ALBERTO SAN JUAN Y LA BANDA INTERPRETAN MACHO GRITA EN EL TEATRO PAVÓN

 

Macho grita es una comedia musical que parte del mito de Don Juan para indagar en la relación entre nuestro presente y el ciclo que inaugura el año 1492. Un acercamiento personal a la "Reconquista", al "descubrimiento de América" o a la expulsión de los judíos y los moriscos, para pensar con humor cómo se construye "lo Macho" en este territorio.  

Nace del deseo de asomarme a la historia invisible (o invisibilizada) de España, con la pequeña esperanza de entender cosas que sirvan para la vida hoy, cuando la voluntad de dominio y el afán depredador sobre los que hemos construido nuestras sociedades amenazan con liquidarnos.

Fundador de la compañía Animalario e impulsor del proyecto Teatro del Barrio, Alberto San Juan es actor, director, autor... Entre sus últimos montajes teatrales, destacan: ‘Lorca en Nueva York’, ‘Lectura fácil’ (director), ‘Mundo obrero’, ‘Masacre’, ‘El rey’, ‘Autorretrato de un joven capitalista español’…  

Durante la representación Alberto San Juan estará acompañado por Claudio de las Casas a la guitarra, Pablo Navarro al contrabajo, Miguel Malla saxo y teclado y Gabriel Marijuan a la batería. 

La obra estará en cartel hasta el 27 de febrero.

Fotografías: © Conchita Meléndez

TARAMBANA TEATRO INUNDA LA SALA JARDIEL PONCELA DEL TEATRO FERNÁN GÓMEZ CON AROMAS DE PAELLA

 

La Sala Jardiel Poncela del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa ha comenzado el año con Paella de David Fernández “Fabu”, una comedia gastroescénica dirigida por Víctor Velasco y que cuenta en la interpretación con el propio David Fernández “Fabu” y Nerea Moreo. El montaje se podrá ver del 12 al 28 de enero de 2024 en este teatro del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

Amparo y Federico son una pareja en crisis, aunque ellos aún no lo saben, que trabajan en la misma empresa. Un día deciden invitar a comer una paella a algunos compañeros de trabajo entre los que se encuentra Bruno, al que quieren presentarle un proyecto empresarial con el que creen que podrán escalar profesionalmente (y económicamente) en la empresa. Sin embargo, la paella supondrá un momento crucial en sus vidas: Amparo es ascendida y, tras separarse de Federico, que es incapaz de aceptar la situación, le despide. 

Esta obra original vibra sobre el escenario según la vamos descubriendo. A veces ácida y otras alocada, la obra no pierde en ningún momento de vista su fundamento: poner de manifiesto las desigualdades entre hombres y mujeres aún presentes en nuestra sociedad, y más concretamente en el ambiente laboral. Mientras se cocina una paella (algo que ocurre realmente durante la función), muchos otros temas, como si se trataran de ingredientes, se van mezclando y dejando su aroma hasta conseguir el sabor perfecto.  

Paella es una comedia de autor donde lo que realmente cuenta es el hecho teatral a través de la mezcla de lenguajes escénicos, con una aparente ausencia de trama y una combinación de temas: igualdad de género, conflictos personales, laborales, culturales, existenciales… Un espectáculo contemporáneo en clave de humor con un pulso trepidante que nos impide bajar del escenario hasta que cae el telón.

JUAN PASTOR DIRIGE TIO VANIA UNA DE LAS GRANDES OBRAS DE CHÉJOV

 

La compañía madrileña Guindalera acaba de estrenar  en el teatro Fernán Gómez una nueva propuesta a partir de un texto de Chéjov, Tío Vania, con versión y dirección de Juan Pastor, que se podrá ver del 18 al 28 de enero de 2024 en la Sala Guirau.  

Para este montaje, Juan Pastor ha partido de un trabajo de investigación y estilo que da continuidad al proceso creativo desarrollado por la compañía en la pequeña sala de teatro que gestionaron durante 17 años en la capital, el Teatro Guindalera.  

La obra está interpretada  por profesionales vinculados al proyecto durante años, como María Pastor, José Maya o Aurora Herrero, junto a nuevas incorporaciones, como Luis Flor, Alejandro Tous o Gemma Pina. También han contado con Marisa Moro y Pedro Ojesto, quienes han colaborado con La Guindalera en numerosos montajes y que están  a cargo de la música y el espacio sonoro.  

En palabras de Juan Pastor, Tío Vania es una comedia sobre el sentido trágico de la vida. Para él, en las obras de Chéjov está muy presente el sentido del humor, el pudor y la economía de medios; en su teatro la broma es constante, y se une a la melancolía y a cierto desengaño. Se trata de un autor que “critica la condición humana, pero su amor a los seres vivos, con sus defectos y cualidades, es inmenso”.

Tío Vania es un de las grandes obras del escritor y dramaturgo ruso Antón Chéjov, y junto con Tres hermanas, La gaviota y El jardín de los cerezos, forma el gran legado de este autor. Se publicó en 1899 y se estrenó en 1900, bajo la dirección de Stanislavski. En la propuesta de la compañía Guindalera, los personajes narran lo que sucedió años atrás en la hacienda en la que vivían y trabajaban duramente Vania y su sobrina Sonia. Junto a ellos vivía la madre de Vania, María; y también recibían de vez en cuando la visita de Astrov, un médico de quien Sonia estaba enamorada. La hacienda la había aportado al matrimonio con Serebriakov su primera mujer, madre de Sonia y hermana de Vania, y ya fallecida; por tanto, la propiedad pertenecía a Sonia, pero era administrada por Serebriakov, a quien cada mes Vania y Sonia enviaban las rentas. Serebriakov un día decide pasar unos días en la hacienda con una propuesta que hacer a sus habitantes. Lleva consigo a su segunda esposa, la hermosa Elena, de la que tanto Vania como Astrov están enamorados. Pero la llegada del matrimonio a la hacienda va a desestabilizar la rutina diaria de los que allí viven.

Creada por Juan Pastor y Teresa Valentín en 2000 como resultado de muchas experiencias previas de trabajo con un equipo común, la compañía Guindalera ha llevado a escena grandes textos del teatro universal de autores como Chéjov, Shakespeare, Ibsen, y otros más contemporáneos como Brian Friel o Thornton Wilder, y también españoles como Juan Mayorga, José Sanchis Sinisterra o Ignacio Amestoy. Muchas de sus producciones han obtenido diferentes premios y nominaciones, entre las que destaca el premio Max a la Mejor Producción Privada en 2015 por Duet for One.

FOTOGRAFÍAS: © Conchita Meléndez

CARLOS HIPÓLITO SE CONVIERTE EN UN BURRO QUE NO TIENE NADA DE BURRO

 

En una finca vacía, un burro atado a una estaca le cuenta su vida a su sombra mientras se acerca un incendio forestal. Se inicia así un viaje tragicómico, divertido, tierno, poético y profundo que explora los grandes textos clásicos sobre el asno y la intensa relación entre el animal y el ser humano. La música en directo y el teatro más puro acompañan a este asno sin nombre, de seis mil años de edad, en un recorrido por sus aventuras, desventuras y peripecias a lo largo de la Grecia y la Roma clásicas, la Edad Media festiva y carnavalesca, el Siglo de Oro español e inglés, la Ilustración y la Modernidad. Un relato que lucha contra el olvido mientras se acerca el fuego. Una obra que deja huella... de pezuña. Ay Teatro presenta una tragicomedia con música en directo inspirada en las obras maestras de la literatura que giran en torno al asno, y protagonizado por uno de los actores esenciales de la historia del teatro español.

Carlos Hipólito, con su acostumbrada maestría da vida al burro, un animal menospreciado por la mayoría y que seguramente es terco, pero no tonto. Así lo ha entendido el  autor de la obra, Álvaro Tato y también su director, Yayo Cáceres, quienes han puesto en pie este monólogo basado en textos clásicos sobre asnos que cuenta con fragmentos de algunas de las obras más importantes de la literatura: El asno de oro, de Apuleyo, a la Piel del asno, de Perrault; pasando por Cervantes, Shakespeare, Ovidio o, por supuesto, el Platero de Jiménez.

El burro ha sido sin duda uno de los grandes aliados del hombre a lo largo de generaciones, y sin embargo no lo hemos tratado bien. Es el animal más vilipendiado por el hombre a diferencia del caballo, al que siempre se ha considerado un animal noble e inteligente. En este monólogo en que el asno parlamenta consigo mismo, y según cuenta Carlos Hipólito el texto nos reafirma en la idea de que la raza humana, por muy superior que se crea, es estúpida, mucho más que el pobre jumento. 

La obra estará en cartel en el Teatro Reina Victoria desde el 17 de enero hasta el 18 de febrero y cuenta con la colaboración de Fran García, Manuel Lavanderae e Iballa Rodríguez. La música es de Yayo Cáceres y la escenografía, simple pero efectiva de Ay Teatro y Tatiana de Sarabia. 

MARÍA ADAMUZ Y JUANJO PUIGCORBÉ SE RETAN EN ROCA NEGRA UNA OBRA DE IGNASI VIDAL

 

Ayer se estrenó en el Teatro Pavón de Madrid la obra escrita y dirigida por Ignasi Vidal Roca Negra, una historia repleta de heridas y también de amor, un amor ausente, un amor culpable y que cuesta expresar, pero amor al fin y al cabo, el de un padre y una hija que tienen mucho que decirse y no tienen demasiado tiempo para hacerlo. 

Olivia se presenta en casa de su padre para decirle que se va, que regresa a la ciudad que la vio nacer porque necesita ver el mar cada día y también porque  necesita rehacerse, empezar de nuevo. Es una excusa perfecta para echar fuera todos los demonios que lleva dentro y reprochar a su progenitor todo lo que nunca le había dicho y que de un modo u otro la corroe. En realidad tiene reproches para todo, para lo que ha hecho y para lo que ha dejado de hacer ese hombre al que admira pero al que hace depositario de todos sus traumas y también de sus propios fracasos. 

Así comienza un duelo entre Olivia y Nando, ambos escritores con una fuerte personalidad, él consagrado, ella aún por conseguir su primer éxito. Nando le cuenta a su hija que está escribiendo un nuevo libro y entre reproches le va desgranando la trama del mismo y de una y otra cosa irán surgiendo diálogos descarnados pero también momentos de ternura. 

Roca negra es una obra intensa con múltiples frentes abiertos, tal vez no hubieran hecho falta tantos, los traumas de uno en uno se dirigieren mejor. Tanto la malagueña María Adamuz, como el veterano Juanjo Puigcorbé, que llevaba un tiempo separado de los escenarios teatrales, dan el do de pecho durante los setenta y cinco minutos que dura la representación, algo que el público agradeció al término de la misma con sus aplausos.

Juanjo Puigcorbé, Ingasi Vidal y María Adamuz

En cuanto a la obra tal y como dice su autor y directo Ignasi,   no está escrita  para hacer sentir bien a la gente, ni siquiera para sentirse bien él. El escribe movilizado por una inquietud y deja que los personajes tengan su propio discurso tal y como ocurre en la vida.

Roca negra estará en cartel en el Teatro Pavón desde el 11 de enero hasta el 3 de marzo de 2024.

Fotografías: © Conchita Meléndez

EL TEATRO ESPAÑOL ESTRENA CARMEN, NADA DE NADIE EN LA SALA MARGARITA XIRGU BAJO LA DIRECCIÓN DE FERNANDO SOTO

Carmen, nada de nadie es una recreación de la vida de Carmen Díaz de Rivera la única mujer que ha logrado ser Jefa del Gabinete de la Presidencia del Gobierno en nuestro país. Pero no es solamente eso, es también un pedacito de la historia de España y no un pedacito cualquiera, es uno de los períodos más complejos e intensos de nuestra historia, el de la transición que nos llevó desde una férrea dictadura a la democracia de la que disfrutamos hoy en día. Con sus defectos y sus virtudes pero democracia al fin y al cabo. 

Es cierto que cabe preguntarse que hubiera ocurrido si esta mujer que desempeño un importante papel al lado del entonces presidente del gobierno, Adolfo Suarez, no hubiera sufrido un trauma personal siendo muy joven. Tal vez se hubiese acomodado a su papel de aristócrata y como mucho habría presidido alguna que otra asociación benéfica. Pero dicen los entendidos que a veces ese espíritu burlón al que algunos llaman dios, escribe con renglones torcidos y entonces se produce una catarsis, un efecto liberador que cambian el destino no solo de quien la padece sino también de cuantos pululan a su alrededor. 

Así,  Carmen poseedora de una voluntad firme y una visión futurista, tuvo desde ese momento el propósito de guiar a su país hacia la democracia. Luchó, a menudo sola, contra todo y contra todos, empeñándose en derribar muros y conseguir que todos los españoles fueran iguales ante la ley. A ella  y a su empeño se debió la legalización del Partido Comunista de España. 

No le fue sencillo, aquella chica rubia a la que Umbral definió como la musa de la transición, enamoraba a quienes la conocían de cerca. También la llamaron traidora, espía comunista y otras cosas terribles para tratar de amedrentarla. Se habló de ella como amante tanto del Rey como del propio Adolfo Suarez, todo con tal de desacreditarla, pero para una mujer que se había forjado en el dolor desde muy joven, rendirse nunca fue una opción. Aún así dimitió el 13 de mayo de 1977,  justo cuando los colaboradores de Suárez se organizaban políticamente para concurrir a las primeras elecciones democráticas bajo las siglas de la Unión del Centro Democrático (UCD). Díez de Rivera nunca estuvo afiliada a este partido, que le parecía entonces “de extrema derecha”. Volvió a la política en 1987 y durante los siguientes años y hasta su muerte ocupo un escaño como eurodiputada en el Parlamento Europeo. 

Los autores de la obra Francisco M. Justo Tallón y Miguel Pérez García, no llegan tan lejos, la dramaturgia se centra en el tiempo que ocupó su puesto como Jefa del Gabinete de la Presidencia del Gobierno, con alusiones a su vida anterior y al momento en que se siente cercana a la muerte. Con una escenografía sencilla y una iluminación sugerente, además de una serie de objetos que juegan un importante papel en el desarrollo de la obra (teléfonos, micrófonos, imágenes en pantalla o ese mechero que el Rey no deja de mover en su mano derecha) la puesta en escena resulta en ocasiones tan importante como el texto a la hora de evocar pasajes. 

Mónica López es la encargada de dar vida a Carmen y lo hace con convención, como si de algún modo ella hubiera estado también en los lugares en los que se desarrolla la historia. Oriol Tarrasón se mete en la piel de Adolfo Suárez, a quien vemos quizás un poco desdibujado, demasiado influenciado por la presencia tanto del Rey como de Carmen. Ana Fernández es la madre de Carmen, María Sonsoles de Icaza y de León, una mujer que vive obsesionada por las apariencias pero que no duda en saltarse la etiqueta cuando a ella la interesa. Y Victor Massan, además de al Rey interpreta a otros personajes, como Santiago Carrillo o a algún miembro de la prensa. 

La función estará en cartel desde el 17 de enero hasta el 18 de febrero. 

Fotografías © Conchita Meléndez

LAUTARO PEROTTI ESTRENA NUESTROS ACTOS OCULTOS EN NAVES DEL ESPAÑOL CON UN REPARTO DE LUJO

 

Mañana día 16 y hasta el 3 de febrero se podrá ver, si es que encuentras entradas, la obra escrita y dirigida por el argentino Lautaro Perotti. Una historia en clave de suspense que habla de relaciones familiares rotas y de soledades encontradas. Las de sus tres protagonistas, cada uno de ellos con sus traumas a cuestas y con el dolor de no haber recibido de la vida lo que esperaban. 

Nuestros actos ocultos es la historia de Azucena (Carmen Machi), una pianista frustrada y alcohólica que nunca quiso ser madre y que no termina de aceptar su temprana enfermedad. Ella acude junto a Patri (Santi Marín) un joven con limitaciones físicas a quien acoge come si fuera su propio hijo y es su fiel acompañante, a la llamada de su hija Elena (Macarena García), responsable de un trágico acontecimiento, para huir en un viejo auto por las carreteras perdidas del país. Lo que comienza como una huida desesperada, con las horas se trasforma en un encuentro profundo entre personas que se necesitan, pero que no se conocen, y que los llevará a hacer cosas inesperadas.  

En palabras de su autor y director, Lautaro Perotti, esta es “la historia de tres soledades, de tres personas que no pudieron, no supieron o no quisieron construir un entorno, unos vínculos y unas relaciones afectivas fuertes”, explica.  También nos cuenta que aunque él es el autor de la obra, ésta se ha terminado de gestar durante las lecturas y los ensayos con la colaboración de los intérpretes y que sus aportaciones han contribuido a engrandecer la trama. 

Nuestros actos ocultos, aborda temas como la familia, la maternidad y la enfermedad, pero también el amor mal gestionado y el talento desperdiciado, la envidia, el maltrato psicológico y el dolor, el de cada uno y el que podemos infligir a los demás.   “Sobre todas las cosas, Nuestros actos ocultos habla de la búsqueda del amor, de si uno es capaz de construir y descubrir cuál es su manera de familia, de pareja, de vínculos, y animarse a descubrirlo con todo el riesgo que eso implica”, cuenta el director.

El montaje ha sido realizado a modo de ágora, con un espacio central en el que se desarrolla la historia, mientras los actores se dirigen a uno y otro lado del público que se enfrenta como en un espejo. El suelo juega un papel primordial en la representación ya que será allí donde se verán reflejados los lapsos temporales pues la obra se desarrolla hacia delante y hacia atrás para contarnos lo que ha sucedido y lo que está sucediendo.  

Hay que subrayar la profesionalidad y magnífica interpretación de todo el elenco. Carmen Machi borda su papel, dramático pero con un tono de humor negro, que llega a levantar algunas sonrisas del público que sirven para aliviar la tensión en determinados momentos. Macarena García nos hace sentir todo el dolor que lleva dentro su personaje y lo hace de un modo impecable. Y Santi Marín está inmenso interpretando un personaje nada fácil y lleno de ternura que intenta lograr que los demás sean, sino felices, siquiera menos desgraciados. 

Fotografías de escena: ©Vanessa Rabade