LA AVENTURA DE LA PALABRA

En 1998 Fernando Fernán-Gómez fue elegido como académico de número de  la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Para poder tomar posesión del sillón B, Fernán-Gómez debería, como el resto de nominados, pronunciar un discurso. Lo hizo el 30 de enero del 2000 con el discurso titulado Aventura de la palabra en el siglo XX. Le respondió, en nombre de la corporación, Francisco Nieva.

Ahora, basado no exactamente en el discurso pronunciado sino en la elaboración del mismo, el teatro que lleva por nombre el del autor, Fernán Gómez, ha creado una pieza teatral dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente en la que  Raúl Losánez firma la dramaturgia y la versión. 

El actor Nancho Novo interpreta a Fernán-Gómez con gran acierto, tanto en lo físico como en lo gestual e incluso a veces en lo vocal. La réplica se la da Marta Poveda, una actriz polivalente y con gran poderío que da vida a la palabra. Y es que de palabras va la cosa, las dichas, las sobreentendidas, las ocultas, las escritas, las que busca un autor y a veces se empeñan en no aparecer. 

Pérez de la Fuente, director también del centro que lleva el nombre de este gran actor y escritor, considera que el discurso de ingreso a la Real Academia de Fernán Gómez es para muchos académicos y críticos “uno de los mejores discursos de cuantos se han podido escuchar en tal ilustre institución y una defensa apasionada de la libertad a través de la palabra”. Además, añade que “este proyecto responde plenamente a los criterios y objetivos de esta dirección artística, que es que el espíritu de Fernán Gómez sea la identidad, el alma y la palabra del teatro que lleva su nombre. Creemos que es justo y necesario hacerlo”.

El diseño de escenografía y vestuario lo firma también  Juan Carlos Pérez de la Fuente y junto con la iluminación de José Manuel Guerra juega un importante papel en la representación, aunque debo de confesar que en algunos momentos es complicado para los espectadores, quien a fuerza de tener que volver la cabeza de un lado a otro caen en riesgo de contraer una torticolis. Incluso en algunas escenas se da el caso de que estando uno de los intérpretes en el escenario central y el otro fuera del mismo, en las extensiones que a tal fin se han creado, es imposible visualizar a ambos y el diálogo establecido entre ellos queda limitado, o tal vez no, pues a falta de imagen debemos apoyarnos en la palabra. 

 El espacio sonoro es de Ignacio García y también está muy presente durante toda la representación. El maquillaje y peluquería es de La Kasa del Maquillaje S.L.

La obra es una producción del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa en colaboración con la Compañía del Figurín y permanecerá en la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez hasta el 22 de junio.

Juan Carlos Pérez de la Fuente, Marta Poveda, Raúl Losánez y Nancho Novo

Fotografías © Conchita Meléndez

CORIOLANO EN VERSION DE ANTONIO SIMÓN

 

Coriolano, una de las últimas tragedias de Shakespeare y que forma parte de la trilogía romana junto a Antonio y Cleopatra, estará representándose en los teatros del Canal, en su Sala Roja, únicamente hasta el domingo día 8, en total serán 5 las representaciones que podrán verse en Madrid de esta versión de Antonio Simón, creada para el Festival de Mérida.

En la antigua República de Roma, a raíz de una hambruna, el pueblo, o plebeyos, se rebela contra los patricios, la clase dirigente. En respuesta a sus protestas y tras un encuentro del pueblo con el aristócrata Menenio, los patricios conceden al pueblo dos representantes (tribunos) en los asuntos públicos, una decisión que provoca la ira del orgulloso militar patricio Cayo Marcio que no siente sino desprecio por las clases bajas. En ese momento, estalla la guerra con una vecina tribu italiana, los volscos, guiados por el gran rival de Cayo Marcio, Tulio Aufidio. Los volscos son derrotados y Roma toma la ciudad italiana de Corioles gracias al heroísmo de Marcio. En reconocimiento a sus grandes hazañas, a instancias de las recomendaciones de su madre Volumnia, a Cayo Marcio se le concede el nombre de Coriolano.

A su regreso a Roma, Coriolano recibe la bienvenida de un héroe, y el Senado se dispone a nombrarle cónsul. Con el fin de obtener este cargo, según marcan las costumbres, Coriolano ha de salir a pedir los votos de los plebeyos, una tarea a la que se compromete a regañadientes. Al principio, la gente común se muestra dispuesta a darle sus votos, pero luego revierte su decisión ante la insistencia de los tribunos, Bruto y Sicinio quienes consideran a Coriolano un enemigo del pueblo. Coriolano es incapaz de controlar su orgullo herido y en un arrebato de furia cuestiona la soberanía misma del pueblo. Bruto y Sicinio lo declaran traidor al Estado romano y Coriolano es condenado al exilio.

Deseoso de vengarse, Coriolano pide asilo en la patria de sus enemigos, los volscos, y hace las paces con su líder, Aufidio. Entre ambos planean una nueva campaña contra Roma. Su ejército procede a marchar sobre Roma, lanzando ataques contra las poblaciones vecinas y sumiendo a la ciudad en el pánico. Muy pronto Aufidio y Coriolano están acampados fuera de las murallas de la ciudad. Su viejo amigo Menenio le pide misericordia pero Coriolano se niega a escucharlo. Sin embargo, cuando Volumnia le ruega hacer la paz, Coriolano, tras el conmovedor discurso de su madre, se arrepiente de sus actos y sella su destino.

Aunque se considera una de las obras menos conocidas de Shakespeare, en España se ha representado en varias ocasiones por distintas compañías, en esta ocasión Roberto Enríquez, en el papel de Coriolano, encabeza un elenco de nueve intérpretes:  Carmen Conesa, como Volumnia; Manuel Morón dando vida a Menenio; Álex Barahona en la piel de Cominio; Santiago Molero como Bruto; Juan Díaz de Sicinio; María Ordóñez encarnando a Virgilia; Beatriz Melgares doblando papel como lugarteniente y ciudadano y por último Javier Lara como Aufidio.

Con una escenografía de Paco Azorín, agotadora para los actores pero muy adecuada para un recinto como el del Teatro Romano de Mérida y que encaja bien sobre el escenario de la Sala Roja de los Teatros del Canal, los actores interpelan al público que pasa a ser parte de la representación como miembros del pueblo. El diseño de vestuario es de  Ana Llena y el diseño de iluminación de Rodrigo Ortega. El espectáculo es una coproducción del Festival de Mérida y Vania.

Fotografías ©Jero Morales

LOS YUGOSLAVOS UNA OBRA DE JUAN MAYORGA EN LA QUE LOS SILENCIOS PESAN TANTO COMO LAS PALABRAS

 

Los nacidos después de 1992 tal vez ni siquiera sepan que hubo una vez un país llamado Yugoslavia, que en realidad tuvo una corta duración como tal. No llegó ni a un siglo desde su creación recién acabada la primera guerra mundial. Y entre medias ya tuvo sus altibajos. Pero no es de Yugoslavia de lo que nos habla la recién estrenada obra de Juan Mayorga en su feudo, el Teatro de la Abadía. Aunque si utilizamos el país como metáfora podríamos encontrar ciertas similitudes, ya que se trata de una obra de encuentros y desencuentros, de tristezas y de soledades. 

La ficción sucede entre cuatro espacios que conviven en el escenario más allá de la escenografía: un bar, una casa, una ciudad y un mapa. Lugares y no lugares que los personajes habitan e imaginan y que ya comienzan a tomar forma. "Para la construcción de esos espacios son fundamentales las decisiones que estamos tomando sobre la escenografía -que firma Elisa Sanz-, el sonido -de Jaume Manresa- y la luz -de Juan Gómez-Cornejo-", señala el director acerca de su colaboración con grandes profesionales para esta producción del Teatro de La Abadía, para la que vuelve a contar con dos creadores arraigados a la institución en su treinta aniversario como son Elisa Sanz y Juan Gómez Cornejo.

Se trata del tercer montaje del dramaturgo y director Juan Mayorga para el Teatro de La Abadía desde que es director artístico. Sus anteriores trabajos en esta casa han sido María Luisa (2023), cuyo estreno en La Abadía vino sucedido por una gira europea y La colección (2024), que convocó sobre el escenario a dos grandes intérpretes como son José Sacristán y Ana Marzoa. En estos 30 años de historia también se recuerdan textos como Hamelin, con Blanca Portillo, Alberto Sanjuan, entre otros, y dirección de Andrés Lima, La tortuga de Darwin con Carmen Machi y puesta en escena de Ernesto Caballero e Intensamente azules, su quinto montaje como director protagonizado por César Sarachu.

El tema de la obra comienza a desarrollarse en un bar, el típico bar de barrio donde los camareros son algo más que camareros, donde hay una camaradería entre ellos y los clientes, en donde siempre hay historias que contar y que escuchar. Un bar como El Tranvía, que fue propiedad del abuelo de Mayorga  y en el que el pasó muchos ratos siendo niño. 

Martín (Javier Gutiérrez) , un camarero, observa cómo un cliente, Gerardo (Luis Bermejo), ayuda a otro hombre a levantarse tras perder su empleo, lo que provoca en Martín una reflexión sobre su propia vida y la tristeza de su esposa. Martín completamente enamorado de Ángela (Natalia Hernández) se siente impotente para ayudar a su mujer, quien no acepta ayuda profesional y pide ayuda a Gerardo,  le pide que siga a su esposa,  que hable con ella, que lleva callada mucho tiempo, sumida en una terrible melancolía que la lleva a deambular por la ciudad con un mapa en la mano en busca de un lugar donde se reúnen “los yugoslavos”. Solo ese cliente podrá saber qué le pasa a su mujer. Sin embargo en la búsqueda de la verdad se verá también implicada Cris (Alba Planas), hija de Gerardo.

Los personajes protagonistas son dos hombres que intercambian palabras y dos mujeres que intercambian mapas. Pero también es una obra de objetos perdidos, de personajes que nos recuerdan a otros del corpus de Mayorga, de un padre y su hija, del rugir de una ciudad, de un bar sin cocinero. Una función en la que ningún personaje pisó Yugoslavia. El título alude a un lugar donde se "juega de verdad y las mujeres bailan", un espacio donde quizás se reúnan personas que tendrían en común haber nacido en un país que ya no existe. ¿De dónde son las personas de los países que ya no existen? ¿A dónde vamos cuándo la vida que vivimos se desintegra y ni siquiera sabemos qué es lo que estamos buscando?

Juan Mayorga es dramaturgo, autor de más de una treintena de piezas, director de escena y doctorado en Filosofía y Matemáticas. Ha sido profesor de Dramaturgia y de Filosofía en la RESAD y dirige el Máster de Creación Teatral de la Universidad Carlos III. Es miembro de la RAE y ha sido galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Letras. Desde el año 2022, ostenta el cargo de director artístico del Teatro de La Abadía.

Los yugoslavos estará en el Teatro de la Abadía de Madrid del 22 de mayo al 6 de julio  y la mayoría de las entradas ya están vendidas. 

NACHO DUATO LLEGA AL TEATRO ALBENIZ CON SU NUEVA COMPAÑÍA

 

El reconocido coreógrafo y director Nacho Duato ha presentado en Madrid a su joven compañía, la Compañía Nacho Duato (CDND), que actuara en el Teatro Albéniz del 12 al 15 de junio tras cosechar éxitos y agotar entradas en toda España. 

Esta agrupación está integrada por jóvenes bailarines de todo el mundo que han superado un riguroso proceso de formación en la propia Nacho Duato Academy. Desde su estreno el pasado 5 de junio de 2024 en Alicante, la CDND ha ofrecido más de 30 funciones en 16 ciudades españolas, colgando el cartel de “entradas agotadas” y poniendo al público en pie en cada representación.

En esta esperada cita madrileña, Nacho Duato regresa a la capital tras más de 15 años de ausencia con un programa que incluye algunas de sus obras más emblemáticas: Gnawa, con música del Magret, Liberté (un paso a dos, extracto de Rassemblement) y Duende, además de Cantus, su última creación coreográfica con música de Karl Jenkins que viene a ser una mirada de atención a los niños de la guerra, especialmente a los niños de Gaza. Está visto a mucha distancia con mucha poesía y espera que invite al público a reflexionar. 

El creciente éxito de la CDND se refleja en una próxima temporada repleta de nuevos espectáculos tanto en España como a nivel internacional. El repertorio se ampliará con obras clásicas del coreógrafo y nuevas creaciones. La compañía se consolida como una plataforma artística para impulsar a jóvenes bailarines, ofreciendo oportunidades laborales en una España donde escasean las compañías de danza y muchas luchan por sobrevivir. Todo ello bajo la dirección de un coreógrafo en activo, cuyas obras continúan evolucionando sin perder su esencia ni su valor artístico original.

Las piezas de Nacho Duato han cautivado a públicos de todo el mundo y hoy se consideran parte fundamental del patrimonio cultural de la danza en España, a pesar de las pocas o ninguna ayuda que reciben por parte de la administración, según ha comentado el coreógrafo. 

Aunque en un principio Nacho Duato rechazó dirigir la compañía, ahora se siente totalmente feliz de trabajar con gente tan joven, que absorbe los conocimientos como esponjas y son sumamente agradecidos y respetuosos a la hora de aprender. En la compañía hay gente de Japón, de Corea, Australia, América, Francia, Italia y cuatro españoles. No reciben ningún tipo de subvención pública, lo que les permite trabajar con mayor libertad pero expuestos a los resultados de taquilla. Tampoco ha sido posible recuperar los fondos ni los telones de sus coreografías, por lo que han tenido que improvisar para estas nuevas puestas en escena. A pesar de todos estos inconvenientes y pese a ellos lo que impera en la compañía es mucha ilusión y estamos seguros de que eso el público sabrá verlo y agradecerlo. 

NAVE 10 ESTRENA MIHURA, EL ÚLTIMO COMEDIÓGRAFO, UN HOMENAJE AL AUTOR Y A LOS CÓMICOS DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

 

El joven autor Adrián Perea ha escrito una comedia que bien podría haber salido de la pluma del propio Mihura. Basándose en la creación de la obra Tres sombreros de copa, pero con una mirada propia, Adrián que dice ser un amante de los grandes autores de comedia, decidió leerse un día todas las obras de Miguel Mihura donde descubrió la historia de como el dramaturgo escribió su primera gran obra, que es lo que nos cuenta en esta historia en la que ha colaborado con Beatriz Jaén quien asume la dirección de la misma. 

No tuvo suerte Mihura y a pesar de que recibió buenas palabras por parte de los empresarios ninguno se decidió a subir la misma a los escenarios, no la entendieron. Tres sombreros de copa había sido escrita durante una larga convalecencia del autor que le tuvo postrado en cama. Era el año 1932 y  en ella relata de algún modo partes de su vida, su niñez entre camerinos, su padre era actor y empresario teatral, su  acuerdo con Carlos Alady para unirse a su compañía y escribirle cuplés y sus enamoramientos de dos mujeres una de las cuales era bailarina y formaba parte de la compañía de Alady. 

Ante el rechazo de los empresarios a estrenar una comedia considerada una de las obras maestras del teatro humorístico y que anticipa algunos aspectos del teatro del absurdo, Mihura decide guardarla en un baúl del que no saldrá hasta 1947, año en que se publica por primera vez y que aún tardaría 5 años más en ser representada. Su estreno fue en el Teatro Español, su director Gustavo Pérez Puig y la compañía que la representaba estaba formada por los alumnos del TEU (Teatro Español Universiario), cuyos componentes Gloria Delgado, José María Prada, Agustín González, Juanjo Menéndez y Fernando Guillén llegarían a ser tiempo después algunos de nuestros más reconocidos actores. Se realizó una sola representación y tuvo un gran éxito, tanto es así que tiempo después se intentó volver a llevar a escena, pero no consiguió repetir la buena acogida anterior. 

Tres sombreros de copa supone, por su originalidad, una ruptura con el teatro cómico anterior. También supone el mayor esfuerzo del autor por construir un nuevo tipo de comedia. Y con esa base Adrián Perea y Beatriz Jaén han construido una comedia divertida e inteligente que está muy bien interpretada por un elenco formado por David Castillo y Rulo Pardo en el papel de Mihura en dos momentos distintos del tiempo, estupendos los dos. Pardo pone una nota sentimental y canalla en ese comediógrafo ya maduro y desencantado y David Castillo representa la ilusión y la inocencia de los primeros años del autor. Junto a ellos, representado distintos papeles están Paloma Córdoba,  Esperanza Elipe, Esther Isla, Kevin de la Rosa y Álvaro Siankope. 

El diseño de escenografía, muy acertado, que nos muestra los entresijos del teatro desde las bambalinas es obra de Pablo Menor Palomo. La iluminación de Pedro Yagüe. El diseño de vestuario de Vanessa Actif y el diseño de sonido y composición de música original lo firma Luis Miguel Cobo. Todos ellos colaboran a dar un toque retro a esta estupenda función que estará en cartel en la Sala Max Aub (Nave 10 Matadero) hasta el 15 de junio. 

Adrián Perea y Beatriz Jaen ©C. Meléndez

Las fotos de escena han sido realizadas por ©Jesús Ugalde

CASA DE MUÑECAS, OTRA VUELTA DE TUERCA

 

Mi primer acercamiento a la obra de Ibsen fue en 1964, cuando apenas contaba 9 años de edad o ni siquiera eso. Fue la versión que Juan Guerrero Zamora, realizó para Televisión Española cuando aún se hacía teatro en directo. El espacio se llamaba Primera Fila y la obra fue protagonizada por Elena María Tejeiro y Paco Morán. Mi madre formaba parte del reparto y yo solía acompañarla a los ensayos en unas salas habilitadas para tal fin en un restaurante llamado Casa Pepe, muy próximo a la antigua sede de los estudios de Televisión en el Paseo de la Habana. Debió de ser una de las últimas obras de teatro que se hicieron allí ya que unos días después se inauguraban los nuevos estudios de Prado del Rey. 

Desde entonces han sido muchas las versiones que he visto de Casa de Muñecas, incluída la película  A Doll's House (1972) dirigida por Joseph Losey, y un par de ellas representadas en el teatro Fernán Gómez en el 2011, con dirección de Amelia Ochandiano, y en el 2017 con un atrevido montaje de José Gómez-Friha. Ahora este mismo teatro vuelve a subir a sus escenarios el personaje de Nora, interpretado en esta ocasión por María León, en una versión de Eduardo Galán que la lleva a nuestros días y bajo la dirección de Lautaro Perotti. 

Según Perotti, una de las novedades de la nueva versión de la obra de Ibsen es el hecho de que en esta ocasión Nora decide no echar culpas sino revisar sus decisiones tomadas tanto en su matrimonio como en su vida y atreverse a enfrentarse a ella misma, a mirarse al espejo y decidir cambiar el rumbo de su vida. La obra 150 años después nos sigue interpelando, nos sigue haciendo preguntarnos que hicimos con  nuestra vida, que decisiones tomamos, dónde nos equivocamos y si seremos capaces de rectificar. 

Evidentemente muchas cosas han cambiado en la sociedad desde que Henrik Ibsen escribió Casa de muñecas, porque en el fondo la obra no trata solo de una crisis matrimonial sino de unas normas sociales impuestas a las que todos hemos tenido que someternos en algún momento de nuestras vidas. Sin embargo como espectadores seguimos sintiendo que aún a día de hoy siguen dándose situaciones en las que muchas mujeres siguen identificándose con Nora y más de una necesitaría dar un portazo. 

A María León la acompañan en el reparto Santi Martin como Osvaldo Helmer, marido de Nora, Alejandro Bruni como el Doctor Rank, amigo del matrimonio y secretamente enamorado de Nora, Pepa Gracia, en el papel de Cristina Linde, amiga de Nora y que es quien propicia los acontecimientos  que llevarán al desenlace y Patxi Freytez, en el papel de Óscar el procurador, en la obra original Krogstad. 

El diseño de escenografía y vestuario es de Lua Quiroga, quien reduce el escenario al mínimo jugando con una especie de cajas que según van girando y se van desplazando pasarán de ser un salón a un dormitorio o a un cuarto de baño, representando de ese modo las distintas estancias en las que se desarrolla la trama. El diseño de iluminación es de Luis García (Secuencia 3) y la música original y espacio sonoro de Manu Solís. 

Casa de Muñecas, que en cierto modo simboliza el nacimiento de la independencia de la mujer frente al dominio del hombre en las relaciones familiares y de pareja podrá verse en la Sala Principal del Teatro Fernán Gómez hasta el 22 de junio en horario de martes a sábado: 20 h. – Domingo: 19 h.

Fotografías ©Conchita Meléndez