LA ARTISTA EVA LOOTZ DONA 36 OBRAS A LA FUNDACIÓN MUSEO REINA SOFÍA

 

Manos, 1975 © Eva Lootz

La importancia de la obra de Eva Lootz, artista visual contemporánea nacida en Austria en 1940 y residente en España desde los años sesenta, así como la influencia ejercida en la escena artística española, es incuestionable. Su producción se encuadra en el contexto de las tendencias experimentales del arte español desde los años setenta. Ha trabajado con múltiples registros y entre los elementos constantes en su obra cabe mencionar la memoria, el tiempo, el silencio y algunos de los problemas esenciales del ser humano.

Pequeño teatro de derivas, 1994 © Eva Lootz

Durante el acto de firma, que ha tenido lugar en el Museo, y al que ha asistido la directora de la Fundación Museo Reina Sofía, Carolina González, y el director del Museo, Manuel Segade, Eva Lootz ha manifestado que siente una enorme gratitud hacia España, país que le ha permitido hacer y ser lo que quería.

 

Las peludas, 1996 © Eva Lootz

La donación que ahora realiza la artista, valorada en más de medio millón de euros,  es un conjunto representativo de su obra centrado en algunos de los elementos esenciales de su lenguaje de las últimas décadas del siglo XX y primera década de los 2000, lo que permite una lectura muy completa de la evolución de su trayectoria.

 

Ella vive en el traje que se está haciendo, 1994 © Eva Lootz

El Museo solo disponía hasta el momento de seis obras de esta artista, así que las 36 piezas donadas a la Fundación, que se van a integrar en la Colección del Museo Reina Sofía son fundamentales para la construcción del discurso visual, estético, histórico y teórico de una de las mayores artistas experimentales de nuestro país. Además del inestimable valor de estos trabajos, su incorporación tiene especial interés dado que van a formar parte de una importante investigación que se está llevando a cabo en el Departamento de Colecciones del Museo, con el objetivo de obtener un mapa de las obras de mujeres artistas, producidas no solo en España sino en otros países europeos, dentro de la Colección. En definitiva, la donación y el legado de Lootz, compuesto por trabajos de todas sus etapas creativas, van a ayudar a que su obra sea estudiada, catalogada, custodiada, difundida y, en un futuro, digitalizada.

De izquierda a derecha: Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía; la artista Eva Lootz, y Carolina

González, directora de la Fundación Museo Reina Sofía

LAS MUJERES CREADORAS VUELVEN A SER PROTAGONISTAS EN LA NUEVA TEMPORADA DEL FERNÁN GÓMEZ

Abre el ojo © Teatro Fernán Gómez

La delegada del Área de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, y la directora artística del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, Laila Ripoll, han presentado la programación de la temporada 2023-24 de este espacio escénico del Ayuntamiento de Madrid. Tras el éxito la pasada temporada de espectáculos como Tea Rooms, Las Sinsombrero o Historia de una maestra, el teatro quiere continuar en su nueva programación dando voz a esas voces que tradicionalmente han estado silenciadas, recuperar historias de y sobre mujeres creadoras, célebres, pero también de las anónimas y familiares. Todas ellas vertebrarán la programación de la nueva temporada.  

Descarados © Teatro Fernán Gómez

El Fernán Gómez ofrecerá, en sus cinco salas, una programación variada con teatro, música, danza, flamenco y exposiciones. “La próxima temporada pasarán por esta cartelera títulos clásicos y novedades, diversas disciplinas artísticas, distintos géneros musicales y diferentes temáticas, gracias a una amplia programación que persigue la variedad y la calidad, pensada para todos los públicos”, ha destacado Rivera de la Cruz, quien ha mostrado su agradecimiento a Ripoll y todo el equipo del teatro “por todo el esfuerzo realizado”.

Tío Vania © Teatro Fernán Gómez

Por su parte Laila Ripoll ha señalado, “Cuando empezamos este camino nos propusimos hacer del Fernán Gómez un lugar efervescente, donde cada día fuese una experiencia, donde siempre hubiera algo interesante que hacer y en lo que participar. Creemos que ese objetivo, a pesar de pandemias, ‘filomenas’ y otras malas hierbas, se ha cumplido con creces y cualquiera que hoy se pase por el teatro es testigo de ello. Esta próxima temporada seguiremos con esta misma idea, con esta misma ilusión”.

Lo único que quise toda la vida es ser delgada  © Teatro Fernán Gómez

La presentación ha contado con la actuación de Ron Lalá, que ha ofrecido un fragmento de su espectáculo 4x4 que se estrenará en el mes de diciembre en la Sala Guirau del teatro.

En el apartado teatral la temporada dará comienzo ya en septiembre con el montaje Tras los balcones, un singular espectáculo itinerante e inmersivo, en el que dos grupos de actores recorrerán diferentes espacios del centro interpretando textos de, entre otros, Juan Mayorga, Jerónimo López Mozo o  Juan Gracia Morales. 

Todas las hijas © Teatro Fernán Gómez

Protocolo del quebranto © Teatro Fernán Gómez

La Sala Guirau comenzará temporada con el montaje Galdós Enamorado, con Emilio Gutiérrez Caba y María José Goyanes en los papeles protagonistas. También en la Sala Girau se representarán Abre el ojo, de Rojas Zorrilla, a cargo de Noviembre Compañía de Teatro; 4x4, el nuevo montaje que estrenará Ron Lalá en diciembre; Tío Vania, con versión y dirección de Juan Pastor; La Regenta, de Leopoldo Alas Clarín, en versión teatral de Eduardo Galán y dirección de Helena Pimienta, o Todas las hijas, una producción del Teatro Arriaga, con dirección de Andrés Lima e idea original de Gemma Martínez basada en La Casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca.  

Completan la programación en este espacio Un delicado equilibrio de Edward Albee y dirección de Nelson Valente, con Alicia Borrachero, Manuela Velasco y Ben Temple en el escenario y Descarados, de Darío Fo y Franca Rame en la versión y dirección de Santiago Sánchez, a cargo de la compañía L’Om Imprebís.  

Yerma © Teatro Fernán Gómez

Paloma Pedrero, con la compañía Caídos del Cielo presentará Isla, un montaje que mostrará una Sala Jardiel Poncela totalmente transformada para esta ocasión. Este mismo espacio albergará Vano fantasma de niebla y de luz, una selección de textos de Bécquer realizada por Raúl Losánez, con Beatriz Argüello y David Luque. En noviembre, Esther Carrodeguas con Lo único que verdaderamente quise toda la vida es ser delgada abordará la gordofobia con una cruda sinceridad.

© Teatro Fernán Gómez

© Teatro Fernán Gómez

Éstas son algunas de las propuestas que se podrán ver en los primeros meses en los distintos escenarios del teatro, que contarán también con un amplio programa dedicado a la música y a la danza, en el que estarán presentes como cada temporada el Jazz, el Flamenco, la Música Fusión o el Gospel. La danza volverá en el mes de junio con la cuarta edición de Danza en la Villa. 

Amazonía © Sebastiâo Salgado, Cedida por Teatro Fernán Gómez

La temporada expositiva comenzará con Amazônia de Sebastiâo Salgado, del 13 de septiembre al 14 de enero. De marzo a junio de 2024 la Sala de Exposiciones acogerá Notre-Dame Paris, L’Exposition Augmentée. Tras ésta última volverán a ocupar las paredes algunas de las exposiciones del próximo Festival de PhotoEspaña, con quien seguirán colaborando. 

© Conchita Meléndez

MATARILE PRESENTA EN NAVES DEL ESPAÑOL SU NUEVO ESPECTÁCULO, FRÁXIL. HANDLE WITH CARE, PIEZA FINAL DE SU TRILOGÍA DE LA FRAGILIDAD

 

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

La directora artística del Teatro Español y Naves del Español en Matadero, Natalia Menéndez, ha presentado esta mañana Fráxil. Handle with care, obra de la compañía Matarile, con texto y dirección de Ana Vallés, que podrá verse desde el próximo 30 de junio y hasta el 16 de julio en la Sala Max Aub de Naves del Español en Matadero, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid. Esta obra es la última parte de la Trilogía de la fragilidad de la compañía Matarile y está protagonizada por Celeste González, Claudia Faci, Antón Coucheiro, Alfredo Pérez y Pau Cólera.

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

Tras la lucha contra el caos que se planteaba en la primera parte, El diablo en la playa (2020), y la decisión de entrar en lugares a la que invitaba INLOCA (2022), Vallés reflexiona en esta ocasión junto a su equipo sobre una Europa desde la que ya no se escribe la historia, al tiempo que aborda “la fragilidad del paseo, del que pasa, del que huye, de la conversación peregrina que nos lleva, buscando algo de un lugar a otro”. Se entiende esta obra, que en realidad es una obra coral en la que todos los participantes aportan textos propios y miradas propias, como una fragilidad del cuerpo, de cuerpos que buscan otros cuerpos, pero también como algo más, una forma de recuperar lo que para la autora es la esencia del teatro, la presencia desnuda de unas personas que se muestran en toda su vulnerabilidad.

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

Aunque se ha optado por la sencillez al realizar el montaje, Fráxil transforma el espacio con apenas unos pocos recursos: los cuerpos, las luces y las sombras que los envuelven y el sonido exterior que los acompaña. Para Ana Vallés el sonido es muy importante, ha comentado que no soporta los silencios en el escenario porque en la vida el silencio no existe. El agua, siempre presente y cambiante, la luz, el vídeo de proyectores que deforman la arquitectura, el claroscuro, la voz sin cuerpo, las sombras o la música que no siempre acompaña a la danza, entre otros recursos, son algunos de los elementos que configuran esta pieza.

Imagen cedida por el Teatro Español © Manuel G. Vicente

Imagen cedida por el Teatro Español © Rubén Vilanova

En la presentación han acompañado a la directora dos de los integrantes que componen el elenco, Celeste González y Claudia Faci, quienes han explicado la forma en que se han visto implicadas en la elaboración del proyecto desde la idea original y lo que cada una de ellas han aportado al resultado final. 

Natalia Menéndez y Ana Vallés © Conchita Meléndez

Claudia Faci, Ana Vallés y Celeste González © Conchita Meléndez

La función de Teatro Accesible de Fráxil. Handle with care tendrá lugar el viernes 7 de julio.

 

Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años.

EL TEATRO REAL CIERRA LA TEMPORADA CON TURANDOT DE GIACOMO PUCCINI

 

Turandot, la historia de  la desalmada princesa china en el teatro de sombras, será  la última de las óperas que se represente esta temporada en el Teatro Real. Durante 17 representaciones entre los días 3 y 22 de julio el montaje realizado por el director de escena, escenógrafo e iluminador Robert Wilson, quien a sus 81 años piensa que cada vez que realiza una nueva adaptación de la obra aprende algo nuevo de ella, será interpretado por las sopranos  Anna Pirozzi, Ewa Plonka y Saoia Hernández, que se alternarán en el papel de la princesa Turandot. 

El papel del príncipe desconocido, Calaf correrá a cargo de los tenores Jorge de León, Michael Fabiano y Martín Muehle. El emperador Altoum será Vicenç Esteve. El personaje de Timur también estará interpretado por 3 interpretes diferentes (bajos), que serán Adam Palka, Liang Li y Fernando Radó, al igual que el de Liù que les corresponderá a las sopranos Salomé Jicia, Ruth Iniesta y Miren Urbieta-Vega. La dirección musical es de Nicola Luisatti y Diego García Rodríguez, quien cojerá la batuta los días 18 y 21 de julio. 

La partitura de Turandot, es una obra que Giacomo Puccini dejó inconclusa y que fue finalizada por  Franco Alfano. Está basada en la fábula homónima de Carlo Gozzi y el libreto de la misma es Giusppe Adami y Renato Simoni. La versión que ahora se presenta es una reposición de la producción del Teatro Real estrenada en noviembre de 2018, en coproducción con el Teatro Nacional de Lituania, la Canadian Opera Company, la Houston Grand Opera y la Opéra national de Paris. 

El personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson, responsable de la puesta en escena, decorado e iluminación de Turandot, concede a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales. 

El concepto dramatúrgico, metafórico y visual de la puesta en escena de Wilson, con siluetas a contraluz, máscaras y movimientos casi rituales, es el ideal para contar la leyenda de la fría, despiadada y sanguinaria princesa china, enmarcada en su espacio escenográfico y estético ‘natural’, que entronca directamente con el milenario teatro de sombras oriental.

Los personajes se convierten así en arquetipos legendarios y hieráticos, y la sutil paleta lumínica de Wilson se recrea con los colores orquestales de Puccini y con poéticas sinestesias que van de los tonos glaciales de la desalmada protagonista a las tonalidades cálidas del recogimiento de Liù, cuya muerte, en la partitura, coincide con la del propio compositor.

Las funciones de Turandot estarán dedicadas a la memoria del gran tenor Pedro Lavirgen (Bujalance, Córdoba, 31 de julio de 1930 - Madrid, 2 de abril de 2023), uno de los grandes intérpretes del papel de Calaf de su generación.

Jorge de León, Ana Pirozzi, Joan Malabosch y Robert Wilson

Con Turandot, Andrés Máspero concluye su trabajo al frente del Coro Titular del Teatro Real (Coro Intermezzo), del que es director desde su creación, en 2010, concediendo a esta formación un enorme prestigio y reconocimiento nacional e internacional. El importante papel del coro en la postrera y genial partitura de Puccini será también un homenaje a este gran director y a toda su brillante carrera.

© Las imágenes de la representación pertenecen al Teatro Real. 

NAVES DEL ESPAÑOL PRESENTA ECLIPSE DE MATÍAS UMPIERREZ

La directora artística del Teatro Español y Naves del Español en Matadero, Natalia Menéndez ha presentado el estreno absoluto de ‘Eclipse’ del artista Matías Umpierrez  que vuelve al teatro con un espectáculo que reflexiona sobre la obsesión que tenemos los humanos por enmascararnos. La Sala Fernando Arrabal A de Naves del Español en Matadero acoge del 28 de junio al 2 de julio el trabajo de este artista multidisciplinar, que ya presentó la pasada temporada su instalación ‘Museo de la Ficción’, protagonizada por Ángela Molina y Robert Lepage. 

Eclipse es una una performance, un espectáculo teatral que nos hace preguntarnos cuántas identidades pueden convivir en nuestro interior.  ¿Utilizamos las máscaras para que nadie nos detecte? ¿O nos ocultamos con ellas de nosotros mismos? ¿Es más real aquello que contamos cuando no pueden vernos? Eclipse comenzó como un trabajo de investigación relacionado con las máscaras, pero también con la cerámica y otras formas de expresión.

En el escenario, un conferencista anónimo y su doble reviven el significado de la palabra máscara llamándola, al igual que en la Antigua Grecia, persona (prósōpon) mientras enlazan historias de enmascaradxs célebres u olvidados en un planeta transhumano eclipsado por pantallas, líderes, esclavxs, archivos, rebeliones, fantasmas, hacktivistas, sociedades secretas, astronautas, ultrafakes, mitos.

Eclipse, al igual que otros proyectos de Umpierrez, indaga sobre las modalidades contemporáneas de los vínculos entre el espectador y la ficción. En este marco, sus obras transitan las fronteras entre artes escénicas, visuales y cine, activando la dialéctica público-escenario-discurso-escena-territorio. 

© De Fotografías Sebastián Arpesellas

Matías Umpierrez © Conchita Meléndez

CRISTINA CASTAÑO SE METE EN EL PAPEL DE CLITEMNESTRA

 

CLITEMNESTRA, en la versión de José María del Castillo, nos muestra la revisión del mito clásico huyendo de la tradición machista de la historia. Rescatamos a una mujer víctima de una sociedad consolidada por y para los hombres, una mujer rebelde, empoderada y vengativa con el sistema, adelantada a su tiempo y tildada, por tanto, de cruel y perversa a ojos de los hombres.

¿Es Clitemnestra una asesina o simplemente una mujer harta de los desmanes de su esposo que acaba por tomar venganza? No hay que olvidar que Agamenón asesino a su primer esposo Tántalo y a su hijo recién nacido para poder tomarla como esposa,  y que más tarde mando matar a la hija de ambos Ifigenia para que los vientos le fueran favorables y así poder partir hacía la guerra de Troya. Clitemnestra fue quien gobernó y con buen tino el reino de Micenas durante los diez años que Agamenón estuvo fuera y a su regreso éste trajo consigo a Casandra, la adivina, a la cual había convertido en su amante y repudia a Clitemnestra. quien se ve apartada del poder, un motivo más para deshacerse de su esposo con la ayuda de Egisto, que se convirtió en el tercer marido de la reina. Duró poco su felicidad, apenas unos años,  ya que los hijos de Agamenón, Orestes y Electra, asesinaron a ambos para vengar a su padre. Porque Agamenón era uno de los grandes héroes helenos y por tanto dotado de verdad, mientras que Clitemnestra era tan solo una mujer. 

La obra da voz a esta mujer que nos relatará en primera persona su mundo, sus pasiones, sus fracasos y sus triunfos. Un recorrido a través de la vida de Clitemnestra pasando por los momentos más relevantes de su historia: su matrimonio con Agamenón, el sacrificio de su hija Ifigenia, el romance con Egisto, la Guerra de Troya o la relación con su hija Electra.

A través de la danza y la música, con especial importancia del flamenco, y la interpretación como eje, se da voz y vida a esta fascinante mujer, respaldada por una estructura de coro clásico reformulado y una puesta en escena que busca la multidisciplinariedad como vehículo para llegar al público actual. La figura de la mujer en la historia... ¿cuánto ha cambiado y en qué lugar nos posiciona su forma de vida?

Clitemnestra es uno de los espectáculos que se podrán ver este año en el marco del Festival de Teatro Clásico de Mérida. Previamente se podrá ver en Madrid, en cinco únicas funciones, del 21 al 25 de junio en el Teatro Bellas Artes. Escrita y dirigida por José María del Castillo tendrá un reparto formado por: Cristina Castaño, Camino Miñana, Daniel Moreno, Benjamín Leiva, Ángeles Rusó, Sonia Franco, Alejandro Molina y Gonzalo Calleja. La música ha sido compuesta por Alejandro Cruz Benavides.

EL TEATRO DE LA ZARZUELA CIERRA LA TEMPORADA CON LUISA FERNANDA

El Teatro de la Zarzuela está a punto de cerrar su temporada lírica 22/23, que una vez más ha venido cargada de fuertes emociones, y lo hará con uno de los grandes clásicos del género: ‘Luisa Fernanda’ que estará en cartel entre el 21 al 30 de junio. La obra maestra del compositor Federico Moreno Torroba y los libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw vuelve al escenario de la plazuela de Teresa Berganza con la reposición del montaje firmado por el italiano Davide Livermore, uno de los directores más reclamados y aclamados en los más importantes teatros de ópera del mundo, y el único que ha inaugurado cuatro temporadas consecutivas del Teatro alla Scala de Milán –de 2018 a 2021–.

El Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela –Orquesta de la Comunidad de Madrid–, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela dirigido por Antonio Fauró y de dos repartos extraordinarios.

Los dos repartos que representarán la obra están integrados por cantantes especialmente lúcidos, vigorosos y sólidos. Luisa Fernanda, la hija de un funcionario jubilado que guarda ausencia a Javier Moreno, ese joven militar, antiguo mozo de posada y ahora ascendido a coronel, será interpretada por la mezzosoprano Carmen Artaza y la soprano Amparo Navarro. Por otra parte, está Vidal Hernando, un rico hacendado extremeño que se disputa el amor de Luisa Fernanda con Javier, a quien darán vida el barítono Juan Jesús Rodríguez (Vidal por excelencia) y el bajo Rubén Amoretti. La duquesa Carolina, aquella joven hermosa y persuasiva, estará encarnada por las sopranos Sabina Puértolas y Rocío Ignacio. Y el papel de Javier Moreno, que desde que ascendió de rango tiene descuidada a su novia Luisa, lo asumirán los tenores Ismael Jordi y Alejandro del Cerro.

Completan el elenco María José Suárez y Nuria García-Arrés como Mariana y Rosita, Emilio Sánchez y Antonio Torres, como don Florito y Luis Nogales, Didier Otaola como Aníbal; los actores Rafael Delgado, César Diéguez y Julia Barbosa, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Román Fernández-Cañadas, Francisco José Pardo, Graciela Moncloa, Daniel Huerta, Rodrigo Álvarez, Ricardo Rubio, Alberto Camón y Ángel Rodríguez; además de 4 figurantes y 12 bailarines.

El escenario es un espacio arquitectónico reconocible de Madrid en el que se proyectan los sentimientos de amor, dolor y angustia, “un mundo figurativo o desfigurado que evoluciona en 360 grados ante nuestros propios ojos…”, como explica Davide Livermore, que para ello emplea técnicas y recursos del lenguaje cinematográfico inspirados en obras del séptimo arte.

Como es habitual todo el equipo de la Zarzuela funciona a la perfección, con una joven Carmen Artaza a la que en algunos momentos se le nota su reciente incorporación al elenco, sobre todo a nivel interpretativo, y que  sustituye a María José Montiel de baja por enfermedad. Y un inmenso Juan Jesús Rodríguez, en el papel de Vidal. Muy correctos también Ismael Jordi y Sabina Puértolas que como siempre nos deleita con su gran voz.