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miércoles, 19 de febrero de 2025

A LA FRESCA, LA NECESIDAD DE HABLAR SIN DECIR NADA

 


Si aún no la has visto todavía estás a tiempo. Hasta el 23 de febrero se sigue representando en Nave 10 Matadero, está fábula de Pablo Rosal, un dramaturgo que ya nos tiene habituados a los juegos de palabras, a la exaltación del lenguaje, que suele ser  la mayoría de las veces el tema principal de sus obras, y que en ocasiones anteriores le ha dado tan buenos resultados, como ocurrió con Los que hablan, interpretada por Luis Bermejo y Malena Alterio, que sin duda fueron una parte importante del éxito obtenido por el autor. 

En esta ocasión, A la fresca nos narra una historia sencilla, con personajes pequeños que tienen sueños pequeños. Tres personas que se han conocido casualmente se juntan cada día al atardecer para disfrutar de la puesta del sol y de su mutua compañía. Son personas completamente diferentes que no tienen nada en común, uno es un escritor con síndrome de la hoja en blanco, que se ha retirado a una finca familiar con la idea de relajarse e intentar desbloquearse. El problema es que en la casa, heredada de sus abuelos por varios familiares,  se están produciendo multitud de eventos, desde reuniones de empresa, a bodas, juegos, alquileres vacacionales, etc. Que no le permiten aquello que él había ido a buscar. 

Aquí entra en juego otro de los personajes, un pequeño constructor, más bien un albañil, que el escritor contrata para que le construya una pequeña cabaña en el terreno, lo suficientemente alejada de la casa para poder huir del ruido y la multitud. La tercera persona es una mujer contratada en un pueblo cercano para que se ocupe de la limpieza y las comidas de quienes habitan la casa. 

La escenografía es minimalista, apenas unas cuerdas con ropa tendida, que irá cambiando en cantidad dependiendo de cuantas personas habiten en cada momento el lugar. Son los propios actores quienes nos van narrando la historia de la casa que en realidad funciona como una especie de historia aparte, un complemento. Lo importante es, o debería de ser, las conversaciones entre estas tres personas. Lo que ocurre es que no estoy segura de que se le puedan llamar conversaciones, la mayoría de las veces son tan solo juegos de palabras, pronunciadas al azar, como por ejemplo en un momento de la obra en que el escritor les pide a los otros dos que discutan y que en el momento álgido de la discusión cambien las frases por nombres de flores, dichas en un tono hiriente como si se arrojaran dardos. 

La mayoría de las frases que se pronuncian en la obra son huecas, vacías de significado, lo cual al principio puede resultar ocurrente y hasta divertido, pero a la larga acaba cansando. Los actores que interpretan los respectivos papeles, Luis Rallo (el escritor), Israel Frías (la limpiadora) y Alberto Berzal (el albañil), hacen un trabajo muy digno, especialmente Israel Frías, pero la acción dramática es casi inexistente ya que una de las condiciones que el escritor impone a los demás es no hablar de sí mismos. Tampoco se abordan temas relevantes, lo cual deja el libreto en un ejercicio lingüístico, a ratos poético, a ratos ingenioso y a ratos sin sentido. 

Fotografías © Paco Ureña

EL TEATRO DE LA ZARZUELA PRESENTA EL ESTRENO EN ESPAÑA DE LA PREMIADA ÓPERA CHILENA ‘PATAGONIA’ DE SEBASTIÁN ERRÁZURIZ

 


El Teatro de la Zarzuela ofrecerá tres funciones, entre el 21 y el 23 de febrero, de la ópera de cámara PATAGONIA, obra coproducida por los teatros chilenos Biobío y del Lago, con la que han obtenido, entre otros importantes reconocimientos, el premio Ópera XXI a la Mejor Ópera Latinoamericana de 2023. Con música de Sebastián Errázuriz, que ejercerá también de director musical, y libreto de Rodrigo Ossandón, el montaje cuenta con dirección de escena y dramaturgia de Marcelo Lombardero – que tras su exitoso paso como director artístico por el Teatro Colón de Buenas Aires, ahora ha tomado las riendas del Bellas Artes de México -. El foso de la orquesta estará ocupado por solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), titular de La Zarzuela.

Cortesía del Teatro de la Zarzuela

Patagonia es una fascinante ópera de cámara que revive el encuentro épico entre los españoles y los tehuelches o aonikenk en América. Fue concebida para conmemorar los 500 años de la Expedición de Fernando de Magallanes, vista desde la perspectiva de los nativos del territorio austral de Chile. Más allá de recrear acontecimientos históricos, la obra explora el impacto que tuvo este viaje en la cultura indígena, incitando a los espectadores a reflexionar sobre la relación de la humanidad con el territorio.

Definida como una ópera postpandemia, Patagonia cuenta con un formato íntimo y contemporáneo. Algunos personajes emplean el aonikenk —lengua hablada por los tehuelches en la Patagonia chilena—, lo que permite sumergirse en una narrativa que combina música, imaginario e identidades. A través de una estética minimalista y profundamente emotiva, Patagonia no solo rememora la hazaña de Magallanes, sino que también da voz a los pueblos silenciados por el paso del tiempo, planteando preguntas universales sobre memoria, colonización y resistencia.

En la travesía veremos el encuentro de estos dos mundos, tan distintos, que por primera vez estuvieron en contacto hace 500 años, dando inicio al mundo globalizado que hoy habitamos. Ikalemen, una mujer contemporánea, que empieza a reconocerse como tehuelche, reconstruye recuerdos de la memoria oral de sus ancestros. ¿Qué significa para este pueblo la llegada del mundo civilizado? ¿Cómo percibirán las habitantes originarias de la Patagonia a estos Extranjeros?

El reparto de la obra está constituído por :

Golenkon, Guía espiritual aonikenk: Evelyn Ramírez, Mezzosoprano

Xorenken, Mujer joven aonikenk : Marcela González, Soprano

Antonio Pigafetta, Cronista italiano de la expedición: Nicolás Fontecilla,Tenor

Juan de Cartagena,  Capitán español:  Sergio Gallardo,  Bajo-barítono

Ikalemen, Mujer aonikenk contemporánea:  María Paz Grandjean,  Actriz

Kentelan,  Hombre joven aonikenk:  Francisco Arrázola,  Bailarín-actor

Hombre español Marinero: Mauel Páez,  Músico

Como curiosidad comentar que el cartel de la producción, diseñado por Javier Díaz Garrido, ha sido galardonado en la 11ª edición de los prestigiosos premios internacionales de dieseño  CLAP 2024. 


Fotografías © Conchita Meléndez.


lunes, 17 de febrero de 2025

LLUIS PASQUAL ESTRENA EN LOS TEATROS DEL CANAL LA GRAN ILUSIÓN

 


La Sala Verde acoge siete funciones de esta obra del dramaturgo napolitano Eduardo de Filipo, estrenada originalmente en 1948 los días 15, 16, 19, 20, 21, 22 y 23 de febrero. La comedia dirigida por Lluis Pascual e interpretada por La producción del Teatro San Martín / Complejo Teatral de Buenos Aires cuestiona los límites entre realidad y ficción y se ubica dentro del Canal Hispanidad, el ciclo abierto a la creación escénica hispanoamericana exhibida en grandes instituciones del continente.


Pasqual, que llegó a conocer al gran dramaturgo italiano de Nápoles, donde murió en 1984, retoma con La gran ilusión uno de sus grandes proyectos. La estrenó en Barcelona en 2016 y tres años después, en 2019, la montó en Nápoles con actores italianos. Ahora la ha recuperado en una producción del Teatro San Martín / Complejo Teatral de Buenos Aires con actores argentinos.


El montaje une dos piezas de De Filippo, Señor y gentilhombre, que escribió en 1928, y La gran magia, de 1948. En realidad, de la primera toma un fragmento que convierte en prólogo de esta versión, en la que un grupo de actores ensaya una obra teatral en la habitación de un hotel. De ahí, la acción salta a otro hotel de la época de los años 50 del pasado siglo, durante el periodo de vacaciones. Allí, un mago hace desaparecer a una mujer; aunque en realidad, el truco está amañado para que ella se escape con su amante. El marido le reclama al mago que le devuelva a la esposa; pero este le manipulará para que crea que vive otra realidad que le evite enfrentarse a la infidelidad de su mujer.

El espectáculo se representará en la Sala Verde de Teatros del Canal. Cuenta con un elenco integrado por Marcelo Subiotto, Patricia Echegoyen, Pablo Mariuzzi, Alejandra Radano, Nacho Gadano, Elvira Onetto, Yanina Gruden, Paco Gorriz, Pablo Razuk, Santiago Sirur e Ignacio Sureda. También participan los músicos Santiago Sirur (cantante), Shino Ohnaga (acordeón), Germán Martínez (guitarra) y Ernestina Inveninato (violín y mandolina).


El director español se ha ceñido a los propósitos expresados por Eduardo de Filippo sobre su obra: “Que la vida es un juego, y este juego tiene que ser alimentado por la ilusión, la cual tiene que sustentarse en la fe. Y ha querido también decir que cualquier destino está atado al hilo de otros destinos en un juego eterno: un gran juego del cual no nos es dado entrever más que detalles irrelevantes”.

© Conchita Meléndez


Fotografías de Escena © Carlos Furman







domingo, 16 de febrero de 2025

EL SILLÓN K. CARTAS DESDE EL OLVIDO: UN POÉTICO VIAJE ENTRE LA VIDA Y LA MUERTE DE LA MANO DE CARMEN CONDE Y KATHERINE MANSFIELD

 


Paula Paz une palabra, música y danza en una puesta en escena poética para rescatar del olvido a Carmen Conde, una de las escritoras españolas más importantes del siglo XX y primera mujer con silla propia, la letra K, en la RAE.

El sillón K. Cartas desde el olvido, podrá verse en el Teatro de la Abadía del 14 de febrero al 2 de marzo de 2025. 

Esta obra, protagonizada por la actriz Manuela Velasco y la bailarina Estela Merlos, rinde homenaje a Carmen Conde, figura clave de la Generación del 27, y a Katherine Mansfield, destacada escritora neozelandesa. Y lo hace a través de una serie de misivas, cuando en 1935 Carmen Conde comienza una relación epistolar unidireccional con Katherine Mansfield, fallecida doce años atrás. Es decir, son cartas de una persona viva para una persona muerta. La contrapartida viene dada por fragmentos del diario de Katherine Mansfield. El texto incluye también el discurso de entrada a la RAE de Carmen Conde: Poesía ante el tiempo y la inmortalidad.


A través de la obra poética de Carmen Conde y la correspondencia que escribe a la escritora neozelandesa Katherine Mansfield, descubrimos las dudas existenciales de la escritora, la idea de la muerte y las pulsiones suicidas, el gozo extraño de las pequeñas cosas y el misterio absorbente de la creación artística.


Es la segunda vez que Paula Paz visita como dramaturga y directora el Teatro de La Abadía tras su éxito, en la temporada 2022-23, de Cartas vivas, basada en las cartas entre Elena Fortún y Carmen Laforet. Es evidente que la dramaturga siente una gran fascinación por la correspondencia entre escritoras, aunque en el caso de El sillón K, sea solo una quien haga extensivas sobre el papel sus ideas y pensamientos. 

Carmen conde fue sin duda una poeta,  dramaturga, y ensayista considerada una de las voces más significativas de la generación poética del 27 y era también una persona acostumbrada a escribir epístolas que gustaba de relacionarse con otros escritores. Se sabe por ejemplo que mantuvo una intensa correspondencia con la poeta Ernestina de Champourcín, prácticamente ininterrumpida desde enero de 1928 hasta 1930. A partir de ese año, las cartas se fueron distanciando aunque la mantuvieron hasta los años ochenta. 


En 1935, año en que dimitió de su trabajó como Inspectora-Celadora de Estudios del Orfanato de El Pardo, ella y su marido el poeta Antonio Oliver, empezaron a colaborar con periódicos nacionales como El Sol, en el que se publicaron las Cartas a Katherine Mansfield. Su única hija había nacido muerta un par de años antes y el tema empezó a aparecer  intermitentemente en su poesía. Posiblemente haya una relación entre ambas cosas, la muerte como nexo de unión y también como una constante. Años más tarde también dedicaría un poema al esposo muerto "Digo palabras porque la muerte es muda" en un tono elegiaco nutrido de recuerdos, dolor y rencor.


El personaje de Carmen Conde está interpretado sobriamente por Manuela Velasco a la que acompaña en escena Estela Merlos, bailarina, y coreógrafa nacida en Barcelona y  residente en Londres. Ambas configuran una poética mirada a la obra de la escritora en un minimalista espacio escénico diseñado por Alejandro Andújar. Las acompaña la Voz en off de Elena Sanz.

El miércoles 26 de febrero tras la función habrá un encuentro con el equipo artístico de la obra.


Fotografías © Conchita Meléndez






sábado, 15 de febrero de 2025

JUAN CARLOS PÉREZ DE LA FUENTE LLEVA A ESCENA LA SEÑORITA DE TREVELEZ

 


Carlos Arniches escribió La señorita de Trevélez, en un momento de plena creación artística. Comediógrafo español de la generación del 98 y fecundo autor de sainetes y comedias, se le recuerda sobre todo como pintor de los ambientes populares de Madrid, cuyo chulesco y castizo lenguaje supo recrear de forma inimitable. 


Los peculiares personajes madrileños de su teatro son interpretados siempre hablando de una forma característica muy redicha y con la sílaba recortada, pese a que la intención del autor era caricaturizar ese madrileñismo de baja estofa que tan bien supo destilar.


Sin embargo La señorita de Trevélez va más allá y se integra dentro de un género nuevo creado por el autor y al que denominó  ‘tragedia grotesca’, donde expresaba sus inquietudes sociales y regeneracionistas: en palabras del mismo autor, aspiraba «a estimular las condiciones generosas del pueblo y hacerles odiosos los malos instintos, nada más».  


La señorita de Trevélez se estrenó el 14 de diciembre de 1916 en el Teatro Lara de Madrid. Se sitúa la acción en una capital de provincia de la España de principios del siglo XX, donde dos hombres, Numeriano Galán y Pablo Picavea, compiten por seducir a Solita, criada de casa de los Trevélez. Picavea, que es socio del Guasa Club, pide ayuda a Tito Guiloya para quitarse de en medio a su rival. Tito decide gastar una broma de mal gusto a Numeriano y remite con firma de este una carta de amor a la señorita Florita Trevélez, una mujer madura, poco atractiva e ingenua y que nunca captó la atención de hombre alguno.


Ante la ilusión de Florita se suceden una serie de hechos que van complicando el enredo. La farsa llega al límite cuando Numeriano y Picavea planean un duelo por el amor de su dama. Seguidamente será Gonzalo quien rete a Picavea, el cual llega finalmente a ser consciente del daño que está provocando y confiesa la verdad a Gonzalo, quien termina lamentando las injusticias de la vida.


En palabras de Ignacio García May, autor de la versión que se estrena el 16 de febrero en el Teatro Fernán Gómez, “El tema casi único de esta escuela, o de este estilo, o este género o subgénero, llámenlo ustedes como prefieran, es la propia España; o más bien la turbación ante el hecho de que pudiendo ser éste el mejor país del mundo se comporta a menudo, por molicie intelectual y pereza moral, como el más mezquino.”


La dirección de la obra corre a cargo de Juan Carlos Pérez de la Fuente, director a su vez del Teatro Fernán Gómez, quien tuvo claro desde el momento de su nombramiento para el cargo que: “La señorita de Trevélez de Carlos Arniches, considerada su obra maestra, es la obra elegida para iniciar esta nueva etapa al frente del Teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa. Creo que es misión de un teatro público revisar a nuestros autores fundamentales, solo así conseguiremos que el público y sobre todo las nuevas generaciones conozcan y disfruten de nuestro repertorio teatral.”


Y para llevar a cabo esta hazaña, Pérez de la Fuente se ha rodeado de un gran equipo, en el que para empezar, el elenco está formado por :

Daniel Albaladejo - Don Gonzalo de Trevélez (+ Don Gonzalo de Ulloa)

Marta Arteta - Conchita (+ La espectadora de al lado)

Críspulo Cabezas - Tito Guiloya (+ Don Luis)

Daniel Diges - Numeriano Galán (+ Don Juan)

Óscar Hernández - Peña

José Ramón Iglesias - Don Marcelino

Edgar López - Lacasa (+ voz de Ciutti)

Noelia Marló - Soledad 

Silvia de Pé - Flora de Trevélez

Julia Piera - Maruja (+ Una espectadora) 

Rodrigo Sáenz de Heredia - Señor Menéndez 

Natán Segado - Manchón

Juan de Vera - Torrija (+ Regidor)


Y además el equipo técnico está formado por :

Diseño de escenografía: Ana Garay

Diseño de vestuario y figurines: Almudena Rodríguez Huertas

Diseño de iluminación: José Manuel Guerra

Espacio sonoro: Ignacio García

Movimiento escénico: Guillermo Weickert

Maestro de esgrima: Jesús Esperanza

Ayte. de dirección: José Luis Sixto

Ayte. de escenografía: Isi Ponce

Ayte. de vestuario: Pablo Alcándara

Diseño y Realización de maquillaje: Elvira García para LKM

Maestro de billar: José María García Luna

Tocados: Mélida Molina ( Vanvará)

La obra podrá verse en la Sala Guirau desde 16 de febrero al 20 de abril de 2025 y se realizarán encuentros con el público (con el elenco artístico): 27 de febrero, 27 de marzo y 10 de abril (al terminar la función).

Fotografías © Conchita Meléndez

martes, 11 de febrero de 2025

CAMINO AL ZOO LLEGA AL TEATRO BELLAS ARTES TRAS SU EXITOSA GIRA

 


Originalmente titulada Peter & Jerry, At Home at the Zoo (Camino al zoo) combina la clásica obra corta de Edward Albee The Zoo Story (1959) con su precuela, Homelife (2004).

Juntas, estas obras cortas forman una historia completa de Peter, un ejecutivo editorial; de Ana, su esposa; y de Jerry, un extraño que Peter conoce en el parque.




La obra comienza con Homelife y ofrece una mirada reveladora al inestable matrimonio de Peter y Ann, sus brutales intentos de comunicarse y la soledad dentro de su vida compartida. La tensión aumenta en el siguiente acto, The Zoo Story. Mientras lee en un banco de Central Park, un extraño se acerca a Peter y declara que ha "estado en el zoológico". El hombre, Jerry, comienza a contar una historia tras otra, profundizando en la vida de Peter e intentando usurpar, sin duda, su propio lugar en ese banco, en ese parque.


La obra está dirigida por Juan Carlos Rubio, que es también autor de la adaptación junto a Bernabé Rico, y está interpretada por Fernando Tejero (Peter), Ana Labordeta (Ana) y Dani Muriel (Jerry)



Una producción de: TALYCUAL, PENTACIÓN, LÁZARO Y LA ALEGRÍA y podrá verse en el Teatro Bellas Artes a partir del 12 de febrero. 

Edward Albee es, sin duda, una de las voces fundamentales no solo de la escena norteamericana, sino del teatro mundial. Poseedor de una enorme habilidad par transitar por temas delicados y punzantes, entre sus textos más conocidos podemos nombrar ¿Quién teme a Virginia Woolf?, que alcanzó enorme popularidad gracias a su adaptación al cine; Un frágil equilibrio; El sueño americano; Tres mujeres altas; Seascape o La cabra. Recibió tres veces el premio Pulitzer de teatro así como los máximos galardones de la dramaturgia internacional.

Fotografías © Conchita Meléndez