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miércoles, 25 de diciembre de 2024

EL NIÑO ERIZO, UN CUENTO CON MORALEJA

 


El Teatro Español exhibe en la Salón de los Balcones – Andrea D’Odorico una obra de familiar que podrá verse del 20 de diciembre al 4 de enero. 

‘El niño erizo’ es una producción de la compañía cántabra La Machina Teatro.  Escrito por Diana I. Luque y dirigido por Rita Cofiño y Francisco Valcarce, nos cuenta una historia de las de antes y a la vez muy actual. Habla de aquellos que se saben diferentes, que no encajan en la sociedad a la que pertenecen y que acaban aislándose al no poder superarlo. 


Es la historia de Juan, el hijo de unos granjeros, mitad erizo, mitad niño. Su madre lo adora, pero el padre siente que son el hazmerreír de la aldea, pues además de “raro”, su hijo se comporta como un animal y es incapaz de aprender buenos modales. Juan crece sintiéndose diferente y siendo marginado en la escuela. Pasa la mayor parte del tiempo entre los animales de la granja de sus padres, tocando el clarinete y cantando. Un día decide partir de casa montado en su gallo y desaparecer entre los árboles del bosque. Pasados algunos años, el rey de un reino vecino se pierde en el bosque y busca ayuda en la madriguera en donde habita Juan. Éste no sólo le invita a comer y le entretiene con su clarinete, sino que le indica el camino hacia su casa. Sólo pide una cosa a cambio: que, pasados un año y un día, el rey le dé en agradecimiento al primero que lo reciba a su regreso. El rey accede pensando que será recibido por su perro. Sin embargo, su hija sale a su encuentro y, vencido el plazo, Juan se presenta para cobrar su recompensa. En uno de sus encuentros, la princesa ve a Juan despojarse de sus púas. Éste le confiesa que está hechizado y que ella puede romper el hechizo si no cuenta a nadie su secreto en tres días. ¿Será la princesa capaz de guardar el secreto? ¿Querrá Juan convertirse en humano o habrá aprendido a aceptarse a sí mismo? ¿Aprenderá la princesa a aceptar a Juan tal y como es?


La obra está representada por Patricia Cercas y Fernando Madrazo que entre los dos interpretan todos los papeles. La escenografía es de José Helguera y la iluminación de Víctor Lorenzo. El vestuario ha sido creado por Paula Roca y la música de Nacho Mastretta. 

Un buen entretenimiento para compartir con los más pequeños de la casa en estas fechas navideñas. 

Fotografías © Conchita Meléndez


domingo, 22 de diciembre de 2024

TESTIGO DE CARGO, UNO DE LOS RELATOS MÁS ICÓNICOS DE AGATHA CHRISTIE LLEGA AL FERNÁN GÓMEZ

 


‘Testigo de cargo’ es un relato corto de la reina del suspense que ella misma adaptó al teatro y que fue llevada a la pantalla por primera vez como una producción televisiva de 75 minutos por la BBC en 1949. Más tarde, en 1957, Billy Wilder dirigió una película sobre este drama judicial que seguramente permanece en la memoria de todos aquellos que han tenido la oportunidad de verla y que fue protagonizada por Tyrone Power, Marlene Dietrich, Charles Laughton y Elsa Lanchester. 


La película tuvo seis candidaturas a los Oscar: a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal (Charles Laughton, en una de sus últimas apariciones cinematográficas), a la mejor actriz de reparto (Elsa Lanchester), al mejor sonido y al mejor montaje.

Un hecho curioso y anecdótico fue que al final de la película, según pasan los créditos, una voz en ''off'' lanzaba el siguiente mensaje: “La dirección del teatro sugiere, para el entretenimiento de sus amigos, que, una vez vista la película, no se revele a nadie el inesperado final de Testigo de cargo.”

Yo tampoco voy a revelaros dicho final. La adaptación que ahora llega al escenario de la Sala Guirau del Teatro Fernán Gómez ha sido dirigida por Fernando Bernués, sobre la versión de Roberto Santiago. No es fácil transcribir las obras de Agatha Christie al teatro. En el cine se pueden utilizar una serie de recursos que es imposible llevar a cabo en este otro medio así que en palabras de Roberto Santiago: ‘El sueño de adaptar a Christie en estos tiempos es doble. Hacerlo con fidelidad absoluta a la esencia de su legado y su escritura magistral. Y, al mismo tiempo, conseguir una propuesta conectada con nuestra sensibilidad como espectadores de hoy en día.’


Y para ayudarles en su empeño tanto Roberto Santiago como Fernando Bernués han contado con Fernando Guillén Cuervo, que interpreta al abogado defensor, Sir Wilfrid Roberts, ya mayor y con problemas de salud, pero que no ha perdido un juicio en su vida y no está dispuesto a perder éste. Bruno Ciordia en el papel del acusado Leonard Vole, Isabelle Stoffel como la esposa alemana de Vole, María Zabala como el procurador de Sir Wilfrid Roberts y Adolfo Fernández, Markos Marín, Borja Maestre y Nerea Mazo  que interpretan varios papeles.


El argumento de la obra gira en torno a Vole, quien es acusado de asesinar a Mrs. Emily French (Norma Varden), una anciana viuda que se había enamorado de Vole, hasta tal punto de haberle hecho el principal beneficiario de su herencia. Consistentes pruebas apuntan a Vole como el asesino del caso. Sir Wilfrid Roberts, un reputado abogado criminalista, acepta llevar a cabo su defensa a pesar de que todo parece estar en contra de Vole, o quizás precisamente por eso. Cuando Sir Wilfrid habla con la esposa alemana de Vole, Christine, el abogado descubre que, aunque de una manera muy fría y ensimismada, Christine puede proveer de una coartada a su defendido. Sin embargo, considera que ésta sería poco útil para la defensa de Vole por venir de su propia esposa, quien, por otro lado, no puede testificar en contra de su marido según las leyes inglesas. Es por ello que Sir Wilfrid queda enormemente sorprendido cuando Christine es llamada como testigo de la acusación en el juicio. Y hasta aquí puedo contar. Si quieres saber más tendrás que ir al teatro. 

La obra estará en cartel hasta el 26 de enero de 2025 y habrá un encuentro con el público el 16 de enero al terminar la función. 

Fotografías © Conchita Meléndez

viernes, 20 de diciembre de 2024

VIENTO FUERTE, UNA DE LAS OBRAS MÁS IMPORTANTES DEL PREMIO NOBEL JON FOSSE SE ESTRENA EN EL TEATRO ESPAÑOL

 


El Teatro Español acaba de estrenar la obra Viento fuerte, escrita por el reciente Premio Nobel de Literatura Jon Fosse y que estará en cartel hasta el 2 de febrero de 2025 en la Sala Margarita Xirgu. Esta producción, traducida por Cristina Gómez Baggethun y dirigida por José María Esbec, llevará a escena un poema dramático cargado de simbolismo que explora temas universales como el tiempo, el amor, los celos y la muerte. 

Con un elenco formado por Felipe García Vélez, Zaida Alonso y Alberto Amarilla, la obra transcurre en un apartamento del piso 14º de un bloque donde las emociones y los enigmas planteados por los personajes invitan al espectador a reflexionar sobre la fragilidad humana. La pieza, definida como un ‘artefacto poético’ por el propio autor, se caracteriza por su lenguaje sutil y enigmático que sumerge al espectador en un universo onírico donde las fuerzas ocultas del amor, la muerte y el tiempo se entrelazan. Según el director José María Esbec, el texto de Fosse "pone de manifiesto nuestra fragilidad contemporánea, construyendo un mundo a través de la mirada del protagonista". 


La puesta en escena de Viento fuerte cuenta con un equipo artístico que aporta una visión única al universo de Fosse. La escenografía, a cargo de Petros Lappas, crea atmósferas evocadoras, mientras que la iluminación de Tomás Ezquerra realza los matices emocionales de la obra. La música original de Alberto Granados y la videoescena de Jessica Burgos añaden profundidad sensorial, complementadas por el diseño de vestuario y la ayudantía de dirección de Fernando Mercè, que enriquecen la identidad visual del montaje.


El teatro de Jon Fosse se lee como una obra narrativa o su obra narrativa se lee como teatro. Los dos géneros se difuminan en la escritura del nobel. “Viento Fuerte” gira alrededor de un extraño triángulo amoroso. El tiempo y el espacio se desintegran. En un apartamento del decimocuarto piso, el viento sopla y la ventana cae lentamente al vacío. Un hombre, ‘El hombre’, regresa a su hogar, que ya no es su hogar, porque su mujer, ‘La mujer’,  se ha mudado allí cuando él no estaba, cuando se había ido no se sabe a dónde, ni por cuanto tiempo. En el apartamento hay un ‘joven’ que mantiene una relación con ella. Éste le propone que se quede, que vivan los tres juntos, creándose así una situación delicada en la que nada es lo que parece. La obra en sí es un poema sobre el amor y la soledad. “Viento fuerte” nos lleva a presencias más allá de la realidad.


Escrita en 2021, Viento fuerte marca el regreso de Jon Fosse al teatro tras su monumental proyecto novelístico Septología. Fosse, galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 2023, es uno de los autores teatrales más representados del mundo. Traducida a más de 40 idiomas, su obra conecta con las grandes preocupaciones humanas desde una perspectiva poética y profundamente filosófica.

Fotografías © Javier Naval

viernes, 13 de diciembre de 2024

LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA INTERPRETA LA SYLPHIDE EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA




La Compañía Nacional de Danza y su nueva directora Muriel Romero llevan al Teatro de la Zarzuela  La Sylphide, ballet en dos actos original de Filippo Taglioni (1777-1871) que se estrenó el 12 de marzo de 1832 en la antigua Ópera de París Le Pelletier sobre partitura de Jean Schneitzhoeffer y libreto de Adolphe Nourrit. Este ballet inspiró la versión del mismo nombre realizada por August Bournonville (1805-1879) el 28 de noviembre de 1836, con música de Herman S. Løvenskiold; Bournonville, que había asistido a la representación de la obra en París 4 años antes, compró ese día el folleto con el libreto de Nourrit, que usaría sin modificaciones, dando como resultado dos obras con idéntica dramaturgia conviviendo un tiempo en las carteleras europeas.



Es esta versión la de August Bournonville, la que ha pervivido a lo largo del tiempo convirtiéndose en en el ballet más antiguo del periodo romántico conservado en el repertorio activo internacional con mayor fidelidad coréutica.


El ballet La Sylphide, iniciador de la corriente de obras sobre los espíritus elementales y gran metáfora de amores frustrados, fue el primer gran ballet que se popularizó en Madrid, con múltiples montajes y versiones, llegando a representarse a partir de 1842 alternativamente en dos teatros de la capital: el Teatro del Príncipe y el Teatro del Circo.


Es esta versión la que se representará entre el 12 y el 22 de diciembre de 2024 en el Teatro de la Zarzuela, para lo que cuenta con cuatro parejas de bailarines que alternativamente representarán los principales papeles, el de la Sylphide y el de James, dada la dificultad que supone para ellos la coreografía. La maestra de ballet invitada por la compañía ha sido Arantxa Argüelles. 



La Sylphide es un espíritu etéreo, alegre e inquieto que se enamora de James un granjero escocés y se adentra con él en el mundo de la belleza, un amor eterno comienza. Desafortunadamente para ellos, la bruja y adivina Madge ha jurado venganza contra James después de que él la rechazara. Una maldad horrible que llevará a trágicas consecuencias a los jóvenes amantes.

Fotografías © Albidu

miércoles, 11 de diciembre de 2024

EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ ESTRENA ‘MÁS ALLÁ DEL PRINCIPITO’

 


A partir de mañana día 12 en la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez se podrá ver una nueva visión de El Principito. Todos hemos leído en algún momento de nuestra vida la historia de ese niño, un pequeño príncipe proveniente de otro planeta, con el que se encuentra un piloto que se halla perdido en el desierto tras estrellarse con su avioneta. 

A pesar de estar considerado un libro infantil, El principito es en realidad una obra filosófica que cuestiona la forma en que los adultos ven las cosas y nos hace enfrentarnos a ese niño que todos llevamos dentro y que en algún momento de nuestra vida adulta hemos olvidado. Es un reencuentro con nuestro propio yo, pero también con todas esas cosas que en algún momento hemos considerado importantes y con aquellas que hemos desechado por considerarlas banales. 

La obra original probablemente se basó en una experiencia que el propio Saint-Exupéry tuvo en el desierto del Sahara, descrita detalladamente en su obra autobiográfica Tierra de hombres, cuando Saint-Exupéry, junto con su copiloto André Prévot, se estrelló en el desierto del Sahara mientras trataban de romper el récord de velocidad en un vuelo de París a Saigón. 

Con estas premisas de partida pero atreviéndose a ir más allá de la historia que conocemos, con idea original de Yane Bonin y texto y dirección de Pilar Ávila, nos enfrentamos a esta nueva revelación en la que el tiempo ha transcurrido desde el encuentro en medio del desierto entre el Principito y el curtido aviador. Este montaje muestra cómo el hombre decidió ser aviador y cómo la imagen olvidada de su infancia que le devolvió un extraño suceso en el desierto, no dejará ya de acompañarle hasta su último día.


Más allá del Principito es una reflexión plena sobre la inocencia vital que desde la niñez nos acompaña y dibuja la hoja de ruta que deberemos seguir para convertirnos en adultos. Una obra que presenta a un personaje olvidado de sí mismo, al que un extraño suceso le devuelve la luz de su estrella. Encontrar la verdad dentro de uno mismo, entendiendo que con los ojos no siempre se ve. Porque no existe mayor alegría que caminar por la vida con la lucidez de la niñez.

El actor Rafael Rojas, que da vida al narrador que no es otro que el piloto en su etapa más adulta, describe así su relación con este montaje: “Ahora se me da la

oportunidad de poder encarnar al aviador y es cuando no solo me encuentro con el niño que llevo dentro y al que trato de mantener vivo cada día, sino a la persona grande que soy y que me hace tomar conciencia de la edad que tengo y del paso del tiempo de manera inescrutable. Todo un regalo. Gracias”

A Rafael Rojas le acompaña en el escenario la violinista Esther Marco. La música es obra del compositor y músico Alberto Torres.

Más allá del principito podrá verse entre el Teatro Fernán Gómez entre el 12 de diciembre de 2024 y el 12 de enero de 2025.

Fotografías © Conchita Meléndez

domingo, 8 de diciembre de 2024

1936. UN FRAGMENTO DE LA HISTORIA DE ESPAÑA EN EL TEATRO VALLE-INCLÁN

 


Con un público mayoritariamente entre los 50 y los 70, aunque también con algunos jóvenes en las gradas y algunas personas que bien podrían haber vivido aquellas circunstancias siquiera de refilón, y totalmente entregado a los avatares que se venían sucediendo en el escenario, discurren las 4 horas y cuarto de la obra que Andrés Lima ha llevado a el Teatro Valle-Inclán en colaboración con Juan Mayorga, Juan Cavestany y Albert Boronat. 

Con una redistribución del espacio escénico y del patio de butacas, que deja a los intérpretes en una zona cuadrada a modo de ring pugilístico, con apenas unos cuantos elementos que se mueven continuamente y que lo mismo representan una tribuna oratoria como la mesa en la que brindan los conspiradores, una barricada o una fosa común, los ocho actores y actrices que interpretan más de dos docenas de personajes y una veintena de componentes del Coro de Jóvenes de Madrid que representan al pueblo, va discurriendo un pedazo de la historia de España. Y si bien en un principio el tiempo de duración de la obra puede parecer excesivo deja de serlo en el momento en que se apagan las luces y nos vamos sumergiendo en el argumento. Quizás porque como comentarán Andrés Lima y los demás en la rueda de prensa previa al estreno, sabemos poco de cómo se desarrollaron los hechos y queremos saber más. 

Es indudable que cualquier historia tiene un tinte sesgado desde el momento en que se cuenta y que éste depende de quién lo cuenta. Lo poco que nos contaron en la escuela, a los que nos contaron algo, era la visión de los vencedores y aquí vamos a encontrarnos con una visión diferente. El texto desarrollado a ocho manos por Albert Boronat, Juan Cavestany, Andrés Lima y Juan Mayorga, empieza con la sublevación de Queipo de Llano quién junto con Mola y Sanjurjo fue uno de los cabecillas principales del golpe militar contra el gobierno del Frente Popular, cuyo fracaso parcial originó la guerra civil española. El General Queipo de Llano dirigió el golpe militar en Sevilla e inició una fuerte represión que ocasionó solamente en Sevilla en el periodo comprendido entre el 18 de julio de 1936 y enero de 1937 la muerte de 3028 personas.

A partir de aquí se irán sucediendo los distintos acontecimientos que se desarrollaron a lo largo del primer año de la guerra pero también nos hablan de cómo se llegó hasta allí, de quienes estuvieron detrás de los hechos, de los apoyos que recibieron uno y otro bando, escasos en el bando republicano y mucho más amplios en el de los sublevados, quienes desde el principio contaron con armamento, apoyo logístico y combatientes llegados tanto de la Italia fascista como de la Alemania nazi a la que el campo de batalla español les sirvió como terreno de pruebas para la posterior contienda que sería la Segunda Guerra Mundial.  Por su parte la República obtuvo el apoyo de la URSS y de las Brigadas Internacionales, también recibió el apoyo casi simbólico de México. El acuerdo general sobre la No-Intervención de Francia y Gran Bretaña también tuvo un gran peso en el desarrollo de la guerra. 

La música juega un papel importante durante toda la representación, ya que alivia un poco los momentos más intensos y está interpretada genialmente por el Coro de jóvenes de Madrid, que todo hay que decirlo hacen un trabajo espectacular en su papel del pueblo, victima primera y última de cualquier contienda, también como milicianos, y soldados de uno u otro bando que se matan entre sí.  Son veinte jóvenes que cantan e interpretan sin necesidad de hablar. Las canciones que aparecen van desdelos himnos puramente políticos como la Internacional, el Cara al Sol o el ¡Ay, Carmela!, hasta música popular como Los cuatro muleros. 

Los actores y actrices que forman el reparto son por orden alfabético:

Antonio Durán “Morris” (Queipo de Llano, Obispo Antonio Montero, Nicolás Franco)

Alba Flores (La Pasionaria, General Rojo, Mika Etchebéhère, Celia Gámez)

Natalia Hernández (Yangüas Messía, Cardenal Gomá, Señora Guerra, Cabaretera)

María Morales (Manuel Azaña, Largo Caballero, Clara Campoamor)

Paco Ochoa (Pau Casals, George Orwell, General Mola)

Blanca Portillo (José Antonio Primo de Rivera, Von Richthofen, Rosario La Dinamitera)

Guillermo Toledo (General Yagüe, Alfonso XIII, General Miaja)

Juan Vinuesa (Francisco Franco, Norman Bethune, Ramiro de Maeztu)

Ni que decir tiene que con un cartel así es difícil distinguir a unos sobre otros ya que todos ellos están fantásticos en sus respectivos papeles, si bien podemos destacar que dentro de los diversos personajes que cada uno interpreta podemos decir que Blanca portillo hace una soberbia intervención como José Antonio Primo de Rivera o como Rosario la Dinamitera, que Juan Vinuesa ejerce el papel de Francisco Franco sin que éste caiga en la caricatura, Natalia Hernández está perfecta tanto como Señora Guerra como con los contorsionismos de la cabaretera anónima, María Morales esplendida en todos sus personajes y Alba Flores como la Pasionaria. En general todos los actores y actrices consiguen que durante las más de cuatro horas que dura la función nos sintamos parte del espectáculo y nos olvidemos del tiempo que llevamos dentro del teatro. 

Andrés Lima ha vuelto a lograr que algo que a priori parecía muy difícil, representar la guerra civil, se haya convertido en un ejercicio aparentemente sencillo en el que nos encontramos con momentos clave de la guerra como la batalla del Ebro, los bombardeos sobre Guernica, la masacre de la carretera Málaga-Almería, conocida también como La Desbandada, de la que queda constancia gracias al reportaje fotográfico de Robert Capa,  o los discursos radiofónicos de los implicados en la contienda. 

La obra estará en cartel hasta el 26 de enero y se representa de martes a domingo a las 19:00. Hay dos descansos de 10 minutos, lo cual viene muy bien para estirar un poco las piernas, aunque las gradas están montadas de forma que hay espacio suficiente para sentirse cómodo durante toda la representación. 

Fotografías © Bárbara Sánchez Palomero

jueves, 5 de diciembre de 2024

TEATROS DEL CANAL ESTRENA UN MONSTRUO VIENE A VERME

 


La emotiva historia de Un monstruo viene a verme sobre el tránsito de la infancia a la madurez para encarar la vida y la muerte se estrena en España en Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid el próximo 6 de diciembre. Originalmente fue una novela, adaptada al cine bajo la dirección de Juan Antonio Bayona en 2016 y posteriormente al teatro en una exitosa producción en el prestigioso teatro Old Vic de Londres. Ahora la compañía madrileña LaJOVEN, en colaboración con la Asociación Española contra el Cáncer, presenta la versión española de la obra de Patrick Ness.


A partir del estreno en la Sala Roja de Teatros del Canal, Un monstruo viene a verme permanecerá en cartel hasta el 15 de diciembre. El montaje, dirigido por José Luis Arellano, se basa en la traducción de la adaptación teatral inglesa A monster calls.


Un monstruo viene a verme fue originalmente una idea de la escritora británica Siobhan Dowd, diagnosticada de cáncer de mama en septiembre de 2004. Dowd comenzó a escribir el relato de un niño que se enfrentaba a la enfermedad terminal de su madre, pero no pudo terminarlo, ya que falleció en 2007. Su editorial contactó poco después con el novelista Patrick Ness para completar la historia iniciada: “Tenía los personajes y una premisa. Lo que no tuvo, desgraciadamente, fue tiempo”, dijo de Siobhan Dowd. 


La novela se publicó en 2011 con una excepcional acogida. En 2016 la versión que realizó el director español Juan Antonio Bayona recibió nueve premios Goya. Dos años después el Teatro Old Vic de Londres estrenó una versión teatral escrita por Sally Cookson y Adam Peck que giró por Reino Unido y Estados Unidos con una calurosa acogida de público y crítica.


Un monstruo viene a verme cuenta la historia de un niño de 13 años asaltado por pesadillas desde que su madre ha caído enferma. Una noche escucha una voz que le llama desde el jardín. Al asomarse contempla como un tejo se transforma en un monstruo. De la mano de esa criatura, el niño emprende por las noches diversas aventuras para huir de sus miedos, hasta que reune el valor suficiente para enfrentarse a su peor pesadilla y a su propia historia: la verdad.


La versión teatral de Un monstruo viene a verme iniciará una gira a lo largo de 2025 dentro de un proyecto teatral y educativo que sumará las capacidades de artistas, docentes, sanitarios y empresarios en torno a un gran programa de acción contra el cáncer. El proyecto está enmarcado dentro de la iniciativa Todos Contra el Cáncer de la Asociación Española Contra el Cáncer que se ha hermanado con LaJoven para llevarlo a cabo. Con él, el colectivo pretende contribuir a concienciar a la sociedad, en especial a los más jóvenes, e incrementar los recursos disponibles para la prevención, investigación y detección precoz del cáncer con el objetivo de alcanzar el gran reto de superar el 70% de supervivencia en 2030.



LaJoven ha llevado a escena en los últimos diez años 23 obras, representadas en 75 ciudades españolas y vistas por más de 350.000 adolescentes de más de 75 ciudades. La compañía es un proyecto de la Fundación Teatro Joven. Une a profesionales de las artes escénicas con la comunidad docente y sirve como espacio profesional para jóvenes. Además, fomenta la investigación dramática y pretende incorporar al teatro a públicos jóvenes a través de la dramaturgia contemporánea.

Al término de la función del 8 de diciembre tendrá lugar un encuentro con el público.

Fotografías © Conchita Meléndez