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Mostrando entradas con la etiqueta Sala Margarita Xirgu. Mostrar todas las entradas
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martes, 8 de abril de 2025

¡ESTA NOCHE, GRAN VELADA! ¡Kid Peña contra Alarcón, por el Título Europeo!

 


El 23 de septiembre de 1983 se representó por primera vez, en el Teatro Martín de Madrid, la obra de Fermín Cabal que le daría el espaldarazo definitivo tras su paso por el grupo Tábano y compaginar su trabajo en teatro, televisión y cine con la docencia. ‘Esta noche, gran velada: Kid Peña contra Alarcón por el título europeo’.  Se trataba de la historia de un boxeador que se enfrenta a la posibilidad de dejarse ganar. El texto, producido y dirigido por Manuel Collado, contaba para el papel del boxeador con un viejo amigo de Cabal: Santiago Ramos, que comenzaba en esos años una carrera llena de éxitos en el cine, la televisión y, por supuesto, el teatro. Le daba la réplica uno de los actores más populares de nuestro país, Jesús Puente. La obra contaba también con la participación de Miguel de Grandy, Jesús Bonilla, Licia Calderón, Enrique Hernández, José Goyanes, Tomás Sáez y José Zamora. 

Ahora es el Teatro Español, quien en su sala Margarita Xirgu nos trae la versión de Pilar Valenciano de esta obra que nos habla de un ser que vive a golpes, en los dos sentidos del término, los que recibe en el ring y los que le depara la vida. Un hombre que no se resigna al papel que le han asignado y trata de descubrir cómo salir de un mundo sucio y sin sentido con al menos un mínimo de dignidad. 


En su entorno, están todos aquellos que él cree amigos pero que en realidad son parásitos que le chupan la sangre y que no les importa más que la bolsa que puedan embolarse tras el combate definitivo. Son los Esparza, los Sony, los Mateo, los Achúcarro y las Marina, que lo han preparado todo para que Kid suba de nuevo al ring, pero esta vez será para perder. 

El reparto de la obra está compuesto por Francisco Ortiz, que interpreta a Kid Peña, Daniel Ortiz como Marcel Esparza (el manager), Chema Ruíz como Ángel Mateos (el preparador), Mario Alonso es Sony Soplillo (el sparring, el único que realmente cree en Kid), Jesús Calvo es Achúcarro (el promotor de la velada) y Marta Guerras, que interpreta a la amante de Esparza, Marina Marín y que tendrá un gran papel para conseguir que el púgil finalmente combata por el título. Todos ellos están bastante convincentes en sus papeles y seguramente se irán afianzando a medida que la obra vaya rodando y en mi opinión sobresalen Marta Guerras y Mario Alonso.


La escenografía es sencilla. Se ha recreado  un vestuario donde se desarrolla en todo momento la acción, y que es el lugar donde los personajes tienen intimidad para confesar sus miedos,  sus preocupaciones, sus sueños, un lugar con una química especial.  Al parecer se han recuperado las taquillas de la comisaria de Arganzuela que estaban a punto de ser renovadas, tratando de conseguir con su reciclaje una conciencia social sostenible. Lua Quiroga ha sido la responsable de llevar a cabo esta labor. La iluminación des de Rodrigo Ortega, el vestuario de Tania Tajadura, el sonido de Luis Miguel Cobo y la video escena que juega un importante papel en la representación de Elvira Ruiz y Álvaro Luna. 

© Conchita Meléndez

Como decía José Luis Alonso de Santos, Fermín Cabal, que nos dejó en 2023 y a quién está dedicada la puesta en escena,  cambia la forma en que el autor ve a los personajes, se sienta con ellos y les deja hablar del dolor y la risa de la condición humana, de una vida miserable tratando de sobrevivir en un mundo que solo tiene una regla clara: si te descuidas un solo segundo ‘el otro’ te deja K.O.

La obra que se estrena hoy podrá verse hasta el 25 de mayo. 

Fotografías de escena © Javier Naval







viernes, 21 de marzo de 2025

NATACHA, UNA ADAPTACIÓN DE LA PRIMERA NOVELA ESCRITA POR LUISA CARNÉS


Si aún no la has visto y tienes la suerte de conseguir entradas, aún tienes la oportunidad de asistir al Teatro Español para conocer la historia de Natacha, la protagonista de la primera novela de Luisa Carnés, autora que ya nos sorprendió en 2022 con la adaptación de otra de sus obras, Tea Rooms, en el teatro Fernán Gómez. Natacha permanecerá en cartel en la sala Margarita Xirgu hasta el 31 de marzo. 


De nuevo es Laila Ripoll la encargada de adaptar y dirigir la novela de Luisa Carnés que fue publicada en 1930. Con un elenco formado por Natalia Huarte, Pepa Pedroche, Jon Olivares, Fernando Soto, Isabel Ayúcar y Andrea Real, Natacha nos cuenta un auténtico melodrama con tientes de realismo social. A mí me recuerda las novelas que mi abuela escuchaba en la radio con auténtico fervor cuando yo era una niña. 


Natacha es una mujer joven que trabaja en una fábrica de sombreros para ayudar a la decrépita economía familiar agravada por la enfermedad de un padre déspota y autoritario. Ella se mueve entre la difícil situación de cualquier mujer trabajadora en la época a la que se circunscribe la obra, incluido el acoso por parte del director de la fábrica y el chantaje emocional de una madre superada por las circunstancias y su deseo de progresar. Natacha se siente una mujer moderna que no quiere caer en las pautas establecidas para su género y clase social, como si lo hacen sus compañeras, pero la vida no siempre es como la imaginamos. 


 La obra bien podría dar para una serie de televisión por lo que reducirla al formato teatral y contar una historia compleja en algo menos de dos horas debe de haber resultado harto difícil para Laila Ripoll. También ha debido resultar difícil optar por una escenografía, que dado un espacio tan reducido como es el de la Sala Margarita Xirgu, debe reunir no menos de seis emplazamientos diferentes. Así que en este aspecto es necesario echarle imaginación. 



Destaca la actuación de Natalia Huarte en el papel de Natacha, al que dota de una gran veracidad, a veces angustiosa y también la de Pepa Pedroche, en su doble papel de madre y Doña Ada, que en el tramo final interpreta a la tía de Natacha, una mujer dominante, soberbia y falta de caridad y tolerancia para los deslices ajenos. El resto del reparto complementa perfectamente con buenas actuaciones los vaivenes de la joven Natacha. 

© Conchita Meléndez

Quizás podría habérsele pedido a esta adaptación un poco más de contesto social, pero como ya he comentado es difícil resumir tanta historia en tan poco espacio. Y si tienes la oportunidad seguro que vas a disfrutar con las desventuras de la joven Natacha. 

Fotografías de escena © Javier Naval


viernes, 20 de diciembre de 2024

VIENTO FUERTE, UNA DE LAS OBRAS MÁS IMPORTANTES DEL PREMIO NOBEL JON FOSSE SE ESTRENA EN EL TEATRO ESPAÑOL

 


El Teatro Español acaba de estrenar la obra Viento fuerte, escrita por el reciente Premio Nobel de Literatura Jon Fosse y que estará en cartel hasta el 2 de febrero de 2025 en la Sala Margarita Xirgu. Esta producción, traducida por Cristina Gómez Baggethun y dirigida por José María Esbec, llevará a escena un poema dramático cargado de simbolismo que explora temas universales como el tiempo, el amor, los celos y la muerte. 

Con un elenco formado por Felipe García Vélez, Zaida Alonso y Alberto Amarilla, la obra transcurre en un apartamento del piso 14º de un bloque donde las emociones y los enigmas planteados por los personajes invitan al espectador a reflexionar sobre la fragilidad humana. La pieza, definida como un ‘artefacto poético’ por el propio autor, se caracteriza por su lenguaje sutil y enigmático que sumerge al espectador en un universo onírico donde las fuerzas ocultas del amor, la muerte y el tiempo se entrelazan. Según el director José María Esbec, el texto de Fosse "pone de manifiesto nuestra fragilidad contemporánea, construyendo un mundo a través de la mirada del protagonista". 


La puesta en escena de Viento fuerte cuenta con un equipo artístico que aporta una visión única al universo de Fosse. La escenografía, a cargo de Petros Lappas, crea atmósferas evocadoras, mientras que la iluminación de Tomás Ezquerra realza los matices emocionales de la obra. La música original de Alberto Granados y la videoescena de Jessica Burgos añaden profundidad sensorial, complementadas por el diseño de vestuario y la ayudantía de dirección de Fernando Mercè, que enriquecen la identidad visual del montaje.


El teatro de Jon Fosse se lee como una obra narrativa o su obra narrativa se lee como teatro. Los dos géneros se difuminan en la escritura del nobel. “Viento Fuerte” gira alrededor de un extraño triángulo amoroso. El tiempo y el espacio se desintegran. En un apartamento del decimocuarto piso, el viento sopla y la ventana cae lentamente al vacío. Un hombre, ‘El hombre’, regresa a su hogar, que ya no es su hogar, porque su mujer, ‘La mujer’,  se ha mudado allí cuando él no estaba, cuando se había ido no se sabe a dónde, ni por cuanto tiempo. En el apartamento hay un ‘joven’ que mantiene una relación con ella. Éste le propone que se quede, que vivan los tres juntos, creándose así una situación delicada en la que nada es lo que parece. La obra en sí es un poema sobre el amor y la soledad. “Viento fuerte” nos lleva a presencias más allá de la realidad.


Escrita en 2021, Viento fuerte marca el regreso de Jon Fosse al teatro tras su monumental proyecto novelístico Septología. Fosse, galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 2023, es uno de los autores teatrales más representados del mundo. Traducida a más de 40 idiomas, su obra conecta con las grandes preocupaciones humanas desde una perspectiva poética y profundamente filosófica.

Fotografías © Javier Naval

viernes, 5 de abril de 2024

"CAMINO LARGO DE VUELTA A CASA": LA TRAVESÍA EMOCIONAL DE TRES GENERACIONES DE MUJERES

 


En la compleja danza de relaciones familiares, a menudo nos encontramos atrapados entre el amor, el odio, la incomunicación y la soledad. Es en este torbellino de emociones donde se sitúa "Camino largo de vuelta a casa", una obra del dramaturgo Iñigo Guardamino que arroja luz sobre los intrincados vínculos que unen a tres generaciones de mujeres bajo un mismo techo.

La trama de la obra se desarrolla en torno a Filomena, una anciana que, a sus noventa años, vive en una suerte de letargo emocional, anhelando la muerte como única liberación. Su hija Begoña, por otro lado, se dedica a persuadir a potenciales suicidas para que elijan la vida, mientras lucha con sus propias batallas internas. Y finalmente, está Luisa, la nieta, atrapada en el hogar materno debido a las circunstancias económicas, enfrentando la incertidumbre propia de la juventud tardía.

Lo que en apariencia debería ser un refugio se convierte en un campo de batalla emocional donde la comunicación es escasa y las tensiones están a flor de piel. Guardamino ahonda en la complejidad de estos lazos familiares, donde el amor y la frustración se entrelazan de manera inextricable. La casa que habitan estas mujeres no es un hogar en el verdadero sentido de la palabra, sino más bien una cárcel emocional donde se sienten atrapadas, incapaces de encontrar la paz interior.

La búsqueda del verdadero hogar, ese lugar donde se es uno mismo y se está a salvo de todo, es el hilo conductor de la obra. A través del diálogo y la confrontación, Filomena, Begoña y Luisa emprenden un viaje emocional en busca de ese refugio perdido. En el transcurso de la historia, secretos guardados durante años salen a la luz, viejas heridas vuelven a abrirse y las tensiones familiares alcanzan su punto álgido.

La interpretación de las tres protagonistas, Amparo Pamplona, Belén Ponce de León y Helena Ezquerro, es magistral, dando vida a unos personajes complejos y llenos de matices. Acompañadas por la presencia etérea de una sombra al otro lado del teléfono a la que da vida  José Emilio Vera, las actrices logran transmitir toda la gama de emociones que embargan a sus personajes.

"Camino largo de vuelta a casa" no es solo una obra de teatro, es un viaje introspectivo que invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de los lazos familiares y el verdadero significado del hogar. A través de la comedia negra y el drama, Guardamino nos muestra que el camino hacia la reconciliación con nuestros seres queridos puede ser largo y tortuoso, pero que al final del túnel siempre hay una luz de esperanza, un hogar donde encontrar la paz interior.

© C. Meléndez

La obra que se estrenó ayer en la Sala Margarita Xirgu estará en cartel hasta el próximo 4 de mayo. 


Fotografías de escena cedidas por el Teatro Español



martes, 16 de enero de 2024

EL TEATRO ESPAÑOL ESTRENA CARMEN, NADA DE NADIE EN LA SALA MARGARITA XIRGU BAJO LA DIRECCIÓN DE FERNANDO SOTO


Carmen, nada de nadie es una recreación de la vida de Carmen Díaz de Rivera la única mujer que ha logrado ser Jefa del Gabinete de la Presidencia del Gobierno en nuestro país. Pero no es solamente eso, es también un pedacito de la historia de España y no un pedacito cualquiera, es uno de los períodos más complejos e intensos de nuestra historia, el de la transición que nos llevó desde una férrea dictadura a la democracia de la que disfrutamos hoy en día. Con sus defectos y sus virtudes pero democracia al fin y al cabo. 


Es cierto que cabe preguntarse que hubiera ocurrido si esta mujer que desempeño un importante papel al lado del entonces presidente del gobierno, Adolfo Suarez, no hubiera sufrido un trauma personal siendo muy joven. Tal vez se hubiese acomodado a su papel de aristócrata y como mucho habría presidido alguna que otra asociación benéfica. Pero dicen los entendidos que a veces ese espíritu burlón al que algunos llaman dios, escribe con renglones torcidos y entonces se produce una catarsis, un efecto liberador que cambian el destino no solo de quien la padece sino también de cuantos pululan a su alrededor. 

Así,  Carmen poseedora de una voluntad firme y una visión futurista, tuvo desde ese momento el propósito de guiar a su país hacia la democracia. Luchó, a menudo sola, contra todo y contra todos, empeñándose en derribar muros y conseguir que todos los españoles fueran iguales ante la ley. A ella  y a su empeño se debió la legalización del Partido Comunista de España. 


No le fue sencillo, aquella chica rubia a la que Umbral definió como la musa de la transición, enamoraba a quienes la conocían de cerca. También la llamaron traidora, espía comunista y otras cosas terribles para tratar de amedrentarla. Se habló de ella como amante tanto del Rey como del propio Adolfo Suarez, todo con tal de desacreditarla, pero para una mujer que se había forjado en el dolor desde muy joven, rendirse nunca fue una opción. Aún así dimitió el 13 de mayo de 1977,  justo cuando los colaboradores de Suárez se organizaban políticamente para concurrir a las primeras elecciones democráticas bajo las siglas de la Unión del Centro Democrático (UCD). Díez de Rivera nunca estuvo afiliada a este partido, que le parecía entonces “de extrema derecha”. Volvió a la política en 1987 y durante los siguientes años y hasta su muerte ocupo un escaño como eurodiputada en el Parlamento Europeo. 


Los autores de la obra Francisco M. Justo Tallón y Miguel Pérez García, no llegan tan lejos, la dramaturgia se centra en el tiempo que ocupó su puesto como Jefa del Gabinete de la Presidencia del Gobierno, con alusiones a su vida anterior y al momento en que se siente cercana a la muerte. Con una escenografía sencilla y una iluminación sugerente, además de una serie de objetos que juegan un importante papel en el desarrollo de la obra (teléfonos, micrófonos, imágenes en pantalla o ese mechero que el Rey no deja de mover en su mano derecha) la puesta en escena resulta en ocasiones tan importante como el texto a la hora de evocar pasajes. 


Mónica López es la encargada de dar vida a Carmen y lo hace con convención, como si de algún modo ella hubiera estado también en los lugares en los que se desarrolla la historia. Oriol Tarrasón se mete en la piel de Adolfo Suárez, a quien vemos quizás un poco desdibujado, demasiado influenciado por la presencia tanto del Rey como de Carmen. Ana Fernández es la madre de Carmen, María Sonsoles de Icaza y de León, una mujer que vive obsesionada por las apariencias pero que no duda en saltarse la etiqueta cuando a ella la interesa. Y Victor Massan, además de al Rey interpreta a otros personajes, como Santiago Carrillo o a algún miembro de la prensa. 

La función estará en cartel desde el 17 de enero hasta el 18 de febrero. 


Fotografías © Conchita Meléndez

jueves, 9 de noviembre de 2023

EL TEATRO ESPAÑOL HOMENAJEA A TENNESSEE WILLIAMS


El Teatro Español, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, presenta del 9 de noviembre al 17 de diciembre el estreno de Tennessee, dos obras cortas y un entremés, espectáculo dirigido por María Ruiz e interpretado por César Camino, Cristina Medina y Maripaz Sayago. La propuesta, que podrá verse en la Sala Margarita Xirgu, consta de dos obras cortas de Tennessee Williams: La marquesa de Larkspur Lotion y Háblame como la lluvia, y un entremés o intermedio escrito por María Ruiz y Cristina Medina. 
 

La marquesa de Larkspur Lotion y Háblame como la lluvia son dos de las joyas indiscutibles del teatro del siglo XX. Una marquesa adicta al insecticida, un escritor que no escribe, cucarachas voladoras y amantes que intentan quererse mientras se mueren de hambre. Personajes de deshecho que se defienden como pueden de un mundo que no entienden y que reflejan como nadie la quintaesencia del talento de Williams ya que, gracias a su talento y a su sentido del humor, se convierten en sus manos en personajes literalmente inolvidables.  


Estas dos obras cortas, raramente representadas, son un nuevo encuentro con uno de los grandes autores de teatro de la historia reciente, una oportunidad para sumergirse de nuevo en ese prodigio que es Tennessee Williams, ganador en dos ocasiones del Premio Pulitzer: la primera en 1948 por Un tranvía llamado deseo y la segunda en 1955 por La gata sobre el tejado de zinc. 
 

El programa se completa con un entremés escrito por María Ruiz y Cristina Medina, donde una actriz en proscenio se debate con los personajes de Williams, entre ellos la adorable marquesa que acaba de interpretar. 


"Con el paso del tiempo, a la vez que iba comprendiendo algo de las cosas humanas, apreciaba más y más a Tennessee Williams y muy especialmente a estos personajes indefensos que parecen sacados de la basura y por los que siento una especie de hermandad, como si en cierto modo me notara hecha de la misma pasta”, cuenta la directora María Ruiz. “Me di cuenta de que se debía a que Tennessee se identifica con ellos, que los mira con el amor con que se tratan las cosas propias, los entiende, le resultan interesantes y le hacen gracia. Que en el último escalón antes del precipicio social en que se mueven los haya adornado con el valor y la chispa de personajes nobles me produce una especie de alegría que espero poder transmitir a través de los actores y de un grupo de creadores que han demostrado ya lo que valen". 


Tennessee, dos obras cortas y un entremés es una coproducción de Teatro 
Español y Producciones Come y calla.

La función de Teatro Accesible de Tennesse, dos obras cortas y un entremés tendrá lugar el viernes 17 de noviembre.  
 
Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años.