LA VOZ HUMANA / LA ESPERA

Rossy de Palma, Ermonela Jaho, Malin Byström

Entre el 17 y el 28 de marzo el Teatro Real ofrecerá seis funciones de una nueva producción, con dirección de escena de Christof Loy, que enlaza dos óperas para soprano y orquesta -La voz humana (con libreto de Jean Cocteau y música de Francis Poulenc) y La espera (con libreto del Marie Pappenheim y música de Arnold Schönberg)- y un monólogo teatral, Silencio, creado expresamente para la ocasión por Rossy de Palma y Christof Loy. La dirección musical corre a cargo de Jerémie Rhoer. 

LA VOZ HUMANA

Tragedia lírica en un acto que reflexiona sobre la soledad, el amor no correspondido y la lucha interna de una mujer que intenta desesperadamente mantener una conversación telefónica con su amante, el cual la ha abandonado y está a punto de casarse con otra mujer. En un primer momento ella finge indiferencia y juntos rememoran los buenos momentos del pasado, pero finalmente cae en una profunda desesperación y se derrumba sobre el lecho cuando acaban de hablar.  

Música de Fancis Poulenc

Libreto de Jean Cocteau

Personajes:

La mujer, Ermonela Jaho

Marthe, Rossy de Palma

LA ESPERA

Ópera de un solo acto que narra el monólogo que se enfoca en las premoniciones, las dudas y esperanzas de una mujer que se adentra en el bosque en busca a su amante. Mientras atraviesa claros de luna y veredas, reflexiona sobre su relación y la pasión que les une hasta que le encuentra muerto, lo cual hace que ella experimenta una serie de emociones intensas y perturbadoras.

Música de Arnold Schönberg

Librero de Marie Pappenheim

Personajes:

La mujer, Malin Byström

El hombre, Gorka Culebras

SILENCIO

Como nexo entre ambas óperas, Rossy de Palma estrenará el monólogo Silencio, creado por ella misma y el director de escena, Christof Loy. Una invitación poética a recorrer los diferentes estados del amor y el desamor. Un momento de silencio y, al mismo tiempo, un impulso para romperlo.

Una mujer busca el amor, si bien, en un principio, solo recuerda dolorosos momentos de rechazo de su amado. No obstante, tras unos instantes de reflexión (¿o tal vez sean años?), es capaz de encontrar de nuevo el amor y redefinirlo. 

Rossy de Palma, Chistof Loy, Ermonela Jaho, Malin Byström y Jerémie Rhoer 

JOSEP MARÍA POU ES "EL PADRE"

 

Desde ayer día 13 de marzo se puede disfrutar en el Teatro de Bellas Artes  quizás la obra más significativa de Florian Zeller, “El Padre”. Es ésta una obra que habla de vejez, de olvido, de dolor, de la perdida de la propia identidad y de cómo afecta este hecho en el círculo más próximo de la persona aquejada por esa terrible enfermedad que es el Alzheimer. 

El autor de la obra clasifica ésta de farsa trágica y hasta cierto punto tiene razón porque cualquier comedia puede tener su punto de tragedia y en cualquier tragedia se pueden dar momentos cómicos, lo que yo me pregunto es si Florian Zeller ha vivido una situación así con alguien cercano a él. Yo sí, y se me hace difícil entender la forma de ver y tratar el tema por parte del autor, digamos que me resulta irreal, aunque el teatro no tiene porqué ajustarse a la realidad. 

Las situaciones ambiguas, muchas veces contradictorias, las réplicas mordaces, los personajes duplicados, cambiantes, y por encima de todo la duda de si lo que realmente sucede es lo que dice la familia  o es lo que siente el padre, producen una de las obras más  apasionantes y profundas del teatro contemporáneo. En eso estoy de acuerdo, lo que no me parece es que sea divertida. Entendámonos, no es lo mismo ver los toros desde las gradas que desde el ruedo. Para quienes nos hemos vistos inmersos en el terrible drama de ver desdibujarse a nuestros seres queridos, es difícil que el tema nos haga reír o tan siquiera sonreír. 

© C. Meléndez

De lo que no me cabe la menor duda es de que todos y cada uno de los actores que han interpretado esta obra han sido de lo mejor de cada casa. El Padre fue estrenada en 2012 en el Théâtre Hébertot, en París, con el actor Robert Hirsch. En el cine, en la versión dirigida por el propio Florian Zeller en el año 2020 fue interprtada por un grandísimo Anthony Hopkins, en España en el 2016 José Carlos Plaza dirigió a un no menos grandísimo Hector Alterio y ahora le toca el turno a Josep María Pou, de quien no hace falta hablar de su calidad como actor, algo que todo el mundo conoce de sobra y que podrá comprobar al verle sobre el escenario interpretando este soberbio personaje. La dirección corre a cargo de Josep María Mestres y en el elenco se encuentran Cecilia Solaparen, Elvira Cuadrupani, Jorge Kent, Alberto Iglesias y Lara Grube. 

© C. Meléndez

El Padre es la historia de Andrés, un hombre que se está perdiendo en el laberinto de sus recuerdos, pero que se resiste a soltar las riendas de su vida, y de Anna, esa hija que asume la situación con responsabilidad y cariño, pero que tampoco quiere renunciar a su propia existencia. El autor nos cuenta la historia desde dentro, para que transitemos por el laberinto de incertidumbre que experimenta Andrés, para que veamos lo que él ve o imagina, para que vivamos lo que está pasando en su universo, que ahora también es el nuestro. En el viaje constante de idas y venidas que representan los hechos que suceden o que Andrés imagina que suceden hay una cierta perdida, no solo de memoria o de realidad, también es una pérdida de consciencia tanto para el personaje como para el espectador que contempla la escena sin saber muy bien que es lo que está sucediendo, que es real y que no lo es. Quizás en eso reside la grandeza de la obra de Zeller, pero a ratos cuesta asumir lo que ocurre en el escenario. Como dice Sergi Doria en su crítica de ABC, El Padre es “Pura y dura materia emocional.”

TODAS LAS HIJAS, UNA HISTORIA BASADA EN LOS TESTIMONIOS REALES DE LAS ACTRICES

 

Todas las hijas es la historia de cinco actrices. Es el cuento de sus vidas. Cinco mujeres hablan, porque necesitan hablar, de cómo han llegado hasta aquí, de cómo han vivido sus vidas y su arte y de porqué en el fondo del pecho, entre el corazón y el pulmón, donde se siente y se respira, hay una inquietud. A lo mejor es dolor, o sólo miedo, o es la edad, o la soledad, o el amor que también duele a veces, o una risa atravesada. Pero todas se acuerdan de su madre, por eso todas son las hijas.

“Una mujer camina sola de noche. Oímos sus pasos, la vemos caminar, agarrar su bolso, mirar hacia atrás con inquietud. En un momento dado, la mujer, aterrada, se queda quieta.” En realidad esa mujer baja las escaleras del teatro y se dirige al escenario, allí tras una escenografía que las envuelve como si se tratara de un útero la esperan las demás. La estructura se abre y comienza el espectáculo, las confesiones, la metamorfosis, la exorcización. 

Cinco actrices están ensayando una obra escrita hace más de ochenta años, ya lo han hecho antes, la obra es una historia conocida, pero algo las impele a desnudarse anímicamente, a narrar sus propias historias que de algún modo podrían ser parte de la propia obra. La obra se apodera de ellas, haciéndoles sentir de nuevo sucesos vividos y olvidados. El pasado siempre vuelve y esta noche es tan buena como otra cualquiera para echar fuera sus demonios. 

Según Andrés Lima, su director: “Todas las hijas es una obra de terror. Una madre posesiva arrastra a su hija a la locura. El miedo a cerrar los ojos y soñar. El recuerdo infantil de un abuso. La pesadilla de una relación marcada por la violencia. No dormir, no comer, convertirse en un fantasma, en un vampiro, en un monstruo.

Todas las hijas es el relato de 5 mujeres valientes sobre su propia vida. “Todas las hijas” es el exorcismo del miedo para superar el miedo. 

Todas las hijas es un juego que a veces puede ser muy peligroso y a veces muy divertido. 

Todas las hijas es jugar, es temer y es luchar. Pelear y reír. Es un viaje por los miedos femeninos.”

El Teatro Fernán Gómez acaba de estrenar Todas las Hijas, una obra dirigida por Andrés Lima que estará en cartel en la sala Guirau hasta el 31 de marzo. Con texto de David Caiña, a partir de una idea original de Gemma Martínez,  e interpretada por Gema Martínez, Sol Maguna, Goizalde Núñez/ Maribel Salas (ambas se turnan para interpretar el papel), Vito Rogado y Pilar Matas. 

Andrés Lima ha creado la dramaturgia a partir de los testimonios reales de las actrices, sus vivencias, sus deseos, sus miedos. Este exorcismo se ha desarrollado en talleres desarrollados durante año y medio.

Fotografías © C.Meléndez

LLEGA AL NUEVO TEATRO ALCALÁ EL DIVERTIDO E IRREVERENTE MUSICAL LOS PRODUCTORES

Los productores es un musical con libreto, música y letras de Mel Brooks, escrito en colaboración con Thomas Meehan. Está basado en la película homónima de 1967 y, al igual que esta, narra la historia de dos empresarios teatrales, Max Bialystock y Leo Bloom, que planean hacerse ricos produciendo el mayor fracaso de Broadway. La obra se caracteriza por un sentido del humor irreverente apoyado en acentos exagerados, caricaturas de personajes judíos, gays y nazis, y chistes sobre el propio mundo del espectáculo.

Max Bialystock, un productor de Broadway que está en la ruina tras el fracaso de sus últimas producciones, y Leo Bloom, un joven contable amante del teatro, sueñan con hacerse ricos con un plan sorprendente. Para conseguir su objetivo, tienen que producir el fracaso más grande de la historia del teatro musical y huir con el dinero de los inversores. Pero poner en marcha un auténtico desastre no es nada fácil. Tienen que encontrar el peor guion, el peor equipo de dirección, los peores actores y estrenar un show absolutamente espantoso. ¿Lo conseguirán?

La producción original de Broadway se estrenó en 2001, con Nathan Lane y Matthew Broderick en los papeles principales, y batió todos los récords al ganar doce premios Tony. A la puesta en escena neoyorquina le siguieron una réplica en el West End londinense, varias giras por Estados Unidos y Reino Unido, numerosos montajes internacionales y una adaptación cinematográfica en 2005. 

En Madrid, en el Teatro Coliseum, se estrenó en el 2006 una adaptación de Carlos Martín, Alfredo Díaz y Raquel Soto, que estuvo protagonizada por Santiago Segura y José Mota. 

Ahora llega de nuevo a nuestra ciudad después de haber triunfado en Barcelona esta extraordinaria y divertidísima comedia creada por Mel Brooks de la mano de Nostromo Live. El nuevo musical es la combinación perfecta de los dos últimos éxitos de la productora: tiene toda la diversión y comedia de la Jaula de las locas, y todo el estilo y glamour de Cantando bajo la lluvia. Protagonizado por un elenco de 24 actores y bailarines, una orquesta en directo, con 18 números musicales y una escenografía de gran formato a la altura de las producciones de Broadway y West End.

La dirección artística contará con Àngel Llàcer y Enric Cambray como directores de escena, Manu Guix y Gerard Alonso en la dirección musical y Miryam Benedited en la coreografía. En el reparto Armando Pita (Max Bialystock), Ricky Mata (Leopold Bloom), Àngel Llàcer (Roger de Bacle), Oriol Burés (Alterante de Roger de Bacle y Cover de Max Bialystock), Mireia Portas (Ulla), José Luis Mosquera (Fanz Liebkind), Bittor Fernández (Carmen Age-À-Trois), Clara Lanzani (Ensamble/Bailarina, Cover Ulla) y Alexandre Ars (Ensamble/Bailarín, Cover Leopold Bloom)

La obra estará en cartel únicamente tres semanas,  hasta el 28 de abril.

EL TEATRO DE LA ZARZUELA OFRECE DOS ÚNICAS FUNCIONES DE LA ÓPERA ‘GAL·LA PLACÍDIA’

El Teatro de la Zarzuela recupera la ópera ‘Gal·la Placídia’ de Jaume Pahissa, estrenada en 1913 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con dirección musical del propio compositor y repuesta en el mismo teatro en 1933, la escogida para este nuevo renacer, sacudiéndose así el abandono a que ha estado relegada durante casi un siglo. Será el próximo viernes 8 de marzo y el domingo 10 (20h00 y 18h00 respectivamente) en versión de concierto.

El libreto en lengua catalana, es del propio compositor sobre la obra homónima de Àngel Guimerà de quien se conmemora el centenario de su fallecimiento en 1924. La obra posee una partitura muy personal, con una orquestación magistral, y las cuitas de su argumento, basado en el personaje histórico de la Barcelona del siglo V Gala Placidia, giran en torno al amor, la traición y la venganza de sus protagonistas.

Concebida para diez personajes, cuatro de ellos son los fundamentales: Gala Placidia (soprano), Vernulfo (tenor), Ataúlfo (bajo) y Sigerico (barítono). Los otros son: Ledia, Velia, Varogasto, Celio, Marcio y un Caballero. Los cuatro primeros protagonizan la obra: Gala Placidia, romana, espiritual, orgullosa y altiva, descendiente de césares, y criada en la civilización y cultura romana que simboliza; también la catalana. Es la protagonista de la tragedia que concluye con su muerte. El rey Ataúlfo, noble, con cierta rudeza, y resabios de barbarie, pero con la grandeza de rey; la ama y muere asesinado. Sigerico, rudo y áspero, bárbaro; representa el odio a Roma. Vernulfo, ni bárbaro, ni romano, solo un hombre enamorado de Gala Placidia, es el autor del magnicidio.

Estos personajes serán interpretados por Maribel Ortega en el papel de Gal·la Placídia, Simón Orfila como Ataulfo, Antoni Lliteres es Vernulfo y Carles Pachón da vida a Sigerico. También participan la mezzosoprano Carol García como Llèdia, Carlos Daza como Vèlia, Mario Villoria como Cèlius, Ángel Rodríguez como Màrcius y Joaquín Córdoba como el Caballero. La dirección musical corre a cargo de Christoph König.

Como recuerda el profesor Casares, el estreno de ‘Gal·la Placídia’ fue un auténtico impacto en la cultura catalana. La prensa del momento recogía las numerosas noticias, discusiones y reflexiones provocadas por la obra. Unas palabras de un conocido crítico de la época, Adolfo Marsillach, en El Liberal, indican la transcendencia del estreno: “Gala Placidia es la ópera de un coloso de la música, la revelación de un genio musical destinado a escribir obras portentosas”.

Jaume Pahissa es una de las personalidades más destacadas de la creación musical española de la primera mitad del siglo XX, y, en opinión del  maestro de musicólogos Emilio Casares “uno de los más relevantes compositores de ópera que han existido en España.  ‘Gal·la Placídia’, uno de los siete títulos de opera del autor,   forma parte de una serie de obras que el Teatro de la Zarzuela viene recuperando de nuestra lírica y que fueron condenados por unas u otras razones al olvido. 

LA MADRE, DE FLORIAN ZELLER, SE ESTRENA EN EL TEATRO PAVÓN

 

La frase “Nada es verdad ni mentira, todo es según el color del cristal con que se mira”, del poema de Campoamor titulado Las dos linternas, sería una buena descripción para la obra LA MADRE de Florian Zeller, que se estrena hoy en el Teatro Pavón. 

Dirigida por Juan Carlos Fisher e interpretada por Aitana Sánchez-Gijón, en el papel de la madre, a la que acompañan Juan Carlos Vellido, Álex Villazán y Júlia Roch sobre el escenario, en una especie de viaje constante de ida y vuelta en el que todo lo que ocurre es o no es, como si del espejo de la Alicia de Lewis Carroll se tratara, la obra nos muestra la vida inútil y vacía de una mujer que no ha sido capaz de superar que sus polluelos abandonaran el nido y se siente sola, terriblemente sola. 

¿Puede una madre amar demasiado? ¿Existe un límite para ese amor? ¿Qué ocurre cuando un hijo crece y se va? 

Anne ha construido la vida alrededor de su hijo Nicolás y es incapaz de concebir una vida sin él. Su relación con su marido tampoco es lo que esperaba a estas alturas de convivencia y su hija es la gran olvidada, prácticamente inexistente para ella que no duda en afirmar que siente un amor mucho mayor por su hijo. Esta mujer se ve atrapada entre lo que le gustaría que ocurriera y lo que ocurre realmente, o no, tal vez todo gira en torno a su mente sin que se sepa a ciencia cierta cual es la realidad. 

¿Anne ha vivido para ella o para los demás? ¿Todo ha sido una ficción sin sentido? Las decisiones que ha tomado la persiguen. Hay tanto que quiere decir...

© Conchita Meléndez

Florian Zeller (París, 28 de junio de 1979) es un escritor y director francés que comenzó su carrera como novelista pero que rápidamente se convirtió en un dramaturgo famoso. Según el semanario francés L'Express, Florian es  junto con Yasmina Reza, el mejor dramaturgo francés  y según The Guardian  el autor teatral más apasionante de nuestra época. Lo que sí es seguro es que se trata  del dramaturgo francés vivo más representado fuera de Francia. En este momento se pueden encontrar en la cartelera española dos de sus obras, a parte de La Madre, que estará en el Teatro Pavón desde el 7 de marzo al 12 de mayo, el Teatro Bellas Artes ha puesto en cartel una de sus obras más conocidas, El Padre con Josep María Pou como protagonista. 

Fotografias de escena ©Bárbara Sánchez Palomero

VANIA AL CUADRADO

 

Uno se pregunta si no estaremos un poco locos para ver dos funciones consecutivas de una misma obra interpretadas por los mismos actores, porque al fin y al cabo de eso se trata Vania x Vania, de un dos por uno, aunque no sea exactamente lo mismo. 

La Sala Arrabal de Naves del Español ha puesto en escena un programa doble de la obra de Chéjov dirigido por Pablo Remón, que también es el autor de ambas adaptaciones, y que es una coproducción del Teatro Español y el Teatro Kamikaze. El experimento consiste  en representar dos versiones nuevas y originales de Tío Vania planteadas de forma diferente. Con diferentes estilos, diferentes escenografías e iluminación y tres puntos de localización diferentes, porque aunque sean dos las versiones, en la segunda se plantean dos lugares alternativos y tan alejados entre sí como puede ser un lugar indeterminado de Rusia en el siglo XIX y un pequeño enclave rural de la meseta castellana en la actualidad. 

Los espectadores que se acerquen hasta Las Naves con la intención de asistir a la representación, podrán hacerlo de forma individual, eligiendo una u otra función o bien optar por un abono a precio reducido que les permita ver ambas, también pueden hacerlo en días separados e indistintamente podrán elegir una antes que la otra alternativamente. Mi consejo es que vean las dos una a las seis y la otra a las ocho y media de la tarde, primero porque no todos los días podemos empaparnos de la sabiduría de un autor como Chéjov y en segundo lugar porque es interesante contraponer ambas versiones y ver la capacidad de los actores para transmutarse de una a otra.

Javier Cámara es Tío Vania y junto a él nos encontramos a Juan Codina (Alexander), Israel Elejalde (Astrov), Manuela Paso (Marina) y las ganadoras ex aequo del Premio Max 2023 a Mejor Actriz Marta Nieto (Elena) y Marina Salas (Sonia). El diseño del espacio escénico es de Mónica Boromello, el de iluminación de David Picazo, el de vestuario de Ana López  y el de sonido de Sandra Vicente. 

A partir de aquí como dicen algunos, para gustos los colores. A mí particularmente me ha gustado mucho la primera representación, en la que la austeridad del escenario, o la falta de él, toda la obra se sustenta en seis sillas, me da la sensación de que amplifica los diálogos, de tal manera que toda la fuerza de la obra recae en las palabras y en el manejo que de ellas hacen los actores, que dicho sea de paso están geniales en ambas representaciones. 

Si tuviera que ponerle alguna pega, quizás, me da la impresión de que el final podría acortarse un poco, esa última escena entre Sonia y Tío Vania queda algo larga, pero después de las cuatro horas y media, incluido el intermedio, que permaneceremos allí tampoco tiene mucha importancia. 

Israel Elejalde, Manuela Paso, Javier Cámara, Marina Salas, Pablo Remón, Juan Codina y Marta Nieto

Vania x Vania permanecerá en cartel hasta el 7 de abril. 

Fotografías de escena ©Vanessa Rabade