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viernes, 15 de mayo de 2026

LA VENGADORA DE LAS MUJERES, UN VOTO A FAVOR DEL FEMINISMO O UNA TRAMPA ENGAÑOSA

 


La compañía Teatro del Temple, que lleva 30 años en activo y ha producido más de medio centenar de espectáculos, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico, pone broche final a la temporada de este último con una comedia del Fénix de los ingenios poco representada y bastante desconocida. Se trata de ‘La vengadora de las mujeres’, una obra de madurez del autor editada en vida del mismo y que no ha tenido hasta el momento la repercusión y relevancia que merecen dentro de la gran producción dramática de Lope de Vega.




Laura, princesa de Bohemia, mujer de fuerte personalidad y muchos estudios  menosprecia a los hombres y ha creado una escuela feminista para empoderar a las mujeres. Su hermano no puede casarse hasta que ella lo haga, pero Laura rechaza uno tras otros a los diferentes pretendientes y trata de demostrar que puede ser tan buena como cualquier hombre no solo en inteligencia sino también en las armas. Sin embargo  al final y a pesar de su discurso, en la obra  el amor vence al deseo de venganza, eso sí no será sin antes reclamar un mayor valor para las mujeres denunciando el trato injusto con que los hombres las han relegado. 



La adaptación de Alfonso Plou y María López Insausti acerca la trama a una época más actual, en los inicios del movimiento feminista, en un temprano siglo XIX. A ello colabora una escenografía diseñada por Oscar Sanmartín y Carlos Martín, que evoca por momentos una escuela, una galería de arte o un gimnasio donde practicar la esgrima, donde un juego de cambios de un cuadro en la parte central permite delimitar los espacios sin necesidad de grandes cambios en el escenario. 



El vestuario diseñado por Agustín Petronio, es también una forma de diferenciar no solo el ánimo de los personajes sino también sus pretensiones. Los recatados colores del entorno de Laura se contraponen con los coloridos trajes de los pretendientes, que como pavos reales lucen a cual más relucientes para el arte del cortejo. 




Carlos Martín ha dirigido la obra con un ritmo rápido y una coreografía precisa en la que cada uno de los personajes se mueve con soltura mientras declaman los agudos versos de Lope. Silvia de Pé es la princesa Laura, y Lorena Berdún e Itziar Miranda sus damas y pupilas. Secun de la Rosa es el criado y confidente de Laura y Gabriel Moreno es el príncipe Arnaldo, su hermano. Los pretendientes a la mano de la princesa están interpretados por José Vicente Moirón, Nacho Rubio y Chavi Bruna. Xavi Caudevilla es el criado de Lisardo. 



La obra podrá verse en el Teatro de la Comedia entre el 14 y el 31 de mayo. 





miércoles, 11 de marzo de 2026

LA JOVEN COMPAÑÍA NACIONAL DEL TEATRO CLÁSICO ESTRENA ‘EL ESCONDIDO Y LA TAPADA’ DE PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA


Ayer se presentó en el Teatro de la Comedia, El Escondido y la Tapada de Pedro Calderón de la Barca, que al parecer no se había representado nunca antes en el recinto de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, así que supone un estreno absoluto. Y también se estrena con esta obra la nueva promoción de actores de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, concretamente la séptima. 

La séptima promoción nace en septiembre de 2025, tras un largo y competitivo proceso de selección entre los meses de febrero a junio, al que se presentaron 900 aspirantes entre los 18 y los 30 años. Habiendo superado las múltiples fases del proceso, seis actores y seis actrices fueron escogidos para conformar el nuevo elenco de la JCNTC: Samuel Arribas, Jordan Blasco, Gabriel de Mulder, Luis Espacio, Laura Ferrer, Zoe Fuentes, Diego Garisa, Belén Landaluce, Andrea Martínez, Julio Montañana, Anna Nácher y Andrea Real.


La obra ha sido adaptada por Carolina África y dirigida por Beatriz Argüello y podrá verse en la Sala Principal del 12 de marzo al 26 de abril de 2026. La comedia, heredera de La dama duende entre otras, transcurre en el interior de una casa; una casa que será la metáfora de ese Madrid del siglo XVII de calles estrechas, oscuras y llenas de recovecos.

La acción comienza cuando César llega a Madrid acompañado de Mosquito, su criado. Ambos huyen de la justicia tras haber matado a un hombre. César ha viajado a la ciudad porque ha recibido una carta de Celia —una de las dos damas a las que corteja— en la que le propone que se refugie en su casa para esconderlo y poder así continuar en secreto su relación amorosa. Sin embargo, los planes se complican con la llegada a Madrid de Félix, hermano de Celia. A partir de ese momento, se desencadena una serie de enredos y acontecimientos que obligan a Celia y a su hermano a abandonar la casa, dejando encerrados en ella a César y a Mosquito.


Según Carolina África “El escondido y la tapada me parece una elección idónea para el debut de la Joven Compañía porque, en sus manos, esta comedia de enredo adquiere una energía particularmente fresca que funciona como un mecanismo de relojería.” Carolina ha intentado agilizar los diálogos y subrayar el carácter lúdico, permitiéndose ciertos guiños cómicos que dialogan con nuestro presente. 

Por su parte Beatriz Argüello encantada con la propuesta de Laila Ripoll, directora del teatro, para llevar a cabo la dirección de la joven compañía, define la obra como “una comedia urbana, joven, divertida, de misterio que no desmerece a otras comedias de Calderón, en la que el público va a ver algo nuevo y al mismo tiempo muy reconocible de nuestro teatro barroco”. 

Fotografías ©Conchita Meléndez




martes, 24 de febrero de 2026

EL REY DE LA FARÁNDULA, EL CABARET BARROCO DE ÁNGEL RUIZ

 


Al fin he podido ver esa espléndida puesta en escena que nos ha regalado Ángel Ruiz, una fábula escrita y dirigida por él y que interpreta junto a Bru Ferri. Ambos están de 10 sobre 10 y todavía me quedo con ganas de regalarles números. 

El Rey de la Farándula nos sumerge en el esplendor y declive del Siglo de Oro mediante un personaje que fusiona teatro, música y comedia. Inspirado en una figura enigmática (real o no) — bufón, espía y cantante, mitad actor, mitad confidente de Felipe IV, tal vez su amante—, la obra entrelaza ficción y realidad, mostrando a un monarca que, pese a las guerras y la decadencia imperial, halló refugio en la escena teatral. Le interesaba poco la política y estaba obsesionado por la belleza y el sexo. 

Segismunda, nombre dado al personaje, se define como Actor de comedias, cantante de jácaras y chaconas y bufón de corralas y con una estética andrógina y barroca, recitará poemas de Quevedo y pasajes de Lope y Calderón, creando un espectáculo versátil, lleno de gracia, donde el pasado y el presente se entrelazan sin barreras temporales. Así nos irá conduciendo a través de la historia, de una historia que seguramente no encontraremos en los libros de texto. 

Con una propuesta escénica que fusiona lo histórico y lo contemporáneo, la obra mezcla textos del Siglo de Oro con canciones de compositores como Monteverdi, José Marín y Juan Hidalgo. Aquí debemos de hablar del maravilloso trabajo de Bru Ferri, capaz de regalarnos su destreza como músico pero también con el dominio de una voz prodigiosa y con una interpretación que sin apenas palabras es capaz de decir muchas cosas. 

He visto actuar muchas veces a Ángel Ruiz y siempre me maravilla la facilidad que tiene para pasar de unos personajes a otros, del drama a la comedia, del dolor a la risa, de la interpretación a la dirección y sobre todo me maravilla el que lo haga todo bien. Sin duda El Rey de la Farándula es una auténtica delicia. 

La obra que es una producción de LAZONA, estará aún en cartel en la Sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia hasta el 1 de marzo, y tiene todas las entradas vendidas. 

Las fotografías son de ©Javier Naval



domingo, 7 de abril de 2024

EL MONSTRUO DE LOS JARDINES: LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO REVIVE UNA JOYA MITOLÓGICA DE CALDERÓN DE LA BARCA

 


Desde tiempos inmemoriales, el teatro ha sido un escenario para explorar los aspectos más profundos y efervescentes de la condición humana. En este vasto panorama de la dramaturgia, el Siglo de Oro español resplandece como una época dorada de la creación teatral, y entre sus luminarias destaca la figura imponente de Pedro Calderón de la Barca. En el vasto repertorio del dramaturgo se encuentra una joya poco conocida pero ahora recuperada por la Compañía Nacional de Teatro Clásico: "El monstruo de los jardines".

Este estreno absoluto, que ha sido puesto en escena en el Teatro de la Comedia de Madrid desde el pasado 5 de abril, es una obra que destila la esencia misma del teatro calderoniano: una combinación exquisita de mitología, intriga, humor y poesía. Dirigida y versionada por Iñaki Rikarte, quien ya ha dejado huella en la escena española con sus trabajos previos, este montaje es un festín para los sentidos y la inteligencia.

El elenco, conformado por jóvenes talentos provenientes de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, demuestra un gran dominio escénico. El elenco está formado por: Íñigo Arricibita, Xabi Caudevilla, Cristina García, Ania Hernández, Nora Hernández, Antonio Hernández Fimia, Pascual Laborda, Cristina Martín Miró, Felipe Muñoz, Miriam Queba, María Rasco y Marc Servera, que dotan de vida y frescura a los personajes de esta comedia mitológica. Es la culminación de un proceso de formación y crecimiento artístico que se inició con la exitosa gira de "La discreta enamorada", dirigida por Lluís Homar, y que ahora alcanza nuevas cumbres con "El monstruo de los jardines".

La trama de la obra nos sumerge en el contexto de la guerra de Troya, un escenario cargado de heroísmo y traiciones. El oráculo de Marte dictamina que sin la participación de Aquiles, los griegos no alcanzarán la victoria. Pero la madre del héroe, la diosa Tetis, decide ocultarlo disfrazado de mujer en el palacio del rey de Egnido para protegerlo de un destino fatal. Esta premisa da lugar a un enredo de proporciones épicas, donde la astucia de Ulises se enfrenta al ingenio de Tetis en una batalla de voluntades que desemboca en situaciones hilarantes y emotivas.

Lo que hace que "El monstruo de los jardines" sea una obra tan excepcional es su capacidad para conjugar la grandiosidad del mito con la cotidianidad del drama humano. Calderón nos presenta a dioses y héroes, pero también a seres vulnerables y apasionados que luchan por sus deseos y convicciones. La riqueza de los versos calderonianos, su musicalidad y su profundidad filosófica se entrelazan en cada escena, invitando al espectador a reflexionar sobre el sentido de la existencia y el poder transformador del amor y la libertad.

En palabras del propio director, "El monstruo de los jardines" es un tesoro por descubrir que revela la grandeza y la diversidad del Siglo de Oro español. Es una obra que sorprende por su vigencia y su relevancia en el contexto contemporáneo, donde los conflictos bélicos y las luchas por la identidad siguen resonando con fuerza. Pero también es un homenaje al poder del teatro como espacio de encuentro y celebración de la vida en todas sus facetas.

Sobre los elementos escénicos, el director afirma que «La obra sucede en los prolegómenos de la guerra de Troya, pero nos parecía que llevarlo históricamente a ese tiempo remoto colocaba la idea de la guerra en un plano romántico, rebajando su crudeza. Por este motivo, tratando de llevar la función a un lugar más concreto y reconocible por el espectador, hemos trabajado con la década de los 50 y 60 como punto de partida para la utilería, el vestuario y la música, aunque no hemos permitido que esta elección nos limite, pues la propia obra original y en general las del Siglo de Oro, muestran un gran eclecticismo».   También siguiendo esta línea se han intentado incorporar o recoger los antiguos elementos de tramoya traídos por escenógrafos italianos a la corte en el siglo XVII, por medio del trabajo de Mónica Boromello, heredera del trabajo de aquellos escenógrafos y que ha construido una escenografía móvil que tiene mucho que ver con la rueda de la Fortuna, la rueda de la vida, ya que en esencia la obra es una lucha contra el destino.  

© C. Meléndez

El monstruo de los jardines es una producción de la CNTC que estará en cartel en el Teatro de la Comedia hasta el 26 de mayo.  

Fotos de escena : © Sergio Parra





jueves, 15 de febrero de 2024

LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO ESTRENA LA FORTALEZA, ESCRITA Y DIRIGIDA POR LUCÍA CARBALLAL

 


El jueves 15 de febrero, la CNTC estrena La Fortaleza, con texto y dirección de Lucía Carballal. Se trata de un  espectáculo que forma parte de los Diálogos contemporáneos, ciclo cuyo objetivo fundamental es poner en valor la capacidad de nuestros clásicos para influir en la creación contemporánea, y a su vez poder brindar la posibilidad de que autores de la actualidad  iluminen los aspectos menos conocidos de estas grandes obras. Se trata de piezas originales que dialogan desde la contemporaneidad con nuestro legado clásico, en este caso con El castillo de Lindabridis, de Calderón de la Barca, obra dirigida por Ana Zamora y actualmente representándose en la sala principal del Teatro de la Comedia.


La fortaleza gira en torno a la herencia: todo aquello -material o inmaterial- que recibimos de nuestros padres, también el patrimonio cultural que, como sociedad, heredamos de las generaciones que nos precedieron. ¿Qué hacer con todo ese pasado? ¿Qué nos mueve a preservarlo? ¿Podemos confesar que, a veces, no sabemos qué hacer con él? ¿Cuánto debemos dejar atrás para poder avanzar? Quizá cada persona, cada época, se define por el lugar que le otorga a sus ruinas.


Si bien el motor de la obra de Calderón es el afán de una princesa por heredar el reino paterno, La fortaleza aborda el anhelo de una hija por ocupar un lugar en la vida de su padre, arquitecto de éxito ya desaparecido con el que convivió poco  y al que ya solo puede acceder a través de los edificios que construyó.

Poniendo el foco en la figura del padre, la autora y directora Lucía Carballal establece un nexo entre su propia biografía y El castillo de Lindabridis. «Nunca pensé que mi padre, su ausencia y su arquitectura me darían la llave para acceder a Calderón, o que Calderón me daría la llave para acceder a mi padre al que no pude conocer demasiado», añade Lucía Carballal.


La obra está narrada por tres actrices que ofrecen tres perspectivas, tres intentos de construir a un padre y al mismo tiempo escapar de él,  tres maneras de mirar al pasado desde la contemporaneidad, tres diferentes puntos de vista  que corresponden a diferentes etapas de la vida, porque con el transcurrir de los años cada vez que miramos al pasado lo hacemos de forma diferente.
 

Protagonizan la pieza las intérpretes Eva Rufo y Mamen Camacho y Natalia Huarte, actrices que han formado parte de la primera, segunda y tercera promoción de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. Actrices versadas en el arte de la prosodia del verso clásico al haber dado vida a muchos personajes del Siglo de Oro puesto que, entre las tres, suman más de una veintena de montajes producidos por la CNTC. 


El espacio escénico es muy conceptual, simula una sala de exposiciones de un museo de arte contemporáneo, con una escultura pendiendo del techo que representa una alegoría del castillo volador de Lindabridis, y relacionándola con los edificios  -fortalezas- que, como arquitecto, construyó el padre de la autora. Una escenografía  que nos habla del vínculo con el padre, de lo inalcanzable, de la relación entre lo terrenal y lo ideal.
 
La Fortaleza estará en cartel desde el 15 de febrero al 3 de marzo, en la Sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia.
 
Con el objetivo de llegar a todos los públicos, la CNTC ha organizado un encuentro con el público el miércoles 21 de febrero.

Fotos: ©Sergio Parra

martes, 30 de enero de 2024

EL CASTILLO DE LINDABRIDIS EN VERSIÓN DE ANA ZAMORA

 


Decía Sabina que las niñas ya no quieren ser princesas y algo de eso hay en esta comedia caballeresca escrita por Calderón e inspirada en el Espejo de príncipes y caballeros de Diego Ortúñez de Calahorra. El castillo de Lindabridis se editó por primera vez en 1691, aunque se había estrenado como fiesta cortesana en el Salón Real de Palacio, hacia 1661. Ahora de la mano de Ana Zamora se añade un nuevo nivel temporal a la obra de Calderón, el de la contemporaneidad. 


El castillo de Lindabridis nos lleva al delicioso mundo del teatro barroco, en su modalidad cortesana, con su fusión entre la realidad y lo imaginario, con elementos novelescos y caballerescos, y un lenguaje ante todo poético, con la expresividad hiperbólica barroca, considerada como parte esencial de la belleza del lenguaje y no como exceso amanerado o de adorno. 

Lindabridis, poseedora de un castillo que puede salvar las distancias volando por el aire, necesita encontrar un caballero capaz de derrotar a su hermano Meridián, lo que le permitiría casarse con ese vencedor y reinar por fin en Tartaria.


El viaje de Lindabridis, no es mera traslación en el espacio y en el tiempo, es pura evolución en la búsqueda de su propia identidad. Es también una reivindicación del derecho a soñar. Dicen los últimos pupari sicilianos que el viejo teatro caballeresco estuvo a punto de perderse con los cambios sociales del siglo XX, porque llegó un momento en que no fuimos capaces de regalar sueños, porque ya no nos queda corazón para escuchar leyendas junto a los otros. Ana Zamora de la mano de Calderón nos regala una nueva forma de transformar esta fiesta cortesana de época de Felipe IV en un espacio de encuentro teatral presente, en el que volver a soñar otros espacios de fantasía que nos permitan reconocernos fuera de las miserias cotidianas.


La obra que estará en cartel hasta el 10 de marzo en el Teatro de la Comedia,  está avalada por un gran equipo de profesionales. Miguel López y María Saturno son los encargado de poner música a esta pieza teatral y es que Calderón es el dramaturgo español que más relevancia otorga a la música en el teatro. Vicente Fuentes es el asesor de verso, Cecilia Molano y David Faraco  han sido quienes han creado la escenografía, la coreografía es de Javier García Ávila  y el vestuario de Deborah Macías. 

© Conchita Meléndez

En cuanto a los actores y actrices que intervienen en la obras son por orden alfabético:   Miguel Ángel Amor, Mikel Arostegui, Alfonso Barreno, Alba Fresno, Inés González, Paula Iwasaki, Alejandro Pau e Isabel Zamora. 


Fotografías de escena : © Sergio Parra  

 




viernes, 13 de octubre de 2023

JOSÉ LUIS GÓMEZ REGRESA A LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO CON EL ESTRENO ABSOLUTO DE VUELAN PALOMAS

 


El actor y director José Luis Gómez regresa a la Compañía Nacional de Teatro Clásico con la dirección de escena de Vuelan palomas. Arte de sermones para tiempos inciertos, el nuevo estreno de la CNTC, que vuelve a trabajar conjuntamente con el Teatro de La Abadía siete años después de Celestina (2016).  


Vuelan palomas pone sobre la palestra teatral un género desconocido por el gran público, como es el del sermón religioso, muy cultivado en el siglo XVI, pero de enorme vigencia en la actualidad. José Luis Gómez, responsable de la idea, coautoría y dirección, afirma que «me percaté de que los sermones no habían servido únicamente para el desarrollo de la lengua, sino también para perseguir judíos, protestantes, alumbrados, alumbradas y musulmanes».   El director fundador del Teatro de La Abadía asegura que Vuelan palomas «es una historia apasionante que tiene que ver con nuestro país, con nuestra lengua y con nuestra evolución histórica».


El montaje tiene como tema central homenajear a la palabra y al poder de la misma como arma de condena y liberación, ofreciendo un arte de sermones para tiempos inciertos. Javier Huerta Calvo, coautor junto con José Luis Gómez, explica el género como un «conflicto que oponía la fe católica a otras confesiones, o a quienes se desviaban de su ortodoxia».


Los intérpretes Clemente García, Alberto Granados, Roberto Mori, Lidia Otón y Marcos Toro encarnan a diversos predicadores y religiosas del siglo XVI llevando sus palabras desde el pasado áureo de la inquisición y coacción religiosa hasta un pasado no tan lejano, como fue la guerra civil española y la inmediata posguerra con sus consecuencias terribles para los heterodoxos como fue el exilio encarnado en la filósofa María Zambrano.   


El público podrá ver sobre las tablas a predicadores como  Gerónimo Morales, Alonso de Cabrera o El Lunarejo, aunque también verá a religiosas como Teresa de Cartagena, primera escritora en lengua castellana, o a la poeta y dramaturga sor Juana Inés de la Cruz. Ellas trataron de hacerse escuchar no desde el ámbito público del púlpito, sino desde otra esfera más íntima.


La puesta en escena presenta una escenografía que homenajea los versos del Cantar de los Cantares: «¡Cómo brillan alegres / tus ojos de paloma!» firmada por Elisa Sanz, la iluminación de Raúl Alonso, el vestuario con matices clásicos y contemporáneos de Deborah Macías, la composición musical y espacio sonoro de Alberto Granados, el trabajo físico diseñado por la maestra cuerpo Mar Navarro o la videoescena de Jorge Vila.


Vuelan palomas. Arte de sermones para tiempos inciertos se representa, del 12 al 22 de octubre, en la Sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia. Posteriormente, el espectáculo se exhibirá, del 26 de octubre al 12 de noviembre, en el Teatro de La Abadía.      

Las fotografías de escenas son propiedad de © Sergio Parra. 
Foto de grupo Compañía: © Conchita Meléndez