LLEGA AL NUEVO TEATRO ALCALÁ EL DIVERTIDO E IRREVERENTE MUSICAL LOS PRODUCTORES

Los productores es un musical con libreto, música y letras de Mel Brooks, escrito en colaboración con Thomas Meehan. Está basado en la película homónima de 1967 y, al igual que esta, narra la historia de dos empresarios teatrales, Max Bialystock y Leo Bloom, que planean hacerse ricos produciendo el mayor fracaso de Broadway. La obra se caracteriza por un sentido del humor irreverente apoyado en acentos exagerados, caricaturas de personajes judíos, gays y nazis, y chistes sobre el propio mundo del espectáculo.

Max Bialystock, un productor de Broadway que está en la ruina tras el fracaso de sus últimas producciones, y Leo Bloom, un joven contable amante del teatro, sueñan con hacerse ricos con un plan sorprendente. Para conseguir su objetivo, tienen que producir el fracaso más grande de la historia del teatro musical y huir con el dinero de los inversores. Pero poner en marcha un auténtico desastre no es nada fácil. Tienen que encontrar el peor guion, el peor equipo de dirección, los peores actores y estrenar un show absolutamente espantoso. ¿Lo conseguirán?

La producción original de Broadway se estrenó en 2001, con Nathan Lane y Matthew Broderick en los papeles principales, y batió todos los récords al ganar doce premios Tony. A la puesta en escena neoyorquina le siguieron una réplica en el West End londinense, varias giras por Estados Unidos y Reino Unido, numerosos montajes internacionales y una adaptación cinematográfica en 2005. 

En Madrid, en el Teatro Coliseum, se estrenó en el 2006 una adaptación de Carlos Martín, Alfredo Díaz y Raquel Soto, que estuvo protagonizada por Santiago Segura y José Mota. 

Ahora llega de nuevo a nuestra ciudad después de haber triunfado en Barcelona esta extraordinaria y divertidísima comedia creada por Mel Brooks de la mano de Nostromo Live. El nuevo musical es la combinación perfecta de los dos últimos éxitos de la productora: tiene toda la diversión y comedia de la Jaula de las locas, y todo el estilo y glamour de Cantando bajo la lluvia. Protagonizado por un elenco de 24 actores y bailarines, una orquesta en directo, con 18 números musicales y una escenografía de gran formato a la altura de las producciones de Broadway y West End.

La dirección artística contará con Àngel Llàcer y Enric Cambray como directores de escena, Manu Guix y Gerard Alonso en la dirección musical y Miryam Benedited en la coreografía. En el reparto Armando Pita (Max Bialystock), Ricky Mata (Leopold Bloom), Àngel Llàcer (Roger de Bacle), Oriol Burés (Alterante de Roger de Bacle y Cover de Max Bialystock), Mireia Portas (Ulla), José Luis Mosquera (Fanz Liebkind), Bittor Fernández (Carmen Age-À-Trois), Clara Lanzani (Ensamble/Bailarina, Cover Ulla) y Alexandre Ars (Ensamble/Bailarín, Cover Leopold Bloom)

La obra estará en cartel únicamente tres semanas,  hasta el 28 de abril.

EL TEATRO DE LA ZARZUELA OFRECE DOS ÚNICAS FUNCIONES DE LA ÓPERA ‘GAL·LA PLACÍDIA’

El Teatro de la Zarzuela recupera la ópera ‘Gal·la Placídia’ de Jaume Pahissa, estrenada en 1913 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con dirección musical del propio compositor y repuesta en el mismo teatro en 1933, la escogida para este nuevo renacer, sacudiéndose así el abandono a que ha estado relegada durante casi un siglo. Será el próximo viernes 8 de marzo y el domingo 10 (20h00 y 18h00 respectivamente) en versión de concierto.

El libreto en lengua catalana, es del propio compositor sobre la obra homónima de Àngel Guimerà de quien se conmemora el centenario de su fallecimiento en 1924. La obra posee una partitura muy personal, con una orquestación magistral, y las cuitas de su argumento, basado en el personaje histórico de la Barcelona del siglo V Gala Placidia, giran en torno al amor, la traición y la venganza de sus protagonistas.

Concebida para diez personajes, cuatro de ellos son los fundamentales: Gala Placidia (soprano), Vernulfo (tenor), Ataúlfo (bajo) y Sigerico (barítono). Los otros son: Ledia, Velia, Varogasto, Celio, Marcio y un Caballero. Los cuatro primeros protagonizan la obra: Gala Placidia, romana, espiritual, orgullosa y altiva, descendiente de césares, y criada en la civilización y cultura romana que simboliza; también la catalana. Es la protagonista de la tragedia que concluye con su muerte. El rey Ataúlfo, noble, con cierta rudeza, y resabios de barbarie, pero con la grandeza de rey; la ama y muere asesinado. Sigerico, rudo y áspero, bárbaro; representa el odio a Roma. Vernulfo, ni bárbaro, ni romano, solo un hombre enamorado de Gala Placidia, es el autor del magnicidio.

Estos personajes serán interpretados por Maribel Ortega en el papel de Gal·la Placídia, Simón Orfila como Ataulfo, Antoni Lliteres es Vernulfo y Carles Pachón da vida a Sigerico. También participan la mezzosoprano Carol García como Llèdia, Carlos Daza como Vèlia, Mario Villoria como Cèlius, Ángel Rodríguez como Màrcius y Joaquín Córdoba como el Caballero. La dirección musical corre a cargo de Christoph König.

Como recuerda el profesor Casares, el estreno de ‘Gal·la Placídia’ fue un auténtico impacto en la cultura catalana. La prensa del momento recogía las numerosas noticias, discusiones y reflexiones provocadas por la obra. Unas palabras de un conocido crítico de la época, Adolfo Marsillach, en El Liberal, indican la transcendencia del estreno: “Gala Placidia es la ópera de un coloso de la música, la revelación de un genio musical destinado a escribir obras portentosas”.

Jaume Pahissa es una de las personalidades más destacadas de la creación musical española de la primera mitad del siglo XX, y, en opinión del  maestro de musicólogos Emilio Casares “uno de los más relevantes compositores de ópera que han existido en España.  ‘Gal·la Placídia’, uno de los siete títulos de opera del autor,   forma parte de una serie de obras que el Teatro de la Zarzuela viene recuperando de nuestra lírica y que fueron condenados por unas u otras razones al olvido. 

LA MADRE, DE FLORIAN ZELLER, SE ESTRENA EN EL TEATRO PAVÓN

 

La frase “Nada es verdad ni mentira, todo es según el color del cristal con que se mira”, del poema de Campoamor titulado Las dos linternas, sería una buena descripción para la obra LA MADRE de Florian Zeller, que se estrena hoy en el Teatro Pavón. 

Dirigida por Juan Carlos Fisher e interpretada por Aitana Sánchez-Gijón, en el papel de la madre, a la que acompañan Juan Carlos Vellido, Álex Villazán y Júlia Roch sobre el escenario, en una especie de viaje constante de ida y vuelta en el que todo lo que ocurre es o no es, como si del espejo de la Alicia de Lewis Carroll se tratara, la obra nos muestra la vida inútil y vacía de una mujer que no ha sido capaz de superar que sus polluelos abandonaran el nido y se siente sola, terriblemente sola. 

¿Puede una madre amar demasiado? ¿Existe un límite para ese amor? ¿Qué ocurre cuando un hijo crece y se va? 

Anne ha construido la vida alrededor de su hijo Nicolás y es incapaz de concebir una vida sin él. Su relación con su marido tampoco es lo que esperaba a estas alturas de convivencia y su hija es la gran olvidada, prácticamente inexistente para ella que no duda en afirmar que siente un amor mucho mayor por su hijo. Esta mujer se ve atrapada entre lo que le gustaría que ocurriera y lo que ocurre realmente, o no, tal vez todo gira en torno a su mente sin que se sepa a ciencia cierta cual es la realidad. 

¿Anne ha vivido para ella o para los demás? ¿Todo ha sido una ficción sin sentido? Las decisiones que ha tomado la persiguen. Hay tanto que quiere decir...

© Conchita Meléndez

Florian Zeller (París, 28 de junio de 1979) es un escritor y director francés que comenzó su carrera como novelista pero que rápidamente se convirtió en un dramaturgo famoso. Según el semanario francés L'Express, Florian es  junto con Yasmina Reza, el mejor dramaturgo francés  y según The Guardian  el autor teatral más apasionante de nuestra época. Lo que sí es seguro es que se trata  del dramaturgo francés vivo más representado fuera de Francia. En este momento se pueden encontrar en la cartelera española dos de sus obras, a parte de La Madre, que estará en el Teatro Pavón desde el 7 de marzo al 12 de mayo, el Teatro Bellas Artes ha puesto en cartel una de sus obras más conocidas, El Padre con Josep María Pou como protagonista. 

Fotografias de escena ©Bárbara Sánchez Palomero

VANIA AL CUADRADO

 

Uno se pregunta si no estaremos un poco locos para ver dos funciones consecutivas de una misma obra interpretadas por los mismos actores, porque al fin y al cabo de eso se trata Vania x Vania, de un dos por uno, aunque no sea exactamente lo mismo. 

La Sala Arrabal de Naves del Español ha puesto en escena un programa doble de la obra de Chéjov dirigido por Pablo Remón, que también es el autor de ambas adaptaciones, y que es una coproducción del Teatro Español y el Teatro Kamikaze. El experimento consiste  en representar dos versiones nuevas y originales de Tío Vania planteadas de forma diferente. Con diferentes estilos, diferentes escenografías e iluminación y tres puntos de localización diferentes, porque aunque sean dos las versiones, en la segunda se plantean dos lugares alternativos y tan alejados entre sí como puede ser un lugar indeterminado de Rusia en el siglo XIX y un pequeño enclave rural de la meseta castellana en la actualidad. 

Los espectadores que se acerquen hasta Las Naves con la intención de asistir a la representación, podrán hacerlo de forma individual, eligiendo una u otra función o bien optar por un abono a precio reducido que les permita ver ambas, también pueden hacerlo en días separados e indistintamente podrán elegir una antes que la otra alternativamente. Mi consejo es que vean las dos una a las seis y la otra a las ocho y media de la tarde, primero porque no todos los días podemos empaparnos de la sabiduría de un autor como Chéjov y en segundo lugar porque es interesante contraponer ambas versiones y ver la capacidad de los actores para transmutarse de una a otra.

Javier Cámara es Tío Vania y junto a él nos encontramos a Juan Codina (Alexander), Israel Elejalde (Astrov), Manuela Paso (Marina) y las ganadoras ex aequo del Premio Max 2023 a Mejor Actriz Marta Nieto (Elena) y Marina Salas (Sonia). El diseño del espacio escénico es de Mónica Boromello, el de iluminación de David Picazo, el de vestuario de Ana López  y el de sonido de Sandra Vicente. 

A partir de aquí como dicen algunos, para gustos los colores. A mí particularmente me ha gustado mucho la primera representación, en la que la austeridad del escenario, o la falta de él, toda la obra se sustenta en seis sillas, me da la sensación de que amplifica los diálogos, de tal manera que toda la fuerza de la obra recae en las palabras y en el manejo que de ellas hacen los actores, que dicho sea de paso están geniales en ambas representaciones. 

Si tuviera que ponerle alguna pega, quizás, me da la impresión de que el final podría acortarse un poco, esa última escena entre Sonia y Tío Vania queda algo larga, pero después de las cuatro horas y media, incluido el intermedio, que permaneceremos allí tampoco tiene mucha importancia. 

Israel Elejalde, Manuela Paso, Javier Cámara, Marina Salas, Pablo Remón, Juan Codina y Marta Nieto

Vania x Vania permanecerá en cartel hasta el 7 de abril. 

Fotografías de escena ©Vanessa Rabade

EL REY QUE FUE, UNA CREACIÓN DE ELS JOGLARS

 

Els Joglars es una compañía española de teatro independiente, probablemente la que más años lleva funcionando casi ininterrumpidamente en las salas tanto de Cataluña como en el resto del territorio nacional. Fue fundada en Barcelona en 1962 por Albert Boadella, Carlota Soldevila y Anton Font como parte de la Agrupació Dramàtica de Barcelona (ADB), una sección del Círculo Artístico de San Lucas.

Estuvieron funcionando hasta diciembre de 1977, cuando mientras representaban La Torna en el Teatro Bartrina de Reus, seis actores de Els Joglars fueron encarcelados acusados de injurias al ejército y por su alegato contra la pena de muerte del militante anarquista Salvador Puig Antich. Su director Albert Boadella huyo a Francia donde estuvo exiliado durante un tiempo. En 1979 los actores que estaban en prisión fueron indultados y Boadella regresó a España donde fue detenido aunque se le concedió la libertad condicional. El equipo de Els Joglars volvió a las tablas y se ha mantenido en ellas desde entonces. 

Els Joglars se ha caracterizado siempre por su espíritu crítico frente a la actualidad política, y han incluido en sus obras a políticos de todas las tendencias, desde Franco hasta Jordi Pujol, pasando por Felipe González o Pasqual Maragall. Ahora pone sobre el escenario la vida del rey emérito. Una vida repleta de contrastes. Momentos trágicos, sacrificados, esperpénticos, enloquecidos, magnánimos, divertidos, funestos y osados.

Entre lo humorístico y lo trágico, el rey emérito rememora los momentos y las situaciones que, a lo largo de los años, le han llevado al exilio y la soledad. Su infancia y juventud, separado de sus padres y entregado a la tutela de un dictador. La muerte del hermano por un disparo fortuito de su pistola. La corona arrebatada al padre. Su poder absoluto heredado de la dictadura y entregado a la democracia. El golpe militar frustrado en el último momento. Los manejos económicos. Su incesante inclinación por las amantes, y finalmente, la abdicación en favor de su hijo y el exilio. Todo ello se sitúa en 2023, en el Golfo Pérsico, cuando el rey emérito Dispone una fiesta en un lujoso velero para degustar una deliciosa paella en alta mar. Periodistas, amigos, amigas, jeques y familiares están invitados. ¿Qué puede salir mal?

Dirigida por Albert Boadella la obra cuenta con la intervención de Ramón Fontseré, Pilar Sáenz, Dolors Tuneu, Martí Salvat, Bruno López-Linares y Javier Villena. 

La obra tiene una duración  de 1hora y 45 minutos y  estará en el Teatro Infanta Isabel desde hoy hasta el día 31 de marzo.

Fotografías © Conchita Meléndez

 

LA ZARANDA VUELVE A LOS ESCENARIOS DEL TEATRO ESPAÑOL

En la sala principal del Teatro Español la mítica compañía La Zaranda presenta hasta el 17 de marzo, una oda a la esperanza en su Manual para armar un sueño, que dirigida por  Paco de La Zaranda y con dramaturgia de Eusebio Calonge,  representa un viaje infinito en la historia y que sin embargo transcurre en el corto espacio que va de un camerino al escenario.

Manual para armar un sueño es la historia imaginaria de un personaje en el fondo del espejo. Frente a él, un actor que ha ido envejeciendo, maquillando su derrota, sus ilusiones... En mitad de ese desengaño, con sus postreras fuerzas, saldrá a irradiar esperanza al escenario. Aliado con su personaje removerá con su zaranda en las entrañas del teatro, topándose con sus vicios y virtudes, para buscar la alegría del reencuentro con el teatro.

Son Francisco Sánchez, Gaspar Campuzano y Enrique Bustos, los tres actores clásicos de La Zaranda, quienes interpretan esta obra, en la que se pone en tela de juicio la bajada a los infiernos y el intento de salir de allí de dos actores que pasaron por la vida sin pena y apenas gloria y cuyos veteranos personajes intentan transmitir al público la travesía que les ha llevado hasta el otro lado del espejo a través de un  lenguaje único y con la personal línea satírica, irónica y humana que tanto caracteriza a La Zaranda, una de las compañías más interesantes de la escena española.

Con un montaje sencillo en el que se conjugan mínimos elementos, nuestros personajes consiguen dar vida a los suyos, recordando a figuras como Segismundo en pequeñas remembranzas de La vida es sueño, o a un Don Quijote y un Sancho que cabalgan a lomos de sendas borriquetas. Con la tentación constante del diablo que les sopla al oído y que tampoco es mucho más que un diablo cojuelo al que le faltan tablas, van recorriendo caminos y abriendo puertas sin saber muy bien a donde les llevan éstas pero que a los espectadores les proporcionan un disfrute seguro durante aproximadamente hora y media. 

© C. Meléndez

La obra es una coproducción de La Zaranda con la colaboración del Teatro Español de Madrid, Teatre Romea de Barcelona y el Teatro de Rojas de Toledo.

Fotos Escena © María Cortés Rico

RUN BABY RUN. UN ALEGATO CONTRA LA DISCRIMINACIÓN FEMENINA EN EL MUNDO DEL DEPORTE

 

Meninas Teatro es la compañía y productora teatral de la creadora gallega Fátima Delgado y en la obra que se representa en el Teatro Español aborda la discriminación de género dentro del deporte. Dirigida por Jana Pacheco, Run baby run está inspirada en los casos reales de algunas atletas que han sufrido discriminación de género dentro del deporte. Ambientada en el Carnaval gallego plantea una reflexión sobre cuánto se puede llegar a luchar por cumplir tu sueño estando en juego el traicionar tus propios principios y renunciar a tu verdadero ser. 

El deporte está marcado por las instituciones, la política y la sociedad en que vivimos y por tanto reproduce las jerarquías, roles y estereotipos vinculados a ellas. Desde la puesta en escena el propósito es reflexionar sobre la aceptación social de la diversidad de los cuerpos, que cuestiona el binomio hombre-mujer, masculino-femenino, lo normativo en cuanto al cuerpo de la mujer, a lo que se entiende como “femenino” y, por tanto, pone en tela de juicio las categorías deportivas.

Alba Loureiro interpreta a una atleta de éxito que lucha por conseguir la victoria y entrena duro para ello. Es la favorita al podio, pero su carrera se verá truncada por un hecho inesperado. Unos meses antes de los Juegos Olímpicos, la deportista es apartada de la competición oficial. Para Alba correr es respirar y, en ese momento, su mundo se desmorona. Junto a Alba Loureiro estarán como compañeros de reparto, Camila Bossa en el papel de la entrenadora y apoyo para la atleta y Celina Fernández Ponte y Daniel Méndez, que interpretan varios papeles. 

© C. Meléndez

La obra que se representa en la Sala Margarita Xirgu, estará en cartel hasta el 24 de marzo.

Fotos de escena ©María Cortés Rico