LOS STUNMEN UNA ÓPERA DE NAO ALBET Y MARCEL BORRÀS EN LOS TEATROS DEL CANAL

 

Nao Albet y Marcel Borràs presentan en Teatros del Canal Los Estunmen, una ópera con música del compositor Fernando Velázquez que podrá verse, del 2 al 14 de junio, en la Sala Roja Concha Velasco.

La pieza es una coproducción del Teatre Lliure, el Gran Teatre del Liceu, Teatros del Canal y el Teatro Real, y que además cuenta con la colaboración de la Joven Orquesta Nacional de España, que interpretará la partitura de Velázquez. Esta propuesta supone la primera incursión de los creadores catalanes en el género operístico.

La obra parte de la figura de los especialistas de cine, los stunts, para abordar cuestiones vinculadas a la violencia, la representación y la construcción contemporánea del héroe. Tras la muerte de su hijo, la protagonista inicia un viaje de venganza guiada por un grupo de héroes que le proporcionarán las claves necesarias para llevarla a cabo.

El reparto está integrado por los ya mencionados Nao Albet y Marcel Borràs, acompañados por Óscar Dorta, Núria Lloansi, Marc Padró, Óscar Pérez y Carlos Robles, junto a Sandra Ferrández, Marifé Nogales, Gabriel Díaz, Vicenç Esteve Madrid, José Ansaldi y Josep Ferrer.

Nao Albet y Marcel Borràs trabajan conjuntamente desde 2007 como autores, directores e intérpretes. A lo largo de su trayectoria han desarrollado un lenguaje escénico propio caracterizado por la mezcla de referencias teatrales, cinematográficas y musicales, así como por el uso del humor y la ironía.

EL ORGULLO DE QUERERTE. ROMANCE MADRILEÑO EN TRES ACTOS

 

Los Teatros del Canal en su Sala Roja ponen en escena un Estreno semi escenificado de la zarzuela El Orgullo de Quererte. La obra se representará los días 11, 12, 13, 18, 19 y 20 de septiembre 2025 y tiene una duración total de 2 horas y 30 min (con pausa incluida).

Allá por el año 2010, una afortunada locura de Javier Carmena y Felipe Nieto, alumbró lo que hoy es El Orgullo de quererte.  Se propusieron entonces revitalizar la zarzuela de gran formato o zarzuela grande, respetando su forma tradicional y actualizando la temática para acercarla al momento presente y, en general, a los nuevos públicos.

En El Orgullo de quererte se mantiene el carácter costumbrista de muchas zarzuelas, y por sus páginas desfilan algunos de los tipos que podemos encontrar hoy día en Madrid. En la fauna particular de Chueca aún se puede reconocer la idiosincrasia del chulaperío, las modistas, los gañanes, los señoritos y las damas que reconocemos en la zarzuela de siempre.

Su estreno en 2022 en los Teatros del Canal, em versión de concierto semi escenificada, con la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, fue un gran éxito que avaló la creación de esta nueva puesta en escena, firmada por Albert Boadella que la dirige junto a Martina Cabanas y con dirección musical de Alondra de la Parra y José Luis López Antón.

El hilo conductor de la obra son los recuerdos del glamuroso y malvado P.J. quien, como un viajero del tiempo, baja y sube por la chimenea de su memoria. P.J. desde el futuro, en una irreconocible Plaza de Chueca, evoca aquellas fiestas del Orgullo en que perdió el favor de su amado Alonso y todo su mundo desapareció.

El Orgullo de quererte se desarrolla en un entorno urbano actual, ambientado en las celebraciones del Orgullo LGTBIQ+ en Madrid. Su música y texto nos invitan a reflexionar sobre el miedo, los celos y la libertad, temas universales que resuenan más allá de generaciones y contextos.

El reparto está encabezado por Enrique Viana, Santiago Ballerini, German Olvera, María Rey-Joly, Mar Morán, Andrea Rey, Berna Perles Sancho, Gerardo López, Jesús Cantolla y Daniel González.

Además les acompañan como bailarines y figurantes Begoña Quiñones, Verónica Garzón, Yolanda Barrero, Nuria Tena, Jose Alarcón, Daniel Morillo, David Palacios, Adrián Gómez y Enrique Arias.

Fotografías © Conchita Meléndez

CORIOLANO EN VERSION DE ANTONIO SIMÓN

 

Coriolano, una de las últimas tragedias de Shakespeare y que forma parte de la trilogía romana junto a Antonio y Cleopatra, estará representándose en los teatros del Canal, en su Sala Roja, únicamente hasta el domingo día 8, en total serán 5 las representaciones que podrán verse en Madrid de esta versión de Antonio Simón, creada para el Festival de Mérida.

En la antigua República de Roma, a raíz de una hambruna, el pueblo, o plebeyos, se rebela contra los patricios, la clase dirigente. En respuesta a sus protestas y tras un encuentro del pueblo con el aristócrata Menenio, los patricios conceden al pueblo dos representantes (tribunos) en los asuntos públicos, una decisión que provoca la ira del orgulloso militar patricio Cayo Marcio que no siente sino desprecio por las clases bajas. En ese momento, estalla la guerra con una vecina tribu italiana, los volscos, guiados por el gran rival de Cayo Marcio, Tulio Aufidio. Los volscos son derrotados y Roma toma la ciudad italiana de Corioles gracias al heroísmo de Marcio. En reconocimiento a sus grandes hazañas, a instancias de las recomendaciones de su madre Volumnia, a Cayo Marcio se le concede el nombre de Coriolano.

A su regreso a Roma, Coriolano recibe la bienvenida de un héroe, y el Senado se dispone a nombrarle cónsul. Con el fin de obtener este cargo, según marcan las costumbres, Coriolano ha de salir a pedir los votos de los plebeyos, una tarea a la que se compromete a regañadientes. Al principio, la gente común se muestra dispuesta a darle sus votos, pero luego revierte su decisión ante la insistencia de los tribunos, Bruto y Sicinio quienes consideran a Coriolano un enemigo del pueblo. Coriolano es incapaz de controlar su orgullo herido y en un arrebato de furia cuestiona la soberanía misma del pueblo. Bruto y Sicinio lo declaran traidor al Estado romano y Coriolano es condenado al exilio.

Deseoso de vengarse, Coriolano pide asilo en la patria de sus enemigos, los volscos, y hace las paces con su líder, Aufidio. Entre ambos planean una nueva campaña contra Roma. Su ejército procede a marchar sobre Roma, lanzando ataques contra las poblaciones vecinas y sumiendo a la ciudad en el pánico. Muy pronto Aufidio y Coriolano están acampados fuera de las murallas de la ciudad. Su viejo amigo Menenio le pide misericordia pero Coriolano se niega a escucharlo. Sin embargo, cuando Volumnia le ruega hacer la paz, Coriolano, tras el conmovedor discurso de su madre, se arrepiente de sus actos y sella su destino.

Aunque se considera una de las obras menos conocidas de Shakespeare, en España se ha representado en varias ocasiones por distintas compañías, en esta ocasión Roberto Enríquez, en el papel de Coriolano, encabeza un elenco de nueve intérpretes:  Carmen Conesa, como Volumnia; Manuel Morón dando vida a Menenio; Álex Barahona en la piel de Cominio; Santiago Molero como Bruto; Juan Díaz de Sicinio; María Ordóñez encarnando a Virgilia; Beatriz Melgares doblando papel como lugarteniente y ciudadano y por último Javier Lara como Aufidio.

Con una escenografía de Paco Azorín, agotadora para los actores pero muy adecuada para un recinto como el del Teatro Romano de Mérida y que encaja bien sobre el escenario de la Sala Roja de los Teatros del Canal, los actores interpelan al público que pasa a ser parte de la representación como miembros del pueblo. El diseño de vestuario es de  Ana Llena y el diseño de iluminación de Rodrigo Ortega. El espectáculo es una coproducción del Festival de Mérida y Vania.

Fotografías ©Jero Morales

TEATROS DEL CANAL ESTRENA UN MONSTRUO VIENE A VERME

 

La emotiva historia de Un monstruo viene a verme sobre el tránsito de la infancia a la madurez para encarar la vida y la muerte se estrena en España en Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid el próximo 6 de diciembre. Originalmente fue una novela, adaptada al cine bajo la dirección de Juan Antonio Bayona en 2016 y posteriormente al teatro en una exitosa producción en el prestigioso teatro Old Vic de Londres. Ahora la compañía madrileña LaJOVEN, en colaboración con la Asociación Española contra el Cáncer, presenta la versión española de la obra de Patrick Ness.

A partir del estreno en la Sala Roja de Teatros del Canal, Un monstruo viene a verme permanecerá en cartel hasta el 15 de diciembre. El montaje, dirigido por José Luis Arellano, se basa en la traducción de la adaptación teatral inglesa A monster calls.

Un monstruo viene a verme fue originalmente una idea de la escritora británica Siobhan Dowd, diagnosticada de cáncer de mama en septiembre de 2004. Dowd comenzó a escribir el relato de un niño que se enfrentaba a la enfermedad terminal de su madre, pero no pudo terminarlo, ya que falleció en 2007. Su editorial contactó poco después con el novelista Patrick Ness para completar la historia iniciada: “Tenía los personajes y una premisa. Lo que no tuvo, desgraciadamente, fue tiempo”, dijo de Siobhan Dowd. 

La novela se publicó en 2011 con una excepcional acogida. En 2016 la versión que realizó el director español Juan Antonio Bayona recibió nueve premios Goya. Dos años después el Teatro Old Vic de Londres estrenó una versión teatral escrita por Sally Cookson y Adam Peck que giró por Reino Unido y Estados Unidos con una calurosa acogida de público y crítica.

Un monstruo viene a verme cuenta la historia de un niño de 13 años asaltado por pesadillas desde que su madre ha caído enferma. Una noche escucha una voz que le llama desde el jardín. Al asomarse contempla como un tejo se transforma en un monstruo. De la mano de esa criatura, el niño emprende por las noches diversas aventuras para huir de sus miedos, hasta que reune el valor suficiente para enfrentarse a su peor pesadilla y a su propia historia: la verdad.

La versión teatral de Un monstruo viene a verme iniciará una gira a lo largo de 2025 dentro de un proyecto teatral y educativo que sumará las capacidades de artistas, docentes, sanitarios y empresarios en torno a un gran programa de acción contra el cáncer. El proyecto está enmarcado dentro de la iniciativa Todos Contra el Cáncer de la Asociación Española Contra el Cáncer que se ha hermanado con LaJoven para llevarlo a cabo. Con él, el colectivo pretende contribuir a concienciar a la sociedad, en especial a los más jóvenes, e incrementar los recursos disponibles para la prevención, investigación y detección precoz del cáncer con el objetivo de alcanzar el gran reto de superar el 70% de supervivencia en 2030.

LaJoven ha llevado a escena en los últimos diez años 23 obras, representadas en 75 ciudades españolas y vistas por más de 350.000 adolescentes de más de 75 ciudades. La compañía es un proyecto de la Fundación Teatro Joven. Une a profesionales de las artes escénicas con la comunidad docente y sirve como espacio profesional para jóvenes. Además, fomenta la investigación dramática y pretende incorporar al teatro a públicos jóvenes a través de la dramaturgia contemporánea.

Al término de la función del 8 de diciembre tendrá lugar un encuentro con el público.

Fotografías © Conchita Meléndez

MANUEL LIÑÁN ESTRENA "MUERTA DE AMOR": UN TRIBUTO INNOVADOR AL AMOR EN TODAS SUS FORMAS

© Marcos G. Punto

El prestigioso bailaor y coreógrafo Manuel Liñán, galardonado con el Premio Nacional de Danza 2017, presenta su nuevo espectáculo "Muerta de Amor" en estreno absoluto los días 13 y 14 de junio en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid. Este innovador montaje aborda temas universales como la pasión, la provocación y la fantasía, rindiendo homenaje al amor en todas sus formas, trascendiendo géneros y etiquetas.

Con una puesta en escena que incluye a doce artistas, el espectáculo promete sumergir al público en un viaje a través de diferentes atmósferas: la seducción, la imaginación, lo carnal y los abrazos. La coreografía, dirigida por Liñán, explora cómo el amor y los estímulos sentimentales influyen en el baile y la interacción humana. El espectáculo está concebido como un espacio donde conviven los deseos, se nutre de los anhelos del pasado, y los sentimientos pueden recuperarse. La narrativa se desarrolla a través de escenas que reflejan la pureza y la intensidad de los sentimientos, guiando al público en un recorrido sensorial y emocional.

La colaboración de Ernesto Artillo, como asesor escénico y diseñador de vestuario, juega un papel fundamental, junto con la creación musical de la obra, inspirada en gran parte en la copla y el bolero. 

"Muerta de Amor", tras su paso por Canal,  se presentará el 15 de septiembre en la Bienal de Flamenco de Sevilla, consolidando su presencia en los escenarios más importantes del país.

El elenco de "Muerta de Amor" cuenta con destacados artistas del flamenco y la danza española. Entre los bailarines se encuentran José Maldonado, Alberto Selles, Juan Tomás de la Molía, Miguel Heredia, José Ángel Capel, David Acero, Ángel Reyes y Mara Rey como artista invitada, cada uno aportando su estilo único a la narrativa del espectáculo. El cante estará a cargo de Juan de la María, acompañado por el guitarrista y compositor Francisco Vinuesa y los instrumentos y el espacio sonoro de Víctor Guadiana, con la percusión de Javier Teruel. El diseño de sonido está en manos de Ángel Olalla, el diseño de iluminación de Gloria Montesinos, y la ayuda y guía espiritual de Iván Baba, garantizando una experiencia auditiva inmersiva.

Nacido en 1980 en Granada, Manuel Liñán es un aclamado bailaor, coreógrafo y director que ha revolucionado el flamenco contemporáneo. Con un estilo que fusiona la pureza tradicional con una visión innovadora, ha sido reconocido por su dominio absoluto del espacio escénico y su capacidad para crear nuevos paradigmas dentro del flamenco. Liñán ha conseguido desestructurar la tradición flamenca del género, apropiándose de formas, estética y complementos que hasta hoy solo eran utilizados por el género femenino.

Comenzó su carrera como solista en 2009 con "Tauro", y desde entonces ha presentado espectáculos como "Mundo y aparte", "Sinergia", "Nómada", "Reversible", "Baile de autor" y "Viva!!", cada uno de ellos aclamado por la crítica y el público. Ha coreografiado para el Ballet Nacional de España en varias ocasiones y para artistas como Rafaela Carrasco, Belén Maya, Mercedes de Córdoba y su compañía, Nuevo Ballet Español, entre otros.

Fotos Sala de Ensayos y Grupo: © Conchita Meléndez

TEATROS DEL CANAL ESTRENA EN ESPAÑA CALDERÓN, DONDE PASOLINI TRASLADA LA VIDA ES SUEÑO A LA ESPAÑA FRANQUISTA

 

El joven y ya prestigioso director Fabio Condemi presenta el 24 y 25 de febrero esta obra del escritor y cineasta italiano inspirada en la tragedia del dramaturgo barroco español.  

El montaje forma parte del proyecto dedicado a Pasolini Come devi imaginarme, impulsado la Emilia Romagna Teatro ERT y compuesto por seis tragedias escritas por el creador del Evangelio según Mateo en 1966.

La época es la España franquista de 1967 en lugar de la Polonia del siglo XVII, donde sucede La vida es sueño. En ese tiempo de la dictadura situó el escritor y cineasta italiano, Pier Paolo Pasolini, Calderón, una de sus piezas teatrales de combate que, en versión de Fabio Condemi, se estrena en España en Teatros del Canal el sábado 24 de febrero y el domingo 25 de febrero. 

La obra, que se exhibirá con sobretítulos en español, forma parte de la iniciativa teatral europea Prospero. Fue la primera en estrenarse, en 2022, del proyecto Come devi imaginarme dedicado a Pasolini y compuesto por seis tragedias escritas por este en la primavera de 1966. Este proyecto fue impulsado hace dos años por el director de la Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale Valter Malosti y el estudioso Giovanni Agosti, con motivo del centenario del nacimiento del autor de El evangelio según Mateo y Accatone, entre otras de sus grandes películas.  

Calderón se inspira en La vida es sueño, y toma como protagonista al principal personaje femenino de la obra del dramaturgo español, Rosaura, a la que Pasolini recrea en tres ambientes: como aristócrata en la España de Franco, como prostituta en un suburbio de Barcelona y como pequeña burguesa que se niega a reconocerlo en una familia de clase media baja. Una fotografía del dictador preside la escena, en la que el director de Calderón utiliza también como leit motiv el cuadro Las meninas de Velázquez. 

El texto de Pasolini es complejo, de múltiples capas (la escritura de Calderón, el teatro de Bertold Brecht, la realidad española de los 60 con los movimientos de protesta estudiantiles frente a un poder que no deja otro espacio para la libertad que los sueños…), un texto que a través de los sueños cuestiona la realidad.

La obra se estrena en España con la garantía de ser uno de los más apreciados directores de escena de la nueva generación de directores italianos, Fabio Condemi (1988), quien ha trabajado en varias ocasiones en la obra de Pasolini, del que en 2015, con motivo del cuadragésimo aniversario de la muerte del escritor y cineasta, editó la adaptación radiofónica del Manifiesto por un nuevo teatro.  En 2021 Condemi recibió el prestigioso Premio Ubú a la mejor dirección por el espectáculo Filosofía del tocador del Marqués de Sade.

Fotos cedidas por la oficina de prensa de Teatros de Canal para difusión de obra. 

LA COMPAÑÍA AUSTRALIANA CIRCA PRESENTA EL ESPECTÁCULO HUMANS 2.0 EN TEATROS DEL CANAL

 

Con solo cuatro funciones del 4 al 7 de enero, la compañía Circa interpreta en la Sala Roja de los Teatros del Canal Humans 2.0, un espectáculo en el que la danza contemporánea, el teatro físico y el circo se funden para crear un alarde escénico en el que una docena de atléticos bailarines desafían a las leyes físicas con una coreografía repleta de acrobacias y volteretas en el aire, de torres humanas y contorsiones. 

El espectáculo se divide en varios movimientos, a los que Yaron Lifschitz imprime un estado de ánimo diferente y una combinación de emociones, que el crítico del diario inglés The Guardian David Jays ha sintetizado como una muestra de la confianza de los seres humanos entre sí, “la seguridad de que siempre habrá alguien ahí para echar una mano”.

La certera expresión física de Humans 2.0 debe también su fascinación a la música del compositor Ori Lichtik y a la iluminación de Paul Jackson. Ambas se conjugan con el espectáculo sobrehumano de los cuerpos en movimiento para crear una obra íntima, primitiva y profundamente comprometida con el desafío de ser humano.

Circa Contemporary Circus es una de las compañías más relevantes del panorama escénico internacional. Establecida en la ciudad australiana de Brisbane desde 2004, ha realizado giras por todo el mundo, actuando en más de 40 países ante más de 1,5 millones de personas, en los principales festivales y ciudades como Nueva York, Londres, Berlín y Montreal.

La compañía está en la vanguardia de la nueva ola de circo australiano contemporáneo, y ha sido pionera en llevar al límite la expresión física para crear actuaciones poderosas y emotivas, de una manera que desdibuja las fronteras entre danza, teatro y circo.