EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ ESTRENA UNA DE LAS OBRAS MÁS ACLAMADAS DE ARTHUR MILLER, PANORAMA DESDE EL PUENTE

Estrenada en 1955, Panorama desde el puente es una de las obras más representadas y aclamadas de Arthur Miller, un retrato demoledor de los conflictos humanos y sociales en el Nueva York de posguerra. Y a pesar de los años transcurridos podría decirse que la obra es de absoluta actualidad y que los problemas a los que se enfrentan los inmigrantes hoy en día en el país en el que se desarrollan los hechos no son muy diferentes de los que nos cuenta el autor. 

Esta célebre obra teatral transcurre en los años cincuenta del pasado siglo, en los suburbios portuarios de Nueva York. En ese decorado —dominado por la imponente presencia del puente de Brooklyn— aborda Miller el drama de los inmigrantes ilegales, sobre cuya existencia precaria y clandestina se cierne la amenaza de los funcionarios de Inmigración y la posible expulsión del país. Tal es el caso de Marco y Rodolfo, dos jóvenes hermanos sicilianos, huidos de la miseria de su tierra natal, que se refugian en la humilde casa del estibador Eddie Carbone. Éste, un ser impulsivo, de instintos tan bienintencionados como primarios, vive con su esposa Beatrice, prima de los recién llegados,  y una sobrina, Catherine, una muchacha a la que Eddie quiere proteger obsesivamente del hostil mundo exterior. Entre Catherine y Rodolfo no tarda en surgir una mutua atracción, pero los celos y las sospechas comienzan a atormentar a Eddie cuyos sentimientos hacia Catherine se van haciendo más evidentes, aunque sea incapaz de reconocerlo y que le impulsan a tomar un camino sin retorno.

La versión que presenta Secuencia 3, de la mano de Eduardo Galán y con dirección de  Javier Molina, actual codirector artístico del Actors Studio de Nueva York,  busca conservar la potencia del texto original mientras lo reviste de una mirada actual y universal. Panorama desde el puente cuenta con un elenco encabezado por José Luis García Pérez, María Adánez y Ana Garcés, acompañados por Pablo Béjar, Rodrigo Poisón, Francesc Galcerán, Manuel de Andrés y Pedro Orenes. 

Esta producción se caracteriza por un marcado sello internacional gracias no solo a la dirección de Javier Molina, sino también al diseño de vestuario de Emilio Sosa, uno de los creadores de Broadway, responsable de vestuarios de grandes musicales y producciones internacionales. La firma Navascués colabora como diseñador adjunto y se ha encargado de la confección del vestuario cuyo diseño es de Emilio Sosa.  

Elisa Sanz, Premio Nacional de Teatro, firma la escenografía; Las luces de Nicolás Fischtel juegan también un papel fundamental en la construcción del clima emocional de la obra. 

La obra se podrá ver en la Sala Guirau del Teatro Fernán Gómez desde el 16 de abril hasta el 17 de mayo.

Fotografías © Conchita Meléndez

LLEGA ‘EL OTRO LADO DE LA CAMA’, UN DIVERTIDO MUSICAL, AL NUEVO TEATRO ALCALÁ

 EL OTRO LADO DE LA CAMA es una loca comedia de enredos, mentiras, amor y mucho humor. Fue un gran fenómeno del cine español de comienzo de los 2.000, tuvo seis nominaciones a los premios Goya y su impacto fue tal que dio lugar a una secuela y consolidó a toda una generación de intérpretes.

Hoy, su salto al escenario reafirma la vigencia de una historia que sigue interpelando al espectador. Porque en EL OTRO LADO DE LA CAMA no solo se habla de amor: se canta el amor, se ríe del amor y se expone su fragilidad con una mezcla irresistible de humor y música que seguro que te va a apetecer cantar porque seguro que te sabes todas las canciones. 

Interpretada por Ariana Burguera, Ana Villar, Nuria Herrero, María Petri, Mónica Macfer, Adrià Olay, Agustín Otón y Ricky Mata y dirigida por David Serrano, esta versión de Borja Rabanal cuenta la historia de dos parejas que andan un poco revueltas. 

Natalia y Guillermo  son novios desde hace muchos años. Paz y Ernesto también son novios y se van a comprar un piso, o eso cree Paz. Los cuatro son amigos inseparables, al menos hasta ahora. Natalia  le dice a Guillermo que se ha enamorado de otro chico, pero no le dice que ese chico es Ernesto, su mejor amigo. La situación de Ernesto tampoco es fácil: por un lado Natalia le pide que deje a Paz y, por otro, tiene que intentar que Guillermo no sepa que es él quien está con Natalia. Guillermo está desesperado y contrata a un detective para averiguar con quien le engaña Natalia, así que Ernesto intenta que olvide a Natalia y le presenta a una compañera de trabajo algo especial, pero la cosa no funciona y cada vez está todo más liado. Además todos tienen un amigo macho alfa que da muchos consejos, ¿Serán capaces de desenredar la madeja?

La escenografía, absolutamente funcional para una sala tan reducida es obra de Pizarro Estudio, la iluminación y el sonido de Néstor González y el vestuario de Anna Coma. Las versiones, arreglos y dirección musical de esa nostálgica banda sonora que acompaña la acción y que te hará recordar algunos momentos de tu vida, son de Ernest Fuster.

Fotografías ©Conchita Meléndez

LA OBRA DE RODOLF SIRERA, EL VENENO DEL TEATRO, SE ESTRENA EN CASTELLANO POR PRIMERA VEZ.

 

El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge, del 9 de abril al 3 de mayo, la obra El veneno del teatro, de Rodolf Sirera, con dirección y adaptación de Robert Torres. José María Rodríguez Méndez ha realizado la versión en castellano para su estreno en Madrid, versión que se podrá ver en la Sala Jardiel Poncela del teatro.

Silvia Maya y Marta Sangú forman el elenco de El veneno del teatro, una obra que nos lleva a París donde una marquesa de aficiones extravagantes invita a Gabrielle de Beaumont, una actriz de moda, a visitarla en su palacio. Allí recibirá el encargo de interpretar una pieza teatral sobre la muerte de Sócrates, escrita por la propia marquesa, lo que desencadenará una serie de extrañas situaciones y reflexiones sobre la naturaleza del arte y la actuación. La actriz comprobará pronto que todo es una trampa para someterla a un experimento mortal: la autenticidad de la verdad.  

El montaje profundiza en el lado oscuro del ser humano, ese que nos habla y nos hace creer que nuestro punto de vista es el correcto y que nos facilita una coartada, ya sea artística o moral. El personaje de la marquesa se presenta como un ser obsesionado por la autenticidad en la interpretación, hasta el punto de llegar a la psicopatía. La obra original se enmarca en el racionalismo ilustrado del siglo XVIII pero la propuesta que llega al Fernán Gómez se sitúa en un futuro cercano en profunda transformación, marcado por la incertidumbre y la revolución tecnológica. 

También en la nueva adaptación se ha optado por un elenco femenino mientras que en la primera versión en castellano estrenada en 1983 en el Teatro María Guerrero, fueron José María Rodero y Manuel Galiana quienes la interpretaron. La dirección corrió a cargo de Emilio Hernández y su puesta en escena se convirtió en un hito del teatro español.

La obra mantiene al espectador en tensión, explorando los límites entre la realidad y la ficción, el poder y la actuación a través de un duelo dialéctico y dramático entre los dos personajes.

EL TEATRO ESPAÑOL ESTRENA ‘TRAS EL ENSAYO’ DE INGMAR BERGMAN

 En un escenario vacío tras un ensayo teatral, Henrik Vogler, un viejo director de teatro se  sumerge en sus recuerdos hasta que es interrumpido por la entrada de Anna, una joven actriz con la que está trabajando.  La irrupción del recuerdo de Rachel, una actriz  neurótica y alcohólica que ha sido su amante y que casualmente es la madre de Anna desencadena un tenso y revelador triángulo emocional. A través de un diálogo denso y afilado, Bergman desvela las contradicciones del artista: su necesidad de control, su vulnerabilidad y su eterna lucha entre el compromiso con el arte y con los afectos reales. Con una estructura casi confesional y una atmósfera cargada de introspección, Tras el ensayo es una meditación sobre el tiempo, la herencia emocional y la complejidad de las relaciones humanas bajo el prisma implacable del teatro.

Esta obra con versión y dirección de Ernesto Caballero, es probablemente una de las más íntimas de Ingmar Bergman, donde el personaje principal Henrik Vogler, se puede ver como un trasunto del propio autor. En ella Bergman se confiesa para enfrentarse a los fantasmas del arte, el tiempo y la memoria. 

Interpretada por Emilio Tomé, Lucía Quintana y Elisa Hipólito, Ernesto Caballero ha optado por una escenografía casi desnuda que es obra de Víctor Longás, al igual que la iluminación. Apenas un sofá, una maqueta de la obra al fondo, al igual que un escritorio, algunas sillas y un tronco de árbol en el suelo, que tal vez simbolice las raíces de Vogler, o tal vez las de Bergman. Los actores se mueven libremente por ese espacio entre ficción y realidad dejándonos la inquietante sospecha de que el ensayo no era sino la verdadera función.

La obra estará en escena en la Sala Margarita Xirgu del 4 de abril al 17 de mayo y habrá función accesible el 24 de abril. 

Fotografías ©Conchita Meléndez

OLVIDADAS, UN HOMENAJE DE MERCEDES DE CÓRDOBA A LAS SINSOMBRERO

 Las Sinsombrero fueron un grupo de mujeres artistas e intelectuales españolas de la Generación del 27, incluyendo a Maruja Mallo, María Zambrano, Concha Méndez, Victoria Durán, entre otras,  que fueron silenciadas por la historia. El término fu acuñado en un documental de TVE realizado en el año 2015 y hace alusión a un hecho acaecido en Madrid en los años 20 del pasado siglo. Margarita Manso, Maruja Mallo, Federico García Lorca y Salvador Dalí, pasearon por la Puerta del Sol quitándose el sombrero en público. Esta actitud transgresora pretendía romper la norma y, metafóricamente, en ausencia de la pieza que tapa la cabeza, liberar las ideas y las inquietudes. La jugada pudo costarles cara ya que fueron apedreados y recibieron todo tipo de insultos. 

Ahora, 100 años después, la bailaora Mercedes de Córdoba rinde un homenaje a estas mujeres con su espectáculo flamenco Olvidadas en Centro Danza Matadero, que podrá disfrutarse esta tarde y mañana sábado. 

Esta propuesta, galardonada con el Premio Lorca 2025 a mejor espectáculo español/flamenco, parte de un encuentro imaginario con la esencia de las mujeres intelectuales, artistas y pensadoras que formaron parte de Las Sinsombrero.

La propuesta de Mercedes de Córdoba fusiona sus propias vivencias artísticas con la memoria colectiva de estas figuras, rescatando su legado del olvido. El espectáculo utiliza un lenguaje visual y corporal cargado de metáforas, símbolos y una ironía poderosa que invita al público a reflexionar sobre la represión, el silencio, la falta de respuestas y la lucha por ser recordadas.

Considerada una de las figuras más prominentes del flamenco contemporáneo actual, Mercedes de Córdoba ha construido una sólida trayectoria tanto en España como en escenarios internacionales. Destaca por su versatilidad, intensidad expresiva y capacidad para conectar profundamente con el público. Su trabajo ha sido reconocido por la crítica y ha colaborado con numerosas figuras de la escena jonda.