POR AMOR AL ARTE

miércoles, 30 de agosto de 2023

¡POR FIN SOLO! UNA OBRA DE CARLES SANS (EX DE TRICICLE) Y JOSE CORBACHO

Carles Sans, conocido como “El guapo de Tricicle” llegará en solitario al Teatro Reina Victoria de Madrid a partir del 6 de septiembre con la comedia POR FIN SOLO!, que dirige junto a Jose Corbacho, aprovechando el descanso “indefinido” de la mítica compañía, formada por el propio Carles Sans, Joan Gràcia y Paco Mir. El grupo que comenzó a actuar en 1979 en las calles de Barcelona, acaba de recibir el Premio Max de Honor 2023.

En POR FIN SOLO!, Sans, al que después de años de silencio escénico con Tricicle por fin se le escucha hablar, cuenta al público de viva voz las más hilarantes y surrealistas anécdotas profesionales y personales.

¡POR FIN SOLO! revela los secretos de una de las compañías más reconocidas y queridas por el público. Un ágil y divertido espectáculo en el que por vez primera se conjugan el más puro estilo Tricicle y la palabra del actor, la expresividad gestual de Carles Sans y el dominio de la comedia de Corbacho, amigo íntimo del actor y que dirige junto a éste la obra.

Este es el espectáculo que todos los seguidores de Tricicle querrán ver porque se cuenta los secretos de una compañía muy querida que ha hecho récord de público allá donde ha ido. ¡POR FIN SOLO! aparece en el momento más oportuno como sí de un “making of” de la vida de Tricicle se tratara. Es un espectáculo basado en hechos reales que hará reír a aquellos que quieran saber más de una compañía, que, según se ha dicho, forma parte de la memoria emocional de nuestro país.

¡POR FIN SOLO! no es únicamente un monólogo. Es un espectáculo que combina lo que se dice y cómo se cuenta, a través del gesto y la palabra de Carles Sans, quien perfila una galería de divertidos y entrañable personajes, consiguiendo una fantástica empatía entre actor y espectadores.

La obra es una producción de Lustig Media SLU, tiene una duración de 90 minutos y podrá verse en el Teatro Reina Victoria de Madrid desde el 6 de septiembre hasta el 15 de octubre.

Después de la capital están confirmadas plazas como Tordera, 22 octubre, Teatre Clave; Sevilla,10 y 11 de noviembre, Cartuja Center; Alcalá de Henares (Madrid), 17 y 18 de noviembre, Teatro Cervantes; Xirivela (Valencia), 19 de noviembre, Teatro Municipal de Xirivella; L'Hospitalet (Barcelona), 10 de noviembre, Teatre juventut de L´Hospitalet; Igualada (Barcelona), 26 de noviembre, Teatre Municipall de L´Ateneu; Pamplona, 2 de dic, Teatro Gayarre y Barcelona, del 30 de enero al 25 febrero de 2024 Teatro Poliorama.

jueves, 24 de agosto de 2023

TRANS-PLANTAR UN MONÓLOGO DE PEP NOGUERA

Transplantar es un monólogo vitalista en el que su autor y protagonista cuenta en primera persona su experiencia como diabético, las sucesivas fases de la enfermedad desde que le fue detectada siendo un niño hasta conseguir un doble trasplante que le salvo la vida.

La palabra "transplantar" se convierte en el eje vertebrador de las sucesivas vidas del actor. Una serie de trasplantes han hecho de su vida lo que ahora, finalmente, es: trasplantes de manera de ser, de profesión, de ubicación y el último y más importante, de órganos vitales.

Pep Noguera nos cuenta en este monóogo con el humor, la ironía y la sátira que siempre le han caracterizado, cómo seguir hacia delante en la vida enfrentándose a una enfermedad.

"Transplantar" intenta concienciar al espectador de la importancia de las donaciones de órganos, asunto en el que España es líder a nivel mundial, pero en el que aún queda mucho por hacer.

Oyendo en primera persona el testimonio desenfadado de alguien que ha recibido un órgano donado, se pone cara y nombre a una acción solidaria muy necesaria para la supervivencia de muchos enfermos, la donación.

La música, el transformismo, la risa y los bailes forman parte de este monólogo que es, al mismo tiempo, una metáfora del viaje colectivo que nos ha llevado desde finales de los años sesenta a los primeros de este siglo XXL

La última producción de Diabéticas Aceleradas nos muestra una faceta más de la capacidad creativa del grupo, desde la comedia grupal, al cabaret alocado y, ahora, al monólogo vital.

"Transplantar" es, por encima de todo, un canto a la vida, una inyección de energía para el cuerpo y el alma.

Pep Noguera es el director y alma mater de Diabéticas Aceleradas, fundador del grupo inicial, ha compaginado su actividad dentro del grupo con sus interpretaciones en radio y cine.

La dirección de esta obra, que podrá verse todos los miércoles a las 22:00 h. a partir del 13 de septiembre y hasta el 8 de octubre en el Teatro Lara, Sala Lola Membrives, corre a cargo de Tomeu Cañellas. La duración aproximada del monólogo es de 1 hora y 10 minutos.

Imágenes cedidas por cortesía de dyp comunicación.

jueves, 17 de agosto de 2023

EL GUGGENHEIM MUCHO MÁS QUE UN EDIFICIO

¿Quién que haya estado alguna vez en Bilbao no se ha acercado a conocer ese edificio de formas curvilíneas y retorcidas, recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio diseñado por el canadiense Frank O. Gehry? ¿Quién no ha fotografiado la araña de Bourgeois, símbolo de la fertilidad, o se ha hecho un sefie delante de Puppy? Y sin embargo ¿cuántas de las personas que han hecho todo eso se han atrevido a adentrarse en las entrañas de uno de los más importantes museos de arte contemporáneo de nuestra geografía? Tampoco nos vayamos a venir muy arriba que solo tenemos cuatro (el Guggenheim en Bilbao, el MUSAC en León, el MACBA en Barcelona y el Reina Sofía en Madrid). Yo confieso, nunca había estado en su interior.

Aprovechando una escapada de cuatro días a Castro Urdiales, ciudad cántabra pero próxima a Bilbao, para huir de las múltiples olas de calor que vienen dejándonos los sesos derretidos este verano decidí hacer una visita al Guggenheim. Saqué las entradas con antelación para asegurarme el pase y no tener que esperar colas y allí que me fui con toda la familia en uno de los días más terribles de agosto, 40 grados en Bilbao no son moco de pavo. Aun así no me arrepiento, os aseguro que la visita mereció la pena ya que aparte de la obra permanente pude ver tres magníficas muestras temporales además de la impresionante instalación “La materia del tiempo”, de Richard Serra, compuesta de ocho esculturas encargadas por la propia institución para su colección propia en el año 2005 y que se exponen en la sala 104, la más grande del edificio.

En esta instalación las piezas, enormes planchas de metal, no están unidas al suelo sino que se mantienen en equilibrio. Están hechas para que el público las recorra y las rodee creando una sensación de espacio en movimiento a veces algo claustrofóbico como en el caso de la espiral, que parece que no va a terminar nunca y que de algún modo nos va envolviendo. El sonido también es parte del juego ya que por la forma en que las planchas están colocadas se experimenta una especie de eco similar al que podría producirse en un paso entre montañas.

La primera de las exposiciones temporales que nos encontramos es la de Yayoi Kusama, que se inauguró el 27 de junio y permanecerá abierta al público hasta el 08 de octubre. Esta exposición se centra en las cuestiones existenciales que impulsan las exploraciones creativas de Kusama. A través de sus pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones y material documental sobre sus happenings y performances, la muestra ofrece un análisis en profundidad de su práctica, desde los primeros dibujos que realizó siendo adolescente durante la Segunda Guerra Mundial hasta sus últimas instalaciones inmersivas con espejos. Organizada siguiendo criterios cronológicos y temáticos, Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy aborda los seis temas clave que atraviesan la vida de la artista: Infinito, Acumulación, Conectividad radical, Lo biocósmico, Muerte y La energía de la vida.

Otra de las muestras temporales es la de la artista y escritora británica Lynette Yiadom-Boakye, conocida por sus pinturas de personajes atemporales captados en momentos cotidianos de felicidad, complicidad y soledad. “Ningún ocaso tan intenso”, que podrá visitarse hasta el 10 de septiembre, presenta una selección de más de 70 pinturas y dibujos al carboncillo realizados entre 2020 y 2023 que se muestran al público por primera vez.

La exposición representa, por tanto, una extraordinaria oportunidad para descubrir el fundamento de la artista: crear pinturas evocadoras en las que se refleje la experiencia humana. En esta última etapa, Yiadom-Boakye ha vuelto al dibujo al carboncillo, cuya escala íntima y aire de improvisación generan una impresión de inmediatez. La contemplación de estos dibujos junto a las pinturas permite apreciar la profundidad y destreza que la artista logra trabajando en los distintos soportes.

Sus exuberantes óleos sobre lienzo o sobre lino rugoso retratan, con pinceladas sueltas, a personas ficticias sobre fondos teatrales. La artista no trabaja con modelos reales, sino que sus figuras son composiciones tomadas de distintas fuentes, como álbumes de recortes y dibujos, recuerdos y observaciones de la vida cotidiana.

Y por último toca hablar de la muestra que ha sido la causante de que me desplazara hasta el museo, “Un rebelde de Viena” de Oskar Kooschka. Pintor, poeta, escritor, ensayista y dramaturgo, Oskar Kokoschka (1886–1980) comenzó su carrera en la Viena de principios del siglo XX, al igual que Gustav Klimt (1862–1918) y Egon Schiele (1890–1918). Sus primeras obras escandalizaron tanto al público como a la crítica, que enseguida le calificó como “el gran salvaje” (Oberwildling). Su rica trayectoria personal y artística abarca la mayor parte del siglo XX, estando estrechamente ligada a los acontecimientos históricos de su tiempo.

A lo largo de su vida, su afán de independencia le mantuvo al margen de cualquier movimiento artístico. En ese sentido, el único adjetivo que Kokoschka aceptó para sí mismo fue el de expresionista: “Soy un expresionista porque no sé hacer otra cosa que expresar la vida”. Este compromiso con su arte se refleja en cada una de sus obras y convierte al pintor en testigo fundamental de su época y de las transformaciones que en ella se desarrollaron.

Oskar Kocoschka fue uno de los artistas a los que los nazis tildaron como representantes del “arte degenerado”, entre ellos se encontraban también Marc Chagall, Pablo Picasso, Otto Mueller, László Moholy-Nagy y en general todos aquellos que abrazaron el arte moderno por oposición a lo que el régimen consideraba “arte heróico”. Hitler llego a afirmar en uno de sus discursos que estas distorsiones del arte moderno eran síntomas de la degeneración mental de los artistas, o de su ansia por pervertir o mentir a la gran nación.

jueves, 27 de julio de 2023

LA ARTISTA EVA LOOTZ DONA 36 OBRAS A LA FUNDACIÓN MUSEO REINA SOFÍA

Manos, 1975 © Eva Lootz

La importancia de la obra de Eva Lootz, artista visual contemporánea nacida en Austria en 1940 y residente en España desde los años sesenta, así como la influencia ejercida en la escena artística española, es incuestionable. Su producción se encuadra en el contexto de las tendencias experimentales del arte español desde los años setenta. Ha trabajado con múltiples registros y entre los elementos constantes en su obra cabe mencionar la memoria, el tiempo, el silencio y algunos de los problemas esenciales del ser humano.

Pequeño teatro de derivas, 1994 © Eva Lootz

Durante el acto de firma, que ha tenido lugar en el Museo, y al que ha asistido la directora de la Fundación Museo Reina Sofía, Carolina González, y el director del Museo, Manuel Segade, Eva Lootz ha manifestado que siente una enorme gratitud hacia España, país que le ha permitido hacer y ser lo que quería.

Las peludas, 1996 © Eva Lootz

La donación que ahora realiza la artista, valorada en más de medio millón de euros, es un conjunto representativo de su obra centrado en algunos de los elementos esenciales de su lenguaje de las últimas décadas del siglo XX y primera década de los 2000, lo que permite una lectura muy completa de la evolución de su trayectoria.

Ella vive en el traje que se está haciendo, 1994 © Eva Lootz

El Museo solo disponía hasta el momento de seis obras de esta artista, así que las 36 piezas donadas a la Fundación, que se van a integrar en la Colección del Museo Reina Sofía son fundamentales para la construcción del discurso visual, estético, histórico y teórico de una de las mayores artistas experimentales de nuestro país. Además del inestimable valor de estos trabajos, su incorporación tiene especial interés dado que van a formar parte de una importante investigación que se está llevando a cabo en el Departamento de Colecciones del Museo, con el objetivo de obtener un mapa de las obras de mujeres artistas, producidas no solo en España sino en otros países europeos, dentro de la Colección. En definitiva, la donación y el legado de Lootz, compuesto por trabajos de todas sus etapas creativas, van a ayudar a que su obra sea estudiada, catalogada, custodiada, difundida y, en un futuro, digitalizada.

De izquierda a derecha: Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía; la artista Eva Lootz, y Carolina

González, directora de la Fundación Museo Reina Sofía

jueves, 6 de julio de 2023

LAS MUJERES CREADORAS VUELVEN A SER PROTAGONISTAS EN LA NUEVA TEMPORADA DEL FERNÁN GÓMEZ

Abre el ojo © Teatro Fernán Gómez

La delegada del Área de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, y la directora artística del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, Laila Ripoll, han presentado la programación de la temporada 2023-24 de este espacio escénico del Ayuntamiento de Madrid. Tras el éxito la pasada temporada de espectáculos como Tea Rooms, Las Sinsombrero o Historia de una maestra, el teatro quiere continuar en su nueva programación dando voz a esas voces que tradicionalmente han estado silenciadas, recuperar historias de y sobre mujeres creadoras, célebres, pero también de las anónimas y familiares. Todas ellas vertebrarán la programación de la nueva temporada.

Descarados © Teatro Fernán Gómez

El Fernán Gómez ofrecerá, en sus cinco salas, una programación variada con teatro, música, danza, flamenco y exposiciones. “La próxima temporada pasarán por esta cartelera títulos clásicos y novedades, diversas disciplinas artísticas, distintos géneros musicales y diferentes temáticas, gracias a una amplia programación que persigue la variedad y la calidad, pensada para todos los públicos”, ha destacado Rivera de la Cruz, quien ha mostrado su agradecimiento a Ripoll y todo el equipo del teatro “por todo el esfuerzo realizado”.

Tío Vania © Teatro Fernán Gómez

Por su parte Laila Ripoll ha señalado, “Cuando empezamos este camino nos propusimos hacer del Fernán Gómez un lugar efervescente, donde cada día fuese una experiencia, donde siempre hubiera algo interesante que hacer y en lo que participar. Creemos que ese objetivo, a pesar de pandemias, ‘filomenas’ y otras malas hierbas, se ha cumplido con creces y cualquiera que hoy se pase por el teatro es testigo de ello. Esta próxima temporada seguiremos con esta misma idea, con esta misma ilusión”.

Lo único que quise toda la vida es ser delgada © Teatro Fernán Gómez

La presentación ha contado con la actuación de Ron Lalá, que ha ofrecido un fragmento de su espectáculo 4x4 que se estrenará en el mes de diciembre en la Sala Guirau del teatro.

En el apartado teatral la temporada dará comienzo ya en septiembre con el montaje Tras los balcones, un singular espectáculo itinerante e inmersivo, en el que dos grupos de actores recorrerán diferentes espacios del centro interpretando textos de, entre otros, Juan Mayorga, Jerónimo López Mozo o Juan Gracia Morales.

La Sala Guirau comenzará temporada con el montaje Galdós Enamorado, con Emilio Gutiérrez Caba y María José Goyanes en los papeles protagonistas. También en la Sala Girau se representarán Abre el ojo, de Rojas Zorrilla, a cargo de Noviembre Compañía de Teatro; 4x4, el nuevo montaje que estrenará Ron Lalá en diciembre; Tío Vania, con versión y dirección de Juan Pastor; La Regenta, de Leopoldo Alas Clarín, en versión teatral de Eduardo Galán y dirección de Helena Pimienta, o Todas las hijas, una producción del Teatro Arriaga, con dirección de Andrés Lima e idea original de Gemma Martínez basada en La Casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca.

Completan la programación en este espacio Un delicado equilibrio de Edward Albee y dirección de Nelson Valente, con Alicia Borrachero, Manuela Velasco y Ben Temple en el escenario y Descarados, de Darío Fo y Franca Rame en la versión y dirección de Santiago Sánchez, a cargo de la compañía L’Om Imprebís.

Paloma Pedrero, con la compañía Caídos del Cielo presentará Isla, un montaje que mostrará una Sala Jardiel Poncela totalmente transformada para esta ocasión. Este mismo espacio albergará Vano fantasma de niebla y de luz, una selección de textos de Bécquer realizada por Raúl Losánez, con Beatriz Argüello y David Luque. En noviembre, Esther Carrodeguas con Lo único que verdaderamente quise toda la vida es ser delgada abordará la gordofobia con una cruda sinceridad.

Éstas son algunas de las propuestas que se podrán ver en los primeros meses en los distintos escenarios del teatro, que contarán también con un amplio programa dedicado a la música y a la danza, en el que estarán presentes como cada temporada el Jazz, el Flamenco, la Música Fusión o el Gospel. La danza volverá en el mes de junio con la cuarta edición de Danza en la Villa.

La temporada expositiva comenzará con Amazônia de Sebastiâo Salgado, del 13 de septiembre al 14 de enero. De marzo a junio de 2024 la Sala de Exposiciones acogerá Notre-Dame Paris, L’Exposition Augmentée. Tras ésta última volverán a ocupar las paredes algunas de las exposiciones del próximo Festival de PhotoEspaña, con quien seguirán colaborando.

miércoles, 28 de junio de 2023

MATARILE PRESENTA EN NAVES DEL ESPAÑOL SU NUEVO ESPECTÁCULO, FRÁXIL. HANDLE WITH CARE, PIEZA FINAL DE SU TRILOGÍA DE LA FRAGILIDAD

La directora artística del Teatro Español y Naves del Español en Matadero, Natalia Menéndez, ha presentado esta mañana Fráxil. Handle with care, obra de la compañía Matarile, con texto y dirección de Ana Vallés, que podrá verse desde el próximo 30 de junio y hasta el 16 de julio en la Sala Max Aub de Naves del Español en Matadero, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid. Esta obra es la última parte de la Trilogía de la fragilidad de la compañía Matarile y está protagonizada por Celeste González, Claudia Faci, Antón Coucheiro, Alfredo Pérez y Pau Cólera.

Tras la lucha contra el caos que se planteaba en la primera parte, El diablo en la playa (2020), y la decisión de entrar en lugares a la que invitaba INLOCA (2022), Vallés reflexiona en esta ocasión junto a su equipo sobre una Europa desde la que ya no se escribe la historia, al tiempo que aborda “la fragilidad del paseo, del que pasa, del que huye, de la conversación peregrina que nos lleva, buscando algo de un lugar a otro”. Se entiende esta obra, que en realidad es una obra coral en la que todos los participantes aportan textos propios y miradas propias, como una fragilidad del cuerpo, de cuerpos que buscan otros cuerpos, pero también como algo más, una forma de recuperar lo que para la autora es la esencia del teatro, la presencia desnuda de unas personas que se muestran en toda su vulnerabilidad.

Aunque se ha optado por la sencillez al realizar el montaje, Fráxil transforma el espacio con apenas unos pocos recursos: los cuerpos, las luces y las sombras que los envuelven y el sonido exterior que los acompaña. Para Ana Vallés el sonido es muy importante, ha comentado que no soporta los silencios en el escenario porque en la vida el silencio no existe. El agua, siempre presente y cambiante, la luz, el vídeo de proyectores que deforman la arquitectura, el claroscuro, la voz sin cuerpo, las sombras o la música que no siempre acompaña a la danza, entre otros recursos, son algunos de los elementos que configuran esta pieza.

En la presentación han acompañado a la directora dos de los integrantes que componen el elenco, Celeste González y Claudia Faci, quienes han explicado la forma en que se han visto implicadas en la elaboración del proyecto desde la idea original y lo que cada una de ellas han aportado al resultado final.

La función de Teatro Accesible de Fráxil. Handle with care tendrá lugar el viernes 7 de julio.

Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años.