa, compañera de vida de Alterio, quien narra cómo el actor llegó a España en 1974 para presentar la película "La Tregua" y, debido a la dictadura militar en Argentina, no pudo regresar.

Madrid se convirtió tanto en su cárcel como en su salvación. Enfrentado al dolor del exilio, Alterio tuvo que adaptarse a nuevos escenarios y cambiar su acento, encontrando refugio y consuelo en los poemas de León Felipe, un hombre de teatro y exiliado político como él. Así, se transformó en un trovador que recorrió España recitando estos versos, haciéndolos suyos.

En "Una Pequeña Historia", Héctor Alterio recita tangos y poesía que lo han acompañado desde su niñez, hilvanando la emoción de todos estos años a través de las obras de León Felipe, Borges, Cátulo Castillo, Piazzolla, Horacio Ferrer, Hamlet Lima Quintana y Eladia Blázquez. Juan Esteban Cuacci, desde el piano, actúa casi como un cómplice en este viaje a la memoria, añadiendo profundidad y resonancia a la experiencia poética y musical.

"Una Pequeña Historia" promete ser un espectáculo inolvidable, una comunión entre la palabra y la música, donde los recuerdos y las vivencias se entrelazan en un tapiz de emociones que solo un artista de la talla de Héctor Alterio puede tejer. 

ESTRENO DE "LOS GATOS MUEREN COMO LAS PERSONAS" DE DAN JEMMETT EN EL CENTRO DRÁMATICO NACIONAL

 

Dan Jemmett presenta su último montaje, "Los gatos mueren como las personas", en el Teatro Valle-Inclán de Madrid, del 16 de mayo al 23 de junio. Esta obra cierra la temporada teatral del Centro Dramático Nacional, ofreciendo un homenaje a dos destacados artistas del siglo XX: Heiner Müller y Rainer Werner Fassbinder. Jemmett fusiona elementos de la obra "Cuarteto" de Müller y la película "Atención a esa prostituta tan querida" de Fassbinder para crear una nueva narrativa teatral.

El montaje se inspira en el texto "Cuarteto" de Heiner Müller, basado en "Las amistades peligrosas" de Pierre Choderlos de Laclos, y en la película de Fassbinder, que explora las dinámicas entre actores y su director en un espacio de espera antes de iniciar una obra. Jemmett describe su obra como una mezcla de estos universos, explorando el deseo, el tedio y la brutalidad. Los actores en la escena reflejan las crisis personales y profesionales, destacando la figura de Fassbinder y la presencia casi espectral de Müller.

Desarrollo Escénico

La primera parte de "Los gatos mueren como las personas" presenta a los actores en la barra de un bar, esperando a su director. Esta espera se caracteriza por la frustración y las crisis del director, un alter ego de Fassbinder. En la segunda parte, se representa la adaptación de "Cuarteto", donde los personajes Valmont y Merteuil se enfrentan en un intenso juego de roles sexuales. La combinación de estos dos mundos crea una experiencia teatral única.

Equipo Creativo y Temáticas

La dramaturgia y dirección están a cargo de Dan Jemmett, con la colaboración de Brenda Escobedo. El elenco incluye a José Luis Alcobendas, Valérie Crouzet, Clemente García, Violeta Linde, David Luque, Julia Piera y Nico Romero. La escenografía de Adán Torres, la iluminación de Felipe Ramos, el vestuario de Vanessa Actif, la caracterización de Johny Dean y el espacio sonoro y vídeo de Christopher Knighton complementan la puesta en escena.

Jemmett destaca que tanto Müller como Fassbinder reflejan en sus obras la devastación y el caos de la posguerra. Sus trabajos abordan la violencia, la manipulación y el deseo, sin tabúes, cuestionando los sistemas de poder y las relaciones humanas. Este montaje experimental invita al público a reflexionar sobre estos temas, ofreciendo una mirada crítica y profunda a la condición humana.

"Los gatos mueren como las personas" no solo es un homenaje a Müller y Fassbinder, sino también una exploración de los límites del teatro. Jemmett busca conectar la plasticidad y el manejo del tiempo de Fassbinder con el texto fragmentado de Müller, creando un código escénico innovador. Este montaje se presenta como una oportunidad para que los amantes del teatro disfruten de una obra que desafía las convenciones y explora nuevas formas de expresión artística.

La obra se podrá disfrutar en el Teatro Valle-Inclán de Madrid hasta el 23 de junio, ofreciendo una experiencia teatral única e imperdible.

Fotografías: © Luz Soria

"LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE ERNESTO" REGRESA A MADRID CON SU ÁCIDA CRÍTICA SOCIAL

© Ernesto Felipe Mena

Uno de los retratos más corrosivos sobre la hipocresía social, "La importancia de llamarse Ernesto" del dramaturgo inglés Oscar Wilde, regresa a Madrid. Esta adaptación, dirigida por David Selvas y con un elenco estelar que incluye a Silvia Marsó, Pablo Rivero, Júlia Molins, Ferran Vilajosana, Paula Jornet, Albert Triola y Gemma Brió, se representará en el Teatro Pavón desde el 15 de mayo hasta el 30 de junio.

Este ácido y divertido espectáculo, impregnado de aires de musical indie gracias a las composiciones originales de Paula Jornet, debutó en versión catalana en 2018 y disfrutó de tres temporadas de gran éxito. En otoño de 2022, el montaje se estrenó en la Comunidad de Madrid en el Teatro Español, donde también fue muy bien recibido por el público.

Estrenada originalmente en 1895, "La importancia de llamarse Ernesto" fue una de las últimas obras de Wilde antes de que su vida personal y carrera se vieran truncadas por una condena a dos años de prisión por indecencia debido a su vida privada. Wilde, un crítico feroz de la hipocresía de una sociedad cada vez más conservadora y controladora, ya había señalado estos temas en sus obras.

Esta obra maestra aborda los enredos amorosos de dos jóvenes británicos y sus dobles vidas secretas, anticipando algunas de las principales vanguardias del siglo XX. “Wilde escribió un guiño perfecto lleno de sabiduría dramatúrgica y de inteligencia vital”, explica David Selvas. “Con sus réplicas desacomplejadas, hace que la verdad explote en la cara de los espectadores, que se sienten constantemente interpelados”.

Selvas destaca cómo Wilde explora diversos territorios a través de sus personajes: el amor, el deseo, los orígenes, el compromiso, la hipocresía, la identidad y, sobre todo, la libertad, una libertad profundamente valorada por Wilde. Esta resonancia atemporal de la obra subraya la relevancia de las reflexiones de Wilde sobre la vida y la necesidad de vivirla con libertad y autenticidad.

El montaje de David Selvas ha recibido el Premio al Mejor Espectáculo en los Premios de Teatro de Barcelona. Paula Jornet, actriz revelación, también fue reconocida por su música original con el Premio de la Crítica y el Premio Butaca 2018. "La importancia de llamarse Ernesto" es una producción del Teatre Nacional de Catalunya, La Brutal y Bitò Produccions.

Esta puesta en escena invita a la reflexión sobre la libertad y la identidad, conceptos que Wilde defendió apasionadamente y que siguen siendo pertinentes hoy en día. 

DREAM, INDAGA EN LA EN LA RELACIÓN MATERNO FILIAL

 

Israel Galván y Natalia Menéndez © C. Meléndez

El Teatro Español, en su sala grande y hasta el 26 de mayo, apuesta por una producción en la que dos mentes innovadoras y atrevidas, Natalia Menéndez e Israel Galván,  se han unido para crear un canto a la relación, o a las múltiples relaciones,  entre madres e hijos. Dream, como anagrama de Madre, nos lleva a través de esa conexión que no es privilegio de la raza humana, sino que por el contrario se da también en otras especies. La maternidad, entendida como un proceso biológico que nos equipara al resto de nuestros compañeros animales puede teñirse de connotaciones afectivas tan próximas al amor como al odio. Esa confusa y radical mezcla de sensaciones puede asemejarse a un sueño DREAM/ MADRE. O, quizás, a una pesadilla.

El escenario se transforma en  un espacio materno y una escenografía sonora en el cual el cuerpo se trasluce en un ser que se mueve, se mece o patalea dentro de una especie de líquido amniótico.

En palabras de Israel y de Natalia, Dream no es teatro, ni danza ni flamenco, pero es todo ello al mismo tiempo. Un espectáculo que habita el escenario; donde se crea algo extrañamente familiar; habitado por muchas madres, y muchos hijos ¿quién es la madre y quien es el hijo? No está claro ni se pretende.

Mientras Israel se mueve por el escenario en una danza no danza, al compás de la música de Antonio Moreno, Juan Jiménez Alba y María Marín, que además tiene una voz maravillosa con la que a veces susurra las canciones más que cantarlas, una persona nos va narrando varias historias en las que personajes mitológicos, Medea, Hécuba, Clitemnestra, Fedra, Andrómaca se equiparan a las hembras de determinados animales. Paquita Cobos Gil, abogada de profesión es la voz que asocia a las hembras de una araña, una leona y una osa panda con las trágicas, defiende y expone sus actitudes; tal vez nos ofrezca otra luz sobre alguna de ellas o ponga voz sobre aquello que se ha silenciado. Medea tiene derecho a una abogada y la osa panda también. Nos preguntamos sobre cuánto tenemos de los animales y cuánto los animales tienen de nosotras. Sus monólogos no son un juicio, se limita a exponer hechos, aunque al final todo quede listo para sentencia. 

Los múltiples sonidos que escucharemos a lo largo de la representación, provocados a su vez por múltiples objetos, así como los elementos que se han utilizado para poner de manifiesto las relaciones entre esos seres que no siempre estamos seguros de si son madres o son hijos, o lo son todo a la vez, o tal vez no lo son, juegan un papel muy importante que activa la imaginación del espectador, como ese hilo rojo que bien podría ser el cordón umbilical que es necesario cortar en algún momento de nuestras vidas. O el chapoteo sobre el agua en lo que se asemeja a un parto en el que se derramara el líquido amniótico. Todo ello nos lleva al inconsciente y a otros planos de la memoria. A otra forma de entender la vida. En este baile que no se sabe si quien lo interpreta es mujer u hombre -no siempre importa- se mezclan los recuerdos de la transformación del hijo en madre y viceversa, y todo ello se transforma en la memoria del cuerpo extrañamente habitado.

Fotografías de Escena: © Vanessa Rabade

DESCARADOS, DE DARIO FO Y FRANCA RAME, LLEGA AL TEATRO FERNÁN GÓMEZ. CENTRO CULTURAL DE LA VILLA

 

El teatro es un espejo de la sociedad, un lugar donde se reflejan sus contradicciones, sus absurdos y sus luchas de poder. En este sentido, "Descarados", versión de Santiago Sánchez de la obra "Clacson, Trombette e pernacchi" de Dario Fo y Franca Rame, es una ventana abierta a la crítica social y política, una sátira  que desnuda los entresijos del poder y las instituciones.

Desde el 9 de mayo hasta el 2 de junio de 2024, el Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge esta obra interpretada por un elenco de lujo: Juan Gea, Lola Moltó, Marta Chiner, Rafa Alarcón, Carles Montoliu, Carles Castillo y Víctor Lucas, bajo la dirección de Santiago Sánchez. Una oportunidad única para sumergirse en el universo del genio italiano Dario Fo y su inseparable colaboradora Franca Rame.

Fo y Rame, una pareja unida tanto en lo personal como en lo profesional, marcaron un hito en la historia del teatro con su enfoque auténticamente popular, crítico y políticamente eficiente. Fundaron la compañía teatral autogestionada Nuova Scena en 1968, la cual evolucionó hacia el Colectivo Teatral LA COMUNE en los años setenta, manteniendo siempre su compromiso con un teatro que abordara las problemáticas sociales de manera directa y provocativa. Si bien era Dario quien estaba al frente de una forma más visible, él apuntaba siempre que ella le enseñó el ritmo, el gag, la improvisación, el gesto eficaz y limpio y a gestionar las "gracias", características que nos describen el teatro que Fo desarrolló.

"Descarados" parte de un incidente desafortunado: un intento de secuestro seguido de un accidente que deja a un personaje público desfigurado. La trama se enreda cuando un empleado, por casualidad, se convierte en el supuesto protagonista del suceso. A partir de ahí, la obra se convierte en una sucesión de equívocos y situaciones hilarantes que desenmascaran los intereses y las maniobras de la política, la justicia, la policía, el Estado, las empresas e incluso la medicina.

El humor y la ironía son las herramientas principales de Fo y Rame para exponer las injusticias y las corruptelas que imperan en la sociedad. Con un ritmo trepidante, diálogos ágiles y situaciones absurdas, "Descarados" invita al espectador a reflexionar, pero también a reír,  ante los hechos absurdos que rodean nuestro día a día.

La compañía L’Om-Imprebís, dirigida por Santiago Sánchez desde su fundación en 1983, es la encargada de llevar esta obra por distintas ciudades españolas. Con un estilo propio que abarca desde los clásicos de la dramaturgia universal hasta las "pequeñas joyas" de la dramaturgia europea contemporánea, L’Om-Imprebís se ha ganado un lugar destacado en el panorama teatral español por su calidad artística y su compromiso con un teatro que interpela y emociona.

En tiempos convulsos, donde la realidad supera a menudo a la ficción, obras como "Descarados" se convierten en una invitación a mirar más allá de las apariencias, a cuestionar el statu quo y a encontrar, en medio del caos, un espacio para la risa liberadora y la reflexión crítica.

Fotografías: © C. Meléndez

LOS AMIGOS DE ELLOS DOS, CRÓNICA DE UNA DEPENDENCIA

Se abre el telón: Una pareja de mediana edad, clase media, con estudios superiores ( un abogado y una psicóloga), y profesionalmente asentados, espera la llegada de unos amigos en un reservado de un restaurante, con una mesa sin montar y sin que ningún camarero se acerque en ningún momento a preguntar que quieren tomar. Afuera se oye el ruido de otros clientes. 

La llegada de “los amigos de ellos dos”, que son quienes han escogido el lugar donde cenar, bastante retirado del centro de la ciudad,  se demora. Esta cena forma parte de un ritual que lleva produciéndose todos los jueves desde hace más de 12 años y el hecho de que los amigos lleguen tarde es al parecer habitual. Aquí comienza un diálogo en el que irán surgiendo una serie de reproches, hacia la pareja ausente, pero también entre ellos. Esas pequeñas cosas que nos vamos guardando durante muchísimo tiempo y que de repente rebosan de la caja en la que estaban guardadas. 

Las personalidades de Eli (Malena Alterio) y Nicolás (David Lorente) son muy diferentes. Eli está encantada con su vida tal y como la vive. Para ella sus amigos son lo mejor que les ha pasado en la vida y tiene una dependencia total de los mismos, se siente una privilegiada al poder contar con unas personas que son mejores que ellos dos, más guapos, más inteligentes, más divertidos, con un gran éxito social y que además les han elegido a ellos para compartir su tiempo. 

Nicolás, también tiene una gran dependencia de sus amigos pero empieza a estar harto de ellos, de su falta de consideración al llegar siempre tarde, de que siempre les superen en todo y no duden en recordárselo siempre que tienen ocasión, de que en realidad ellos les importen muy poco. 

El tiempo va transcurriendo y los ruidos del exterior se van amortiguando hasta que cesan por completo. El teléfono de Eli empieza a emitir mensajes de WhathsApp y llega el desenlace, en parte esperado y en parte extraño. El espectador deberá decidir por sí mismo como interpretarlo. 

Se cierra el telón. Y resuenan los aplausos, porque realmente tanto Malena Alterio como David Lorente están estupendos en sus respectivos papeles de esta obra escrita por Daniel Veronese y Matías del Federico y dirigida por el primero, en la que los actores se mueven en un escenario sencillo pero eficiente, aunque  que tal vez habría necesitado de un espacio más pequeño, más íntimo. El diseño de escenografía y vestuario es de Elisa Sanz. 

La obra coproducida por Producciones Off, Vania y el Teatro Español, estará en la sala Max Aub de Naves del Español hasta el 16 de junio. Tiene una duración de 1 hora y 15 minutos.

EL LARGO CAMINO (HISTORIAS DE UCRANIA) DE LA COMPAÑÍA LOS SUEÑOS DE FAUSTO

El teatro, como arte milenario, tiene la capacidad de conmover, reflexionar y sensibilizar sobre realidades complejas y dolorosas. En este contexto, la Sala Jardiel Poncela del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa abre sus puertas del 9 al 19 de mayo para presentar "El Largo Camino (Historias de Ucrania)" de la compañía Los Sueños de Fausto, como parte del Ciclo de Teatro y Derechos Humanos.

Este proyecto teatral surge de la necesidad de dar voz a aquellos que han vivido en carne propia el conflicto entre Ucrania y Rusia. Basado en entrevistas reales realizadas por Álvaro Vicente a personas afectadas por este enfrentamiento, el montaje consta de tres piezas que exploran diversas facetas de la experiencia humana en tiempos de guerra.

Viktoriia Chernobuk, a través de su pieza, nos sumerge en la cruda realidad del conflicto armado, mostrando sus consecuencias devastadoras en la vida de quienes lo padecen. Con escenarios marcados por el miedo y la incertidumbre, la obra nos invita a reflexionar sobre la fragilidad de la existencia y la valentía necesaria para enfrentarse a la violencia.

Por otro lado, Raúl Quirós nos lleva a través de las vivencias cotidianas de Valentina y Anna, dos mujeres separadas por la geografía pero unidas por lazos invisibles. A través de simples conversaciones telefónicas y la preparación de un guiso, se revelan las preocupaciones, anhelos y la profunda conexión que las une, mostrando así la dimensión humana y emocional que trasciende las fronteras impuestas por la guerra.

Manuel Benito, en su pieza, pone el foco en la labor de mujeres que han trabajado incansablemente en la atención y acogida de refugiados ucranianos. Su relato destaca la importancia del trabajo en equipo, la empatía y la adaptación rápida a nuevas circunstancias, resaltando así la solidaridad como motor de cambio y reconstrucción en tiempos de crisis.

Bajo la dirección de Miguel Ángel Quirós, "El Largo Camino (Historias de Ucrania)" se convierte en un testimonio vivo de la resiliencia humana frente a la adversidad. Con una dramaturgia que entrelaza las voces y experiencias de quienes han vivido de cerca el conflicto, la obra nos invita a reflexionar sobre la importancia de la empatía, la solidaridad y el valor de cada pequeño acto de humanidad en la construcción de un mundo más justo y compasivo.

El elenco lo componen: Emi Caínzos, Ana Gijón e Ingrid Hernández. Las personas entrevistadas son: Andrea Cerezo, Viktoriia Chernobuk, Maryna Hlibka, Anastasiia Hrynzovska, Yevhen Isaiev, Liubov Isaieva, Yuliia Moskovkina y Laura Muñiz.  

Los Sueños de Fausto, S.L. destaca como una compañía comprometida con la narración de historias que van más allá del entretenimiento, abordando cuestiones sociales y humanas. Desde su fundación en 2010, la compañía ha dejado una huella distintiva en la escena nacional, especializándose en obras contemporáneas de autores españoles, a través del desarrollo de proyectos con un marcado carácter social.

La iniciativa de «El Largo Camino» nace de la inquietud por abordar el conflicto en Ucrania y Rusia desde una perspectiva teatral. La idea surgió al plantearse la posibilidad de contar estas experiencias a través de entrevistas y llevarlas al escenario. La selección de los participantes en las entrevistas se realizó de manera cuidadosa, buscando voces que pudieran representar diversas perspectivas del conflicto. Durante la creación de las piezas, el desafío principal fue equilibrar y representar con autenticidad las diferentes problemáticas, desde el inicio del conflicto hasta la acción de los trabajadores sociales.

FICCIONES: LA DISOLUCIÓN DE LOS LÍMITES ENTRE REALIDAD Y FANTASÍA

 

El teatro siempre ha sido un terreno fértil para explorar las complejidades de la condición humana, y en la obra "Ficciones", la compañía teatral Exlímite nos sumerge en un torbellino de historias entrelazadas que desdibujan las fronteras entre lo real y lo imaginario. Bajo la dirección de Juan Ceacero y basada en el  texto de Fernando Delgado-Hierro, esta producción se erige como un espejo distorsionado de nuestra propia tendencia a construir narrativas, tanto en el escenario como en la vida cotidiana.

El título mismo, "Ficciones", nos invita a reflexionar sobre la naturaleza de la realidad y la ficción. ¿Dónde empieza una y termina la otra? En un mundo saturado de narrativas, medias verdades y versiones sesgadas de la verdad, la línea divisoria se vuelve cada vez más difusa. La obra nos sumerge en un viaje donde los límites entre la realidad, la ficción, la verdad y la mentira se desvanecen, obligándonos a cuestionar nuestras propias percepciones y creencias.

El escenario, descrito como un "acelerador de partículas", se convierte en el epicentro de esta exploración. Es el lugar donde la ficción cobra vida, donde las máscaras se transforman y los personajes emergen para desafiar nuestra comprensión del mundo. A través de un desfile fragmentado de historias y personajes, la obra nos sumerge en un torbellino de emociones y reflexiones sobre la naturaleza misma de la narrativa humana.

En el corazón de "Ficciones" yace una pregunta fundamental: ¿Por qué contamos historias? La respuesta, tal como sugiere la obra, radica en nuestra necesidad innata de dar sentido al mundo que nos rodea. Cada historia, cada personaje, cada escenario es una nueva oportunidad para explorar nuestra propia existencia y comprender nuestra relación con el universo que habitamos.

A lo largo de la obra, somos testigos de la transformación de los personajes, tanto reales como alucinados, que desfilan por el escenario como sombras fugaces en la noche. Desde los preparativos aparentemente mundanos de un evento hasta la inmersión en cuentos fantásticos que desembocan en lo monstruoso, "Ficciones" nos arrastra en un viaje sin retorno hacia lo desconocido.

Al final, nos enfrentamos a la pregunta última: ¿Hacia dónde nos lleva este viaje? Quizás, como sugiere Georges Perec, la catarsis no reside en el espectador, sino en aquellos que se sumergen en la experiencia misma de crear y contar historias. En última instancia, "Ficciones" no es solo una obra de teatro, sino un recordatorio de la poderosa influencia que las narrativas ejercen sobre nuestras vidas y nuestra comprensión del mundo que habitamos.

En un mundo donde las fronteras entre la realidad y la fantasía se desdibujan cada vez más, "Ficciones" nos invita a cuestionar nuestras propias percepciones y a sumergirnos en el oscuro abismo de la imaginación humana. Es un recordatorio de que, al final del día, todas nuestras vidas son solo historias que esperan ser contadas.

El reparto está formado por Javier Ballesteros, Ángela Boix, Leticia Etala, Beatriz Jaén, Macarena Sanz y Belén de Santiago. La obra se representa en los Teatros del Canal, Sala Negra del 7 al 19 de mayo. 

Fotos: © C. Meléndez

LADY ANNE EN EL TEATRO DE LA ABADÍA

 

Ricardo, Duque de Gloucester, intenta conquistar a Lady Anne durante el funeral de su suegro, el rey Enrique VI de Inglaterra. padre del difunto esposo de lady Anne, Eduardo de Westminster. Lo que la dama desconoce es que el hombre que la pretende es en realidad el asesino tanto de su marido como de su suegro. Cuando este confiesa sus crímenes, lady Ana le escupe a la cara, pero Ricardo le ofrece un anillo y le pide su mano en matrimonio. Ana, a pesar de odiarle con toda su alma, se sabe sola y desamparada, y durante unos momentos llega a sopesar la oferta del duque.

Esta historia está reflejada en la obra de  Shakespeare Ricardo III y es también la base de la que parte la producción que se podrá ver desde el 9 al 19 de mayo en la sala José Luis Alonso de los Teatros de la Abadía. 

La famosa escena de Lady Anne y Ricardo escrita por Shakespeare le sirve a Inma Nieto para hablar de algo que conoce muy bien: el proceso creativo de una actriz. Tras más de 25 años de trayectoria como intérprete y docente, presenta su primera obra como directora. Una función que pone en el centro del tablero al personaje de Anne y a la actriz que lo interpreta para hablar del consentimiento, del síndrome del impostor, de los abusos de poder en la profesión. Una propuesta muy anclada a nuestros días, donde no falta la intriga y el humor.  

Elizabeth Gelabert e Inma Nieto son las dos actrices que se enfrentarán en escena, en una obra que ha sido escrita y que dirige la propia Inma Nieto. En ella podremos ver a una actriz a la que se ha contratado para interpretar a Lady Anne y que llega tarde al ensayo. Es una mujer insegura y a la que no le gusta el papel que se le ha asignado, no lo entiende, tal vez considera que en el momento actual su personaje no tiene vigencia, no reaccionaría como lo hace. Ella quiere renunciar pero ha firmado un contrato y el director, directora en realidad, le exige que cumpla con él. Así pues estaremos asistiendo a un ensayo que servirá para hablar del abuso de poder, dentro y fuera de la escena.

Elizabeth Gelabert e Inma Nieto son dos actrices que se formaron en el Teatro de la Abadía en los inicios de su andadura y han mantenido una larga amistad  que se transformaría después en la creación de la Compañía Las hijas de Eva, junto a Elena Martínez, también relacionada con el mundo del teatro  a través de la  producción y la distribución escénica. Tal vez por eso ambas se sienten muy a gusto trabajando juntas y eso es algo que normalmente se nota, confiere una seguridad y una cierta complicidad que repercute en la interpretación y en la puesta en escena a pesar de que ésta sea la primera experiencia de Inma Nieto como dramaturga y directora. 

FOTOGRAFÍAS: © C. Meléndez

MAYUMANA VUELVE A MADRID CON EL ESPECTÁCULO “IMPULSO”

 

El ritmo y la energía vuelven a invadir los escenarios de Madrid con el regreso de Mayumana y su nuevo espectáculo “Impulso”. Del 2 al 26 de mayo. Dde la mano del grupo SMEDIA el Teatro EDP Gran Vía será el epicentro de un espectáculo que promete emocionar y cautivar al público con su explosiva combinación de música, baile, luces y humor.

Mayumana, cuyo nombre significa destreza y habilidad en hebreo, es un grupo de danza y percusión que ha conquistado escenarios en todo el mundo desde su fundación en Israel en 1997. Conformado por artistas de diversas nacionalidades, Mayumana se ha ganado un lugar destacado en la escena artística global gracias a su innovador enfoque y su impresionante talento.

Los espectáculos de esta banda cuentan con tres elementos básicos: la percusión, la cual realizan con cubos de basura y elementos reciclados, las coreografías, con enorme vitalidad y mucho movimiento, y el componente teatral. 

“Impulso” es el último capítulo en la trayectoria de éxito de Mayumana. Con un elenco compuesto por ocho artistas, entre bailarines, músicos, actores y actrices, el espectáculo promete transportar al público a un viaje emocionante a través del ritmo y el movimiento. Desde percusiones africanas tradicionales hasta modernos ritmos electrónicos, “Impulso” fusiona una ecléctica gama de estilos musicales para crear una experiencia sonora única.

El latido o pulso es el hilo conductor de “Impulso”, simbolizando el ritmo de la vida misma. Los artistas utilizan sus propios pulsos como punto de partida, tejiendo ritmos y movimientos complejos que reflejan los altibajos del viaje humano. El resultado es un festín sensorial, rebosante de colores, movimientos dinámicos y ritmos hipnóticos que inspirarán y llenarán de energía al público.

Con casi 160.000 actuaciones y más de 8 millones de espectadores en más de 20 países, Mayumana se ha consolidado como una de las exportaciones culturales más importantes de Israel y uno de los grupos artísticos más destacados a nivel mundial. Desde sus humildes inicios en un almacén transformado en teatro, hasta sus exitosas giras internacionales y su participación en anuncios para marcas de renombre como Coca-Cola, Mayumana ha demostrado una y otra vez su capacidad para sorprender y emocionar a audiencias de todas las edades y culturas.

“Impulso” es la última muestra del talento y la creatividad de Mayumana. Con su vibrante mezcla de ritmo, movimiento y emoción, el espectáculo promete cautivar a todos aquellos que se aventuren a sumergirse en esta experiencia única. No te pierdas la oportunidad de ser parte de esta celebración del arte y la vida con Mayumana y su espectáculo “Impulso”.

Fotografías: © C. Meléndez