CAMINO AL ZOO LLEGA AL TEATRO BELLAS ARTES TRAS SU EXITOSA GIRA

 

Originalmente titulada Peter & Jerry, At Home at the Zoo (Camino al zoo) combina la clásica obra corta de Edward Albee The Zoo Story (1959) con su precuela, Homelife (2004).

Juntas, estas obras cortas forman una historia completa de Peter, un ejecutivo editorial; de Ana, su esposa; y de Jerry, un extraño que Peter conoce en el parque.

La obra comienza con Homelife y ofrece una mirada reveladora al inestable matrimonio de Peter y Ann, sus brutales intentos de comunicarse y la soledad dentro de su vida compartida. La tensión aumenta en el siguiente acto, The Zoo Story. Mientras lee en un banco de Central Park, un extraño se acerca a Peter y declara que ha "estado en el zoológico". El hombre, Jerry, comienza a contar una historia tras otra, profundizando en la vida de Peter e intentando usurpar, sin duda, su propio lugar en ese banco, en ese parque.

La obra está dirigida por Juan Carlos Rubio, que es también autor de la adaptación junto a Bernabé Rico, y está interpretada por Fernando Tejero (Peter), Ana Labordeta (Ana) y Dani Muriel (Jerry)

Una producción de: TALYCUAL, PENTACIÓN, LÁZARO Y LA ALEGRÍA y podrá verse en el Teatro Bellas Artes a partir del 12 de febrero. 

Edward Albee es, sin duda, una de las voces fundamentales no solo de la escena norteamericana, sino del teatro mundial. Poseedor de una enorme habilidad par transitar por temas delicados y punzantes, entre sus textos más conocidos podemos nombrar ¿Quién teme a Virginia Woolf?, que alcanzó enorme popularidad gracias a su adaptación al cine; Un frágil equilibrio; El sueño americano; Tres mujeres altas; Seascape o La cabra. Recibió tres veces el premio Pulitzer de teatro así como los máximos galardones de la dramaturgia internacional.

Fotografías © Conchita Meléndez

NACE ESPACIO ZAFRA TEATRO QUE INAUGURA SU ANDADURA CON UNA DE LAS OBRAS MÁS TARDÍAS DE SHAKESPEARE: CUENTO DE INVIERNO

 

El cuento de invierno" es seguramente la penúltima obra de William Shakespeare. Escrita en pleno apogeo poético de su autor, parece que, con ella, hubiera querido burlarse expresamente de todas las convenciones literarias. Porque, si en sus obras Shakespeare tendió siempre a reunir elementos dispares, en ésta se superó a sí mismo. En ella coexisten fantasía y realismo, tragedia y comedia, corte y campo, nobleza y picaresca, antigüedad griega y modernidad isabelina, y contiene, además, un buen número de curiosidades y prodigios. 

La acción se desarrolla en dos tiempos con un intervalo de dieciséis años y se alterna entre Sicilia y Bohemia. La obra empieza con la visita de Políxenes, el rey de Bohemia a su amigo de la infancia Leontes, el rey de Sicilia. Tras un tiempo el primero debe regresar a su tierra y Leontes intenta evitar su marcha enviando a su mujer para que convenza a su amigo de que demore la partida. Sin embargo cuando ella lo consigue, empieza a preguntarse como lo ha logrado y los celos le hacen creer que ha existido una infidelidad por parte de su esposa y su amigo. A partir de aquí comienzan una serie de episodios que se irán complicando cada vez más. 

Carlos Coraza, director de la obra opina que “Quizás Cuento de Invierno sea la obra más feminista de Shakespeare, pues aquí, son las mujeres quienes, gracias a su instinto de conexión con la vida, los valores que la sostienen y el sentido de realidad, se enfrentan a la locura del hombre y lo transforman, generando un nuevo equilibrio individual y social.”

Sera el próximo 15 de febrero cuando abrirá sus puertas Espacio Zafra Teatro, una nueva sala dirigida por Juan Carlos Corazza y situada en el número 35 del madrileño Paseo del Marqués de Zafra. El espacio, con un aforo de 120 butacas, se inaugura con Cuento de invierno, una versión del texto de William Shakespeare dirigida por Corazza e interpretada por Alicia Borrachero, Laura Calvo, Rafa Castejón, Laura de la Isla, José di Ferri, Ana Gracia, Richard Holmes, Laura Ledesma, Eduardo Merelo, Pol Monen, Manuel Morón, Ben Temple y Octavio Vellón.  

En cuanto a la elección de Cuento de invierno para subir el telón de Espacio Zafra Teatro, explica Juan Carlos Corazza: “El teatro de Shakespeare siempre es noble, hace bien al público. Esta obra de su última etapa es un cuento lleno de sabiduría, en la que los papeles femeninos destacan por su notable grandeza. Ante lo efímero del teatro, es nuestro compromiso mantener viva la palabra de los grandes poetas y el hilo de la comunicación con el público.”

Es nuestro deseo comunicar los temas de la obra y su actualidad:

El poder y la salud mental en el gobierno.

La violencia de género en el poder.

El rechazo y la pérdida de los hijos.

La capacidad de la mujer para enfrentar y transformar la locura del hombre.

El valor de la honradez, el arrepentimiento y el perdón.

El transcurrir del Tiempo y sus consecuencias.

En un principio las representaciones en el Espacio Zafra Teatro serán los viernes y  sábados  a las 20:30h y los domingos a las 19:30h. 

Espacio Zafra Teatro es una iniciativa privada que ha sido posible gracias al apoyo de Javier Bardem, Familia Portela, Kaplan Productions y la Cooperativa del Estudio Corazza para la actuación.

Fotografías © Conchita Meléndez

NUNCA HE ESTADO EN DUBLÍN, UNA DIVERTIDA COMEDIA DE MARCOS GOIKOLEA

 

Nunca he estado en Dublín es una comedia un tanto ácida  sobre la aceptación de las vivencias y creencias ajenas. Porque cada uno construye su propia realidad, ¿pero hasta qué punto somos capaces de convivir con la de los demás?

La familia Amesti se reúne para celebrar la noche de Navidad, pero este año es especial. Elena, la hija menor, vuelve de Londres tras tres años sin contacto y por fin estarán los cuatro juntos otra vez. Pero no viene sola, viene con Cindy, su novia irlandesa que todos están deseando conocer.

Lo que nadie se imagina es que Cindy sea un personaje invisible, una fantasía de Elena que pondrá patas arriba el frágil equilibrio de esta familia, disputándose entre aceptar o rechazar a esta extraña invitada. A lo largo de esta delirante noche cada uno sacará a relucir sus propias fantasías, sus mentiras y miserias. Y a pesar de las dificultades para aceptarse entre ellos, veremos que, en realidad, todos buscan los mismo; una ilusión que les ayude a vivir.

Dirigida por Mireia Gabilondo e interpretada por Eva Hache, Carolina Rubio, Iñigo Aramburu e Iñigo Azpiarte, esta divertida comedia llena de sorpresas, en las que cada uno arrastra sus propios traumas hace sentirse al público como uno más de la familia, porque no podemos dejar de preguntarnos como reaccionaríamos ante una situación como ésta a la que se enfrentan los Amesti. 

Aunque todo el reparto está muy bien, merece una especial atención la actuación de Carolina Rubio, porque no debe de ser nada fácil interactuar con el vacío. Hablar con alguien que no existe, escucharle, tocarle e incluso besar o pelearse con ese personaje que sin estar está la mayor parte del tiempo en escena, es un gran reto y Carolina lo hace con gran maestría. Igualmente el tratamiento escénico de este singular personaje supone una  serie de dificultades  añadidas tanto para la dirección como para el resto de intérpretes.

Y aunque se trate de una comedia y en todo momento no deje de haber una vis cómica, la historia no deja de tener su punto dramático y su moralina, porqué ¿hasta dónde estamos dispuestos a creer en algo si eso beneficia nuestros intereses? O ¿por qué intentamos que los demás afronten sus fallos cuando nosotros no somos capaces de hacerlo?

Nunca he estado en Dublín estará en el Teatro Pavón del 5 de febrero hasta el 27 de abril. 

Fotografías © Conchita Meléndez

MI ÚNICA FAMILIA, UNA PELÍCULA SOBRE LA COMPLEJIDAD HUMANA

 

MI ÚNICA FAMILIA, dirigida por Mike Leigh, está producida por Georgina Lowe, en coproducción con Laura Fernández Espeso por THE MEDIAPRO STUDIO y Henry Woolley por Thin Man Films, en asociación con Film4 y Creativity Media y se estrena en España el próximo 28 de febrero distribuida por Bteam Pictures.

Asistí al pase de prensa el pasado día 5 y salí del cine con la sensación de haber visto una película distinta de la que habían visto el resto de espectadores que diseminados por la sala sin duda alguna disfrutaron más que yo. 

El director británico Mike Leigh regresa con una película en la que se cuenta la historia de una mujer enfadada, solo eso, la protagonista Pansy entiende la vida como una lucha constante. Llena de dolor físico y mental, su manera de relacionarse con el mundo es a través del enfado y la confrontación: discute con su familia, con su dentista, con las clientas de un supermercado, con los usuarios de un aparcamiento, con la dependienta de una tienda de muebles ... Lo cual parece producir risas en los espectadores, a mí me resultó triste. Esta mujer, no sabemos porqué, está enfadada con el mundo, no con una parte del mundo, su entorno, su familia, no, con el mundo en general. Se siente agredida por cualquiera que ose dirigirse a ella, aunque sea para darle los buenos días, o peguntarle como está. Agrede verbalmente a su marido, humilla a su hijo, miente, exagera todo lo que le ocurre hasta conseguir ser ella la ofendida en cualquier circunstancia. Solo parece relajarse, mínimamente, con su hermana, una mujer alegre y cariñosa que intenta sacarla de su espiral sin conseguir grandes logros. 

La historia en sí parece interesante, es una historia de dolor, de soledad, de silencios que pesan incluso más que las palabras. El problema para mí, es que no hay nada más. En realidad no pasa nada más allá de esa mujer que avasalla a todo el que se le ponga por delante. 

Lo más destacable sin duda son los protagonistas. Marianne Jean-Baptiste, logra transmitir la complejidad emocional de su personaje con una fuerza que mantiene cautivado al espectador. Su capacidad para expresar las emociones de una mujer que enfrenta desafíos tanto personales como familiares la convierte en el eje emocional de la película.

La química entre ella y el resto del elenco, que no entre los personajes,  también es palpable, lo que da lugar a momentos de gran realismo en su interacción. El resto del elenco también cumple con creces, con actores que aportan solidez a la historia y enriquecen la narrativa. A pesar de las buenas actuaciones, lo que falla, en mi opinión,  es un guion que no termina de conectar los puntos entre los eventos. La historia se siente algo deslavazada, vacía o al menos inconclusa y, en ocasiones, predecible, lo que impide que los conflictos emocionales se desarrollen con la misma profundidad que las escenas que dan lugar a ellos. 

En resumen la película de Leigh es una mirada sombría a una persona sombría en la que el silencio a veces es ensordecedor y la tensión insoportable y donde no parece haber esperanza para ninguno de los personajes. Si quieres ver una actuación de primer nivel, sin duda ésta es tú película, pero si buscas algo más, quizás Mi única familia no sea el lugar apropiado porque al final vas a encontrarte con más preguntas que otra cosa y tal vez a esas alturas ya ni siquiera te interesen las respuestas.

GYPSY LLEGA A MADRID, AL TEATRO APOLO, DE LA MANO DE ANTONIO BANDERAS

Lo primero que nos dicen es que Gypsy está basado en la verdadera historia de la estríper más importante de todos los tiempos: Gypsy Rose Lee. Y supongo que la mayoría se preguntará quién era esa mujer, al menos yo lo hice. Y en cuanto me puse a rebuscar me di cuenta que Gypsy era mucho más que una estríper. 

Con una  madre, Rose, una mujer menuda pero feroz que seducía a hombres y mujeres por igual y literalmente mataba para llevar a sus hijas al escenario, tanto ella como su hermana June empezaron a trabajar y a aportar dinero a las arcas familiares desde muy niñas. Claro que June era quien sobresalía, quien sabía cantar y bailar, el talento de Louise, así se conocía de niña a Gypsy, no era suficiente así que tras algunos intentos fallidos decidió que podía ganarse la vida en el burlesque, género en el cual consiguió su legendario estatus. Sus innovaciones consistieron en el estilo casual, frente a los movimientos espasmódicos de otras estríperes (hizo énfasis en la broma durante los "striptease") y llevó un agudo sentido del humor a sus actuaciones. Era una mujer sensual, pavoneante, obscena y erudita que tenía un don para ofrecer al público justo lo que éste deseaba. En esa época cambió su nombre por el Gypsy Rose Lee convirtiéndose en una de las principales estrellas del Burlesque de Minsky, con el cual trabajó cuatro años, siendo arrestada en varias ocasiones. 

Pero Gypsy Rose no se conformó con eso, a lo largo de su vida rodó más de una docena de películas, hizo teatro, trabajo en televisión y escribió varios libros. Se convirtió en empresaria, se casó tres veces y tuvo múltiples amantes, con uno de los cuales Otto Preminger tuvo un hijo, conocido como Erik Kirkland.  La vida de Gypsy ha sido llevada al cine en dos ocasiones y convertida en un musical que Con libreto de Arthur Laurents, música de Jule Styne y letras de Stephen Sondheim que ha triunfado durante años en Estados Unidos donde se estrenó en  1959 en el Teatro Broadway de Nueva York y que ahora, tras su paso por el Teatro Shoho Caixabank de Málaga llega por fin a Madrid de la mano de Antonio Banderas, quien dirige la producción que se podrá ver a partir del día 7 de febrero en el Teatro Apolo. Gypsy ha sido ganador de 6 premios Tony y 4 premios Laurence Olivier.

Gypsy es la historia definitiva sobre Rose, una ambiciosa “madre de artista” que lucha por el éxito de sus hijas, mientras secretamente anhela el suyo propio.

Basado libremente en las memorias de la artista de burlesque Gypsy Rose Lee, su trama central gira en torno al personaje de Rose, la madre de Gypsy, una mujer implacable que busca convertir a sus hijas en estrellas del vodevil a cualquier precio. Inspirado libremente en la América de los años veinte y treinta, cuando el vodevil y el burlesque nacieron, este musical de referencia de Arthur Laurents explora el mundo del espectáculo con humor, corazón y sofisticación.

La estrella de teatro musical Marta Ribera protagoniza Gypsy en el papel de Rose,acompañada de Lydia Fairén como Louise, Carlos Seguí como Herbie y Laia Prats interpretando a June. El espectáculo contará con tres de las coreografías originales de Jerome Robbins (uno de los grandes coreógrafos y directores de la historia de musicales como West Side Story o El violinista en el tejado entre muchos otros). 

Completan el reparto Carmen Conesa, Marta Valverde, Lorena Calero, Sonia Gascón, Chema Bello, Paco Morales, Hugo Ruiz y un ensamble de 10 cantantes y bailarines. Además Gypsy cuenta con una orquesta en directo de 18 músicos,  bajo la dirección musical de Arturo Díez Boscovich, que interpreta todas las melodías durante la representación. No hay música grabada en ningún momento. 

No hay duda de que Gypsy se perfila  como uno de los grandes éxitos de este año en la cartelera musical de la capital. 

Fotografías © Conchita Meléndez

UNA VERSIÓN DE LA DAMA DUENDE TRAÍDA AL SIGLO XX LLEGA AL ESCENARIO DEL TEATRO PAVÓN

 

Del 29 de enero al 2 de febrero el Teatro Pavón sube a su escenario una comedía de Pedro Calderón de la Barca, adaptada por Fernando Sansegundo, y situada en los años 50 del pasado siglo. La obra llega a Madrid tras su exitoso paso por los festivales de Almagro, Clásicos en Alcalá y el Festival de Teatro Clásico de Cáceres, además de una extensa gira por España.

Bajo la dirección de Borja Rodríguez un amplio elenco de ocho actores formado por Silvia Acosta, Luis Rallo, Anabel Maurín, Mario Alberto Díez, Eugenio Villota, el propio Fernando Sansegundo, Rafa Núñez y Helena Lanza, dan vida a los personajes de esta comedia de enredos que se desarrolla en un castizo Madrid. 

Madrid, años 50 del pasado siglo. Estudios de radio. La emisión va a comenzar. Hoy programan La dama duende, una de las comedias más populares de Pedro Calderón de la Barca. Poco a poco, sus personajes accederán misteriosamente a los estudios y allí sucederá la obra. La dama duende es Doña Ángela, que opta por convertirse en falso duende para tratar de salir del encierro al que sus hermanos la han abocado tras quedarse viuda. La llegada de un amigo del hermano de Doña Ángela provoca en ella una pasión que hará que se produzcan una serie de equívocos y lances a lo largo de la obra. 

Fernando Sansegundo y Borja Rodríguez entendieron que el cuento gótico que contiene la obra de Calderón le vendría bien un marco contemporáneo, más cerca del Romanticismo, que del Barroco propiamente dicho, y así la escena se sitúa en los años 50 del siglo XX en los relucientes estudios de Radio Madrid, que en 1942 puso en marcha la Compañía de Teatro en el Aire. A través de aquellas ondas, el público de la época conoció historias escalofriantes y misteriosas que enlaza con la presente versión de La dama duende, que para el público de hoy cobra vida en ese ambiente madrileño radiofónico para contar, como dice Sansegundo, “un cuento gótico a veces macabro, a veces hilarante, pero siempre vitalista y existencial”.

Fotografías © Javier Naval