LOS AMIGOS DE ELLOS DOS, CRÓNICA DE UNA DEPENDENCIA

Se abre el telón: Una pareja de mediana edad, clase media, con estudios superiores ( un abogado y una psicóloga), y profesionalmente asentados, espera la llegada de unos amigos en un reservado de un restaurante, con una mesa sin montar y sin que ningún camarero se acerque en ningún momento a preguntar que quieren tomar. Afuera se oye el ruido de otros clientes. 

La llegada de “los amigos de ellos dos”, que son quienes han escogido el lugar donde cenar, bastante retirado del centro de la ciudad,  se demora. Esta cena forma parte de un ritual que lleva produciéndose todos los jueves desde hace más de 12 años y el hecho de que los amigos lleguen tarde es al parecer habitual. Aquí comienza un diálogo en el que irán surgiendo una serie de reproches, hacia la pareja ausente, pero también entre ellos. Esas pequeñas cosas que nos vamos guardando durante muchísimo tiempo y que de repente rebosan de la caja en la que estaban guardadas. 

Las personalidades de Eli (Malena Alterio) y Nicolás (David Lorente) son muy diferentes. Eli está encantada con su vida tal y como la vive. Para ella sus amigos son lo mejor que les ha pasado en la vida y tiene una dependencia total de los mismos, se siente una privilegiada al poder contar con unas personas que son mejores que ellos dos, más guapos, más inteligentes, más divertidos, con un gran éxito social y que además les han elegido a ellos para compartir su tiempo. 

Nicolás, también tiene una gran dependencia de sus amigos pero empieza a estar harto de ellos, de su falta de consideración al llegar siempre tarde, de que siempre les superen en todo y no duden en recordárselo siempre que tienen ocasión, de que en realidad ellos les importen muy poco. 

El tiempo va transcurriendo y los ruidos del exterior se van amortiguando hasta que cesan por completo. El teléfono de Eli empieza a emitir mensajes de WhathsApp y llega el desenlace, en parte esperado y en parte extraño. El espectador deberá decidir por sí mismo como interpretarlo. 

Se cierra el telón. Y resuenan los aplausos, porque realmente tanto Malena Alterio como David Lorente están estupendos en sus respectivos papeles de esta obra escrita por Daniel Veronese y Matías del Federico y dirigida por el primero, en la que los actores se mueven en un escenario sencillo pero eficiente, aunque  que tal vez habría necesitado de un espacio más pequeño, más íntimo. El diseño de escenografía y vestuario es de Elisa Sanz. 

La obra coproducida por Producciones Off, Vania y el Teatro Español, estará en la sala Max Aub de Naves del Español hasta el 16 de junio. Tiene una duración de 1 hora y 15 minutos.

CLUB CANIBAL NOS DA INSTRUCCIONES PARA SOBREVIVIR EN LO OSCURO

 

El Gobierno quiere cerrar el pozo que es la fuente de riqueza de Villanueva, un pequeño pueblo en las fronteras de un gran Parque Natural. 

Pero Julián, el alcalde recién elegido, piensa cumplir lo que prometió a los vecinos de su pueblo: el pozo será legalizado por mucho que el Gobierno o la Unión Europea insistan en el dichoso cambio climático y en cómo los cultivos de caqui están secando el Parque Natural. Una mentira que solo quiere favorecer a los pájaros y las alimañas que se comen sus sembrados. 

Pero por mucho que lo intenta, Julián no consigue encontrar la vía administrativa para legalizar el pozo, así que urde un plan para que la extracción de agua del Parque Natural sea intocable, recuperar lo que pasó hace mucho tiempo donde hoy está el pozo: una aparición mariana. 

Así que, por gracia y obra de la Virgen María, el agua que mana del pozo se convierte en Agua Santa. Y el lugar, en un sitio de peregrinación lejos de las garras del Gobierno. Pero quizás el agua del Parque, como dicen algunos, no sea infinita…

Partiendo de esta premisa el Club Canibal, la  compañía teatral formada por Vito Sanz, Font García, Juan Vinuesa y Chiqui Carabante, desarrolla un humor negro neorrealista que entronca con la tradición cómica española, de Gila a Berlanga.

Instrucciones para sobrevivir en lo oscuro le sirve a la compañía para abordar temas como el populismo, el negacionismo, la religión y la idiosincrasia y el carácter de nuestro país, siempre a través de personajes pintorescos como el alcalde de Villanueva, que intenta salvar a su pueblo, pero poco a poco se irá convirtiendo en un hombre populista y víctima de su propio castigo

La obra que se ha estrenado en la Sala Max Aub de Naves de Español en Matadero, estará en cartel hasta el 7 de abril y contará en su reparto con Font García, Vito Sanz y Juan Vinuesa, así como con Pablo Peña que además de encargarse de la composición musical ejecutará sus composiciones en directo. La dirección y la dramaturgia son de Chiqui Carabante y el diseño del espacio escénico de Walter Arias. 

Chiqui Carabante, Pablo Peña, Font García y Juan Vinuesa © C. Meléndez

FOTOS DE ESCENA: © Vanessa Rabade

VANIA AL CUADRADO

 

Uno se pregunta si no estaremos un poco locos para ver dos funciones consecutivas de una misma obra interpretadas por los mismos actores, porque al fin y al cabo de eso se trata Vania x Vania, de un dos por uno, aunque no sea exactamente lo mismo. 

La Sala Arrabal de Naves del Español ha puesto en escena un programa doble de la obra de Chéjov dirigido por Pablo Remón, que también es el autor de ambas adaptaciones, y que es una coproducción del Teatro Español y el Teatro Kamikaze. El experimento consiste  en representar dos versiones nuevas y originales de Tío Vania planteadas de forma diferente. Con diferentes estilos, diferentes escenografías e iluminación y tres puntos de localización diferentes, porque aunque sean dos las versiones, en la segunda se plantean dos lugares alternativos y tan alejados entre sí como puede ser un lugar indeterminado de Rusia en el siglo XIX y un pequeño enclave rural de la meseta castellana en la actualidad. 

Los espectadores que se acerquen hasta Las Naves con la intención de asistir a la representación, podrán hacerlo de forma individual, eligiendo una u otra función o bien optar por un abono a precio reducido que les permita ver ambas, también pueden hacerlo en días separados e indistintamente podrán elegir una antes que la otra alternativamente. Mi consejo es que vean las dos una a las seis y la otra a las ocho y media de la tarde, primero porque no todos los días podemos empaparnos de la sabiduría de un autor como Chéjov y en segundo lugar porque es interesante contraponer ambas versiones y ver la capacidad de los actores para transmutarse de una a otra.

Javier Cámara es Tío Vania y junto a él nos encontramos a Juan Codina (Alexander), Israel Elejalde (Astrov), Manuela Paso (Marina) y las ganadoras ex aequo del Premio Max 2023 a Mejor Actriz Marta Nieto (Elena) y Marina Salas (Sonia). El diseño del espacio escénico es de Mónica Boromello, el de iluminación de David Picazo, el de vestuario de Ana López  y el de sonido de Sandra Vicente. 

A partir de aquí como dicen algunos, para gustos los colores. A mí particularmente me ha gustado mucho la primera representación, en la que la austeridad del escenario, o la falta de él, toda la obra se sustenta en seis sillas, me da la sensación de que amplifica los diálogos, de tal manera que toda la fuerza de la obra recae en las palabras y en el manejo que de ellas hacen los actores, que dicho sea de paso están geniales en ambas representaciones. 

Si tuviera que ponerle alguna pega, quizás, me da la impresión de que el final podría acortarse un poco, esa última escena entre Sonia y Tío Vania queda algo larga, pero después de las cuatro horas y media, incluido el intermedio, que permaneceremos allí tampoco tiene mucha importancia. 

Israel Elejalde, Manuela Paso, Javier Cámara, Marina Salas, Pablo Remón, Juan Codina y Marta Nieto

Vania x Vania permanecerá en cartel hasta el 7 de abril. 

Fotografías de escena ©Vanessa Rabade

EL PERRO DEL TENIENTE UNA OBRA CON DOS ROMBOS

El perro del teniente que se está programando en estos días y hasta el 10 de marzo en Naves del Español, es una obra que trata sobre el poder y también sobre el dolor, que no dejan de ser las dos caras de una misma moneda, porque todo poder ejercido por unos acaba provocando dolor en otros. 

Los que ya tengáis algunos años, bastantes, tal vez recordéis que cuando en la televisión aparecían en pantalla dos rombos al principio de la emisión de un programa nuestros padres nos mandaban a la cama. Hoy en día los dos rombos se han sustituido por una especie de advertencia que nos dice que lo que vamos a ver contiene, tabaco, alcohol, drogas, sexo o violencia, o una mezcla de todas ellas. El perro del teniente es una de esas obras que generaría dicha advertencia, no en vano se desarrolla en un burdel. Pero es algo mucho más profundo, es la historia de un joven que no ha podido olvidar su primer amor de adolescencia y que cree reencontrarle en una prostituta que se parece a ella y que tal vez o tal vez no sea ella. 

Es también la historia de otro hombre, un soldado, que admiraba a su teniente hasta el punto de convertirse en su fiel sirviente, en su perro, y al que los acontecimientos le llevan a sentirse decepcionado, traicionado. Es éste el hombre que ejerce el poder y que juega con la vida de los demás personajes, el joven, la prostituta y la madame, no porque eso alivie su dolor, sino porque le excita. Le excita sexualmente pero sobre todo le excita el saberse poseedor de sus voluntades, el saber que puede manejarlos a su antojo. Él es el poder y al poder le gusta el dolor, el dolor de los demás. 

El perro del teniente que está basada en la obra de Josep M. Benet i Jornet, ha sido llevada a escena  bajo la dirección de Pilar Valenciano y está protagonizada por Beatriz Argüello, Fernando Delgado-Hierro, Roberto Enríquez y María Ramos.

“Benet i Jornet es un dramaturgo muy interesante porque bebe del realismo de autores como Buero-Vallejo, Arthur Miller o Eugene O'Neill, pero con una estética cercana a Harold Pinter por su fragmentación de planos temporales, logrando un juego dramatúrgico muy interesante y atractivo”, explica la directora, Pilar Valenciano. “El perro del teniente es una historia acerca de cómo se ejerce el abuso de poder sobre los más vulnerables, y de cómo un encuentro provocado en un burdel despierta traumas que en principio parecían olvidados”.

Josep M. Benet i Jornet (Barcelona, 1940 – Lleida, 2020) está considero uno de los dramaturgos más reconocidos de la escena española y uno de los principales renovadores del teatro catalán. Escribió más de 40 piezas teatrales −algunas de ellas adaptadas al cine por el recientemente fallecido Ventura Pons−, traducidas a una docena de idiomas, que recogen las preocupaciones cotidianas de la sociedad. A lo largo de su vida, Benet i Jornet recibió numerosos reconocimientos, entre ellos el Premio Nacional de Teatro (1995) y el Premio Max de Honor (2010).

Roberto Enríquez, Beatriz Argüello, Pilar Valenciano, Fernando Delgado-Hierro y María Ramos

LAUTARO PEROTTI ESTRENA NUESTROS ACTOS OCULTOS EN NAVES DEL ESPAÑOL CON UN REPARTO DE LUJO

 

Mañana día 16 y hasta el 3 de febrero se podrá ver, si es que encuentras entradas, la obra escrita y dirigida por el argentino Lautaro Perotti. Una historia en clave de suspense que habla de relaciones familiares rotas y de soledades encontradas. Las de sus tres protagonistas, cada uno de ellos con sus traumas a cuestas y con el dolor de no haber recibido de la vida lo que esperaban. 

Nuestros actos ocultos es la historia de Azucena (Carmen Machi), una pianista frustrada y alcohólica que nunca quiso ser madre y que no termina de aceptar su temprana enfermedad. Ella acude junto a Patri (Santi Marín) un joven con limitaciones físicas a quien acoge come si fuera su propio hijo y es su fiel acompañante, a la llamada de su hija Elena (Macarena García), responsable de un trágico acontecimiento, para huir en un viejo auto por las carreteras perdidas del país. Lo que comienza como una huida desesperada, con las horas se trasforma en un encuentro profundo entre personas que se necesitan, pero que no se conocen, y que los llevará a hacer cosas inesperadas.  

En palabras de su autor y director, Lautaro Perotti, esta es “la historia de tres soledades, de tres personas que no pudieron, no supieron o no quisieron construir un entorno, unos vínculos y unas relaciones afectivas fuertes”, explica.  También nos cuenta que aunque él es el autor de la obra, ésta se ha terminado de gestar durante las lecturas y los ensayos con la colaboración de los intérpretes y que sus aportaciones han contribuido a engrandecer la trama. 

Nuestros actos ocultos, aborda temas como la familia, la maternidad y la enfermedad, pero también el amor mal gestionado y el talento desperdiciado, la envidia, el maltrato psicológico y el dolor, el de cada uno y el que podemos infligir a los demás.   “Sobre todas las cosas, Nuestros actos ocultos habla de la búsqueda del amor, de si uno es capaz de construir y descubrir cuál es su manera de familia, de pareja, de vínculos, y animarse a descubrirlo con todo el riesgo que eso implica”, cuenta el director.

El montaje ha sido realizado a modo de ágora, con un espacio central en el que se desarrolla la historia, mientras los actores se dirigen a uno y otro lado del público que se enfrenta como en un espejo. El suelo juega un papel primordial en la representación ya que será allí donde se verán reflejados los lapsos temporales pues la obra se desarrolla hacia delante y hacia atrás para contarnos lo que ha sucedido y lo que está sucediendo.  

Hay que subrayar la profesionalidad y magnífica interpretación de todo el elenco. Carmen Machi borda su papel, dramático pero con un tono de humor negro, que llega a levantar algunas sonrisas del público que sirven para aliviar la tensión en determinados momentos. Macarena García nos hace sentir todo el dolor que lleva dentro su personaje y lo hace de un modo impecable. Y Santi Marín está inmenso interpretando un personaje nada fácil y lleno de ternura que intenta lograr que los demás sean, sino felices, siquiera menos desgraciados. 

Fotografías de escena: ©Vanessa Rabade

LAS LOCURAS POR EL VERANEO DIRIGIDA POR EL NUEVO DIRECTOR DEL TEATRO ESPAÑOL SE REPRESENTA EN NAVES DEL MATADERO

 

Las locuras por el veraneo es una comedia de enredo a la antigua usanza, no en vano fue escrita a mediados del siglo XVIII por Carlo Goldoni el renovador de la Commedia dell'Arte. En esta ocasión la obra ha sido adaptada y dirigida por Eduardo Vasco, quien en breve asumirá las funciones de director del Teatro Español. 

La obra se representa en la sala Max Aub (Nave 10) de las Naves de Matadero, que tras la reforma surgida en el seno del Teatro Español queda como un ente  independiente de cuya dirección y proyectos se hará cargo Luis Luque, director de escena, docente y, desde el año 2019, director adjunto artístico del Teatro Español y las Naves. La representación estará en las Naves hasta el 28 de enero. 

El veraneo se encuentra entre las actividades sociales irrenunciables de las familias de Livorno y los preparativos de última hora resultan vertiginosos, ya que nadie quiere quedarse a pasar los calores estivales en la ciudad. El destino soñado son las apacibles villas de la Toscana (Montenero) y, cómo no, todo el ocio y las diversiones que el campo ofrece. ¡La vida no se entiende sin esta temporada de indolencia y descanso!

Pero la rivalidad y los celos encienden los ánimos durante los días previos a la partida, y aunque la cortesía reina entre las familias burguesas de la ciudad, una enloquecida competencia hará saltar todo por los aires. Leonardo y su hermana, pese a estar endeudados hasta las cejas y contar con muy pocos recursos, no se van a resignar a quedarse sin vacaciones y, sobre todo, teniendo en cuenta que la familia de su vecino Filippo, y su bella hija Giacinta, lo tienen todo a punto para partir hacia un verano de ensueño.

Dos familias desatadas en una competición de apariencias se encontrarán inmersas en un buen número de situaciones cómicas que conseguirán que el espectador disfrute de una gran comedia al tiempo que reflexiona sobre algunos de los valores de entonces que, todavía hoy o quizás hoy más que nunca, condicionan nuestro comportamiento como ciudadanos.  Aparentar, ser reconocidos, quizás se hagan de un modo diferente pero no deja de ser lo que cada día vemos en las redes sociales  en donde lo más importante es el número de seguidores aunque no se conozcan de nada. 

De izquierda a derecha: Jesús Calvo, Alberto Gómez Taboada, José Ramón Iglesias, Celia Pérez, Rafael Ortiz, Elena Rayos y Eduardo Vasco © Conchita Meléndez

La adaptación que ha llevado a cabo Eduardo Vasco pone a los actores y actrices a cantar y a bailar sobre el escenario y moderniza los diálogos con temas actuales en los que Giacinta bien podría pertenecer a algún colectivo feminista, porque como bien se encarga de decir su criada, ella es muy “Contemporánea”. 

Acompaña a la puesta en escena el buen hacer de Carolina González, quien se ocupa del Diseño de espacio escénico y atrezzo, la iluminación de Miguel Ángel Camacho y un acertadísimo vestuario diseñado por Lorenzo Caprile. 

El elenco está compuesto por :

Rafael Ortiz             (Leonardo, caballero) 

Elena Rayos              (Giacinta, hija de Filippo) 

José Ramón Iglesias         (Ferdinando, parásito) 

Mar Calvo    (Vittoria, hermana de Leonardo) 

Alberto Gómez Taboada   (Guglielmo, caballero) 

Jesús Calvo           (Filippo, anciano y jovial) 

Celia Pérez   (Fulgencia, viuda con ínfulas de celestina) 

Manuel Pico             (Paolo, criado) 

Anna Nácher      (Brigida, criada)

Las fotografías de escena han sido realizadas por Vanessa Rabade.

LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA ACTUARÁ EN LAS NAVES DEL ESPAÑOL BAJO LA DIRECIÓN DE JOAQUÍN DE LUZ

La Compañía Nacional de Danza que dirige Joaquín de Luz,  estará desde el 7 hasta el 12 de noviembre  en la Sala Fernando Arrabal de las Naves del Español en Matadero, para interpretar cuatro piezas de las cuales una es un estreno absoluto. 

El programa con una duración que no llega a dos horas, está ideado para agradar a todos los amantes del ballet ya que cada una de las cuatro piezas que lo componen es diferente, tanto en música como en ejecución, y todas ellas están llenas de emoción y maestría. Desde las influencias del barroco en Morgen, a los cuartetos de Arriaga o los vibrantes compases del jazz en Swoosh el espectador quedará atrapado tanto por la música como por la gracilidad de los bailarines. 

Morgen, la primera de las piezas, con coreografía de Nacho Duato y música original de Pedro Alcalde, representa una lucha contra el suicidio, Es un signo de esperanza que representa que la vida puede continuar, que anima a estas personas a seguir adelante. El ballet está basado en un poema de Dorothy Parker  titulado Resumé. El poema consta de ocho versos cortos. Los siete primeros hacen referencia a los inconvenientes de 7 formas de suicidarse y el octavo y último indica que también se podría vivir. 

Por su parte Kübler-Ross representa la teoría de las cinco fases del duelo de la psiquiatra Elisabeth Kübler-Ross, uno de los modelos psicológicos más célebres del mundo. Estos cinco estadios son la negación, la ira, la negociación, la depresión y la aceptación, y tienen lugar en mayor o menor grado siempre que sufrimos una pérdida. 

La increíble María Kochtkova y Joaquín de luz constituyeron el primer elenco de este dúo creado por el coreógrafo Andrea Schermoly, con música de Antonio Vivladi (Andante del Concierto para violín en Si bemol Mayor RV583)

La tercera pieza, con coreografía de Joaquín de Luz es un estreno absoluto de la Compañía Nacional de Danza. Swoosh alude al sonido de un movimiento repentino en el aire o en el agua. La coreografía estructurada en tres escenas presenta inesperados y fugaces encuentros de extraños en una ciudad tan trepidante como Nueva York. La personalidad de cada personaje la representa un instrumento de Jazz. 

El programa lo cierra Arriaga, de Mar Aguiló, Pino Alosa y Joaquín de Luz, con una coreografía coral a seis manos sobre música del bilbaíno Juan Crisóstomo Arriaga, máximo exponente ibérico del clasicismo musical tardío. Se trata de un homenaje a su figura y su obra musical en su corta pero prolífera vida artística.

Las piezas que se han seleccionado para representar han sido:

Cuarteto n.º 1 re menor: III. Menuetto: Allegro-Trio: Più moderato,

Tema variado Op. 17: Andante, Variation 1, 2, 3, 4, 5, 6 y variation largo

Cuarteto no. re menor: II. Adagio con espressione

Cuarteto n.º 1 re menor: IV. Adagio-Allegretto

Que son interpretadas por 2 violines, 1 viola y 1 violonchelo.

Joaquín de Luz se formó en la escuela de Víctor Ullate y es director de la Compañía Nacional de Danza desde Septiembre del 2019, tras un proceso de selección al que optaron otros trece candidatos. De Luz ha sido estrella del New York City Ballet durante casi 15 años y ha bailado con las formaciones internacionales más reputadas.

Todas las fotografías de este artículo han sido cedidas por la oficina de prensa del Teatro Español y tienen copyright de su autora Albirú Muriel. 

MATARILE PRESENTA EN NAVES DEL ESPAÑOL SU NUEVO ESPECTÁCULO, FRÁXIL. HANDLE WITH CARE, PIEZA FINAL DE SU TRILOGÍA DE LA FRAGILIDAD

 

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

La directora artística del Teatro Español y Naves del Español en Matadero, Natalia Menéndez, ha presentado esta mañana Fráxil. Handle with care, obra de la compañía Matarile, con texto y dirección de Ana Vallés, que podrá verse desde el próximo 30 de junio y hasta el 16 de julio en la Sala Max Aub de Naves del Español en Matadero, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid. Esta obra es la última parte de la Trilogía de la fragilidad de la compañía Matarile y está protagonizada por Celeste González, Claudia Faci, Antón Coucheiro, Alfredo Pérez y Pau Cólera.

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

Tras la lucha contra el caos que se planteaba en la primera parte, El diablo en la playa (2020), y la decisión de entrar en lugares a la que invitaba INLOCA (2022), Vallés reflexiona en esta ocasión junto a su equipo sobre una Europa desde la que ya no se escribe la historia, al tiempo que aborda “la fragilidad del paseo, del que pasa, del que huye, de la conversación peregrina que nos lleva, buscando algo de un lugar a otro”. Se entiende esta obra, que en realidad es una obra coral en la que todos los participantes aportan textos propios y miradas propias, como una fragilidad del cuerpo, de cuerpos que buscan otros cuerpos, pero también como algo más, una forma de recuperar lo que para la autora es la esencia del teatro, la presencia desnuda de unas personas que se muestran en toda su vulnerabilidad.

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

Aunque se ha optado por la sencillez al realizar el montaje, Fráxil transforma el espacio con apenas unos pocos recursos: los cuerpos, las luces y las sombras que los envuelven y el sonido exterior que los acompaña. Para Ana Vallés el sonido es muy importante, ha comentado que no soporta los silencios en el escenario porque en la vida el silencio no existe. El agua, siempre presente y cambiante, la luz, el vídeo de proyectores que deforman la arquitectura, el claroscuro, la voz sin cuerpo, las sombras o la música que no siempre acompaña a la danza, entre otros recursos, son algunos de los elementos que configuran esta pieza.

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

Imagen cedida por el Teatro Español © Rubén Vilanova

En la presentación han acompañado a la directora dos de los integrantes que componen el elenco, Celeste González y Claudia Faci, quienes han explicado la forma en que se han visto implicadas en la elaboración del proyecto desde la idea original y lo que cada una de ellas han aportado al resultado final. 

Natalia Menéndez y Ana Vallés © Conchita Meléndez

Claudia Faci, Ana Vallés y Celeste González © Conchita Meléndez

La función de Teatro Accesible de Fráxil. Handle with care tendrá lugar el viernes 7 de julio.

 

Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años.