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martes, 9 de abril de 2024

UN DELICADO EQUILIBRIO, DE EDWARD ALBEE EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 


La obra teatral "Un delicado equilibrio" de Edward Albee, ganadora del premio Pulitzer en 1967, es una exploración intensa y turbulenta de las relaciones familiares y de amistad. La historia sigue a Agnes y Tobías, una pareja adinerada de mediana edad, cuya complacencia se ve alterada cuando sus amigos de toda la vida, Harry y Edna, llegan inesperadamente a su puerta, huyendo de un miedo indefinible que los ha obligado a abandonar su hogar. Este encuentro desencadena una tormenta emocional que pone en entredicho el delicado equilibrio de la vida de Agnes y Tobías.


La obra presenta a los personajes como seres atormentados por sus propias contradicciones y vulnerabilidades. Agnes, Claire, Tobias y Julia exhiben una gama de emociones que van desde la ternura hasta la repulsión, reflejando así la complejidad de las relaciones humanas. La llegada de Harry y Edna actúa como un catalizador que sacude las bases de la vida cotidiana de Agnes y Tobías, desencadenando un enfrentamiento con el miedo y la incertidumbre.


La presencia constante del alcohol en la obra sirve como un catalizador para un diálogo peligroso y excitante entre los personajes. Las conversaciones se convierten en un torbellino de pensamientos y emociones, donde todo se dice pero nada se resuelve verdaderamente. Esta dinámica refleja la incapacidad de los personajes para enfrentar sus propios miedos y conflictos internos.

A pesar de que "Un delicado equilibrio" fue escrita hace más de cincuenta años, su relevancia perdura en la sociedad actual. La obra plantea temas universales como la crisis de la seguridad en el mundo occidental y la inevitabilidad del paso del tiempo. En un mundo donde las estructuras sociales y las certezas se desmoronan, el miedo y la ansiedad se convierten en compañeros constantes.


Al final de la obra, Agnes sugiere comenzar el nuevo día como si quisieran empezar de nuevo, lo que plantea la posibilidad de un renacimiento después de la crisis. Esto nos lleva a reflexionar sobre el significado del miedo en nuestras vidas y el papel que juega en nuestro crecimiento personal. ¿Qué lecciones podemos aprender de enfrentar nuestros miedos más profundos? ¿Cómo podemos encontrar un equilibrio entre la seguridad y la incertidumbre en un mundo en constante cambio?

Protagonizada por Alicia Borrachero, Ben Temple, Manuela Velasco, Anna Moliner, Cristina de Inza, Joan Bentallé y bajo la dirección de Nelson Valente, la obra se puede ver en la Sala Guirau del Teatro Fernán Gómez hasta el 28 de abril. 


CASTING LEAR, UNA OBRA DE ANDREA JIMÉNEZ EN EL TEATRO DE LA ABADÍA

 


Es difícil definir lo que es Casting Lear sin haberla visto. Según su autora, nos encontramos en un ficción en la cual lo que hay en abundancia es “nada”. “La obra es un homenaje al teatro y por tanto es un homenaje a la nada, que es la frase fundamental que le dice  el Rey Lear a su hija Cordelia: “Nada puede surgir de la nada”. Por tanto lo que Andrea Jiménez pretende en esta versión personal de la obra de Shakespeare es un intento de sacar algo de la nada en esta pieza en la que el actor no sabe nada, en la que en la escena no hay nada, no se usa atrezo, no se usa un vestuario. Es simplemente un escenario encima de un escenario. La obra empieza con nada y termina con nada. 

Es también una terapia de sanación en la que se emplea el perdón como arma ya que tal como dijo el filosofo Reyes Mate “El perdón es el poder de la víctima.” Así Andrea Jiménez se enfrentará cada noche en cada representación a todos los padres que merecen ser perdonados, al Rey Lear que repudió a su hija Cordelia por supuesto, pero también a su propio padre y a otros muchos padres que aunque no estén en el escenario están en el fondo de lo que nos cuenta esta historia. 

Esta versión-simulacro de Rey Lear aspira a ser una puerta abierta para pensar cómo nos relacionamos con nuestros padres, los biológicos, pero también los metafóricos, incluido el mismo William Shakespeare. Es una autoficción a partir de un clásico o un clásico autoficcionado, y ojalá ninguna de las dos cosas. Es una pieza sobre el origen, sobre cómo lo que vino antes nos persigue aunque queramos ignorarlo. Sobre cómo nos construyen quienes nos preceden. Sobre cómo inventar una vida que te pertenezca sin olvidar el pasado. Sobre cómo imaginar otros finales posibles.

Andrea investiga los cruces entre ficción y realidad, teatro y performance en esta irreverente adaptación de Rey Lear de William Shakespeare, en la que dirigirá en directo a un actor distinto cada noche en el rol de Lear, porque la obra es también una audición, o un ensayo, eso que sucede antes de que todo suceda, el lugar justo antes de que algo tome su forma exacta. El momento exacto en el que aún todo es posible.

Con un reparto en el que figuran Andrea Jiménez y Juan Paños junto a José Luis Alcobendas, Ernesto Arias, Miguel del Arco, Jarek Bielksi, Alfonso Delgado, Adolfo Fernández, Juan Fernández, Daniel Freire, Vicente León, Andrés Lima, Mariano Llorente, Jesús Noguero, Rafa Núñez, Carlos Olalla, Alberto San Juan, Ángel Solo, José Luis Torrijo. De los que los únicos fijos serán Andrea y Juan Paños, en el papel de “Apuntador”, y donde el resto estarán en una sola función sin que el espectador que acuda a ver la función sepa previamente a quien le va a corresponder ser el Rey Lear ese día, nos encontramos ante un auténtico reto, tanto para quienes acudamos al teatro como para los propios actores y es que éstos llegarán allí sin un guion previo y serán guiados en sus primeros 30 o 40 minutos de representación por un pinganillo a través del cual el apuntador les irá dando las instrucciones de la directora, es decir de Andrea, sin que el público pueda escuchar dichas directrices. Si escuchará en cambio las palabras de Cordelia, teniendo que separar por tanto el trabajo de ambos roles, el de directora y el de protagonista de esta tragedia, ambos bajo el velo de la palabra de Andrea Jiménez.

Andrea abre así un espacio de encuentro con todo una generación de actores y hombres para reflexionar sobre la paternidad, el amor y el perdón, en un ejercicio teatral tan valiente como lúdico.

En este viaje la han acompañado Úrsula Martínez que codirige la obra con ella, Olga Iglesias en la dramaturgia, Judit Colomer en Iluminación y Escenografía, Lucas Ariel en el espacio sonoro, Amaya Galeote e Inés Narváez como encargadas de movimiento y Yaiza Pinillos encargada de vestuario. 

La obra estará en la Sala José Luis Alonso del Teatro de la Abadía entre el 11 y el 28 de abril. 






domingo, 7 de abril de 2024

EL MONSTRUO DE LOS JARDINES: LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO REVIVE UNA JOYA MITOLÓGICA DE CALDERÓN DE LA BARCA

 


Desde tiempos inmemoriales, el teatro ha sido un escenario para explorar los aspectos más profundos y efervescentes de la condición humana. En este vasto panorama de la dramaturgia, el Siglo de Oro español resplandece como una época dorada de la creación teatral, y entre sus luminarias destaca la figura imponente de Pedro Calderón de la Barca. En el vasto repertorio del dramaturgo se encuentra una joya poco conocida pero ahora recuperada por la Compañía Nacional de Teatro Clásico: "El monstruo de los jardines".

Este estreno absoluto, que ha sido puesto en escena en el Teatro de la Comedia de Madrid desde el pasado 5 de abril, es una obra que destila la esencia misma del teatro calderoniano: una combinación exquisita de mitología, intriga, humor y poesía. Dirigida y versionada por Iñaki Rikarte, quien ya ha dejado huella en la escena española con sus trabajos previos, este montaje es un festín para los sentidos y la inteligencia.

El elenco, conformado por jóvenes talentos provenientes de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, demuestra un gran dominio escénico. El elenco está formado por: Íñigo Arricibita, Xabi Caudevilla, Cristina García, Ania Hernández, Nora Hernández, Antonio Hernández Fimia, Pascual Laborda, Cristina Martín Miró, Felipe Muñoz, Miriam Queba, María Rasco y Marc Servera, que dotan de vida y frescura a los personajes de esta comedia mitológica. Es la culminación de un proceso de formación y crecimiento artístico que se inició con la exitosa gira de "La discreta enamorada", dirigida por Lluís Homar, y que ahora alcanza nuevas cumbres con "El monstruo de los jardines".

La trama de la obra nos sumerge en el contexto de la guerra de Troya, un escenario cargado de heroísmo y traiciones. El oráculo de Marte dictamina que sin la participación de Aquiles, los griegos no alcanzarán la victoria. Pero la madre del héroe, la diosa Tetis, decide ocultarlo disfrazado de mujer en el palacio del rey de Egnido para protegerlo de un destino fatal. Esta premisa da lugar a un enredo de proporciones épicas, donde la astucia de Ulises se enfrenta al ingenio de Tetis en una batalla de voluntades que desemboca en situaciones hilarantes y emotivas.

Lo que hace que "El monstruo de los jardines" sea una obra tan excepcional es su capacidad para conjugar la grandiosidad del mito con la cotidianidad del drama humano. Calderón nos presenta a dioses y héroes, pero también a seres vulnerables y apasionados que luchan por sus deseos y convicciones. La riqueza de los versos calderonianos, su musicalidad y su profundidad filosófica se entrelazan en cada escena, invitando al espectador a reflexionar sobre el sentido de la existencia y el poder transformador del amor y la libertad.

En palabras del propio director, "El monstruo de los jardines" es un tesoro por descubrir que revela la grandeza y la diversidad del Siglo de Oro español. Es una obra que sorprende por su vigencia y su relevancia en el contexto contemporáneo, donde los conflictos bélicos y las luchas por la identidad siguen resonando con fuerza. Pero también es un homenaje al poder del teatro como espacio de encuentro y celebración de la vida en todas sus facetas.

Sobre los elementos escénicos, el director afirma que «La obra sucede en los prolegómenos de la guerra de Troya, pero nos parecía que llevarlo históricamente a ese tiempo remoto colocaba la idea de la guerra en un plano romántico, rebajando su crudeza. Por este motivo, tratando de llevar la función a un lugar más concreto y reconocible por el espectador, hemos trabajado con la década de los 50 y 60 como punto de partida para la utilería, el vestuario y la música, aunque no hemos permitido que esta elección nos limite, pues la propia obra original y en general las del Siglo de Oro, muestran un gran eclecticismo».   También siguiendo esta línea se han intentado incorporar o recoger los antiguos elementos de tramoya traídos por escenógrafos italianos a la corte en el siglo XVII, por medio del trabajo de Mónica Boromello, heredera del trabajo de aquellos escenógrafos y que ha construido una escenografía móvil que tiene mucho que ver con la rueda de la Fortuna, la rueda de la vida, ya que en esencia la obra es una lucha contra el destino.  

© C. Meléndez

El monstruo de los jardines es una producción de la CNTC que estará en cartel en el Teatro de la Comedia hasta el 26 de mayo.  

Fotos de escena : © Sergio Parra





viernes, 5 de abril de 2024

"CAMINO LARGO DE VUELTA A CASA": LA TRAVESÍA EMOCIONAL DE TRES GENERACIONES DE MUJERES

 


En la compleja danza de relaciones familiares, a menudo nos encontramos atrapados entre el amor, el odio, la incomunicación y la soledad. Es en este torbellino de emociones donde se sitúa "Camino largo de vuelta a casa", una obra del dramaturgo Iñigo Guardamino que arroja luz sobre los intrincados vínculos que unen a tres generaciones de mujeres bajo un mismo techo.

La trama de la obra se desarrolla en torno a Filomena, una anciana que, a sus noventa años, vive en una suerte de letargo emocional, anhelando la muerte como única liberación. Su hija Begoña, por otro lado, se dedica a persuadir a potenciales suicidas para que elijan la vida, mientras lucha con sus propias batallas internas. Y finalmente, está Luisa, la nieta, atrapada en el hogar materno debido a las circunstancias económicas, enfrentando la incertidumbre propia de la juventud tardía.

Lo que en apariencia debería ser un refugio se convierte en un campo de batalla emocional donde la comunicación es escasa y las tensiones están a flor de piel. Guardamino ahonda en la complejidad de estos lazos familiares, donde el amor y la frustración se entrelazan de manera inextricable. La casa que habitan estas mujeres no es un hogar en el verdadero sentido de la palabra, sino más bien una cárcel emocional donde se sienten atrapadas, incapaces de encontrar la paz interior.

La búsqueda del verdadero hogar, ese lugar donde se es uno mismo y se está a salvo de todo, es el hilo conductor de la obra. A través del diálogo y la confrontación, Filomena, Begoña y Luisa emprenden un viaje emocional en busca de ese refugio perdido. En el transcurso de la historia, secretos guardados durante años salen a la luz, viejas heridas vuelven a abrirse y las tensiones familiares alcanzan su punto álgido.

La interpretación de las tres protagonistas, Amparo Pamplona, Belén Ponce de León y Helena Ezquerro, es magistral, dando vida a unos personajes complejos y llenos de matices. Acompañadas por la presencia etérea de una sombra al otro lado del teléfono a la que da vida  José Emilio Vera, las actrices logran transmitir toda la gama de emociones que embargan a sus personajes.

"Camino largo de vuelta a casa" no es solo una obra de teatro, es un viaje introspectivo que invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de los lazos familiares y el verdadero significado del hogar. A través de la comedia negra y el drama, Guardamino nos muestra que el camino hacia la reconciliación con nuestros seres queridos puede ser largo y tortuoso, pero que al final del túnel siempre hay una luz de esperanza, un hogar donde encontrar la paz interior.

© C. Meléndez

La obra que se estrenó ayer en la Sala Margarita Xirgu estará en cartel hasta el próximo 4 de mayo. 


Fotografías de escena cedidas por el Teatro Español



jueves, 4 de abril de 2024

"UNA CUESTIÓN DE FORMAS": LA COMEDIA NEGRA QUE DESAFÍA LOS LÍMITES DEL ARTE Y LAS RELACIONES HUMANAS

 


Desde el 4 de abril hasta el 5 de mayo, el Teatro Infanta Isabel abre sus puertas para recibir una obra teatral que desafía las convenciones y ahonda en las complejidades del arte contemporáneo y las relaciones humanas. "Una Cuestión de Formas (The Shape of Things)" del renombrado autor Neil LaBute, es una comedia negra que invita al espectador a reflexionar sobre la manipulación, la identidad y los límites éticos en el ámbito del arte y las interacciones personales.

La trama de la obra gira en torno a Adam, un joven aparentemente común y corriente, cuya vida se ve transformada radicalmente cuando conoce a Evelyn, una estudiante de arte vibrante y transgresora. Impulsado por el deseo de agradar a Evelyn, Adam comienza a hacer cambios tanto en su apariencia como en su forma de ser. Lo que inicialmente parece ser una relación amorosa apasionada, pronto se convierte en un juego de manipulación y control, donde las líneas entre el arte y la realidad se vuelven difusas.

El elenco encabezado por Esther Acebo, Bernabé Fernández, Lluvia Rojo y Chema Coloma, bajo la dirección de Andrés Rus, da vida a esta historia de forma magistral. La combinación de talento actoral y la brillante narrativa de LaBute hacen de "Una Cuestión de Formas" una experiencia teatral en la que merece la pena sumergirse.

Esta obra, estrenada originalmente en el Almeida Theatre de Londres en 2001, ha sido aclamada como una de las piezas más complejas y fascinantes de LaBute. A través de diálogos afilados y situaciones incisivas, LaBute desafía al espectador a cuestionar las normas sociales y los conceptos preconcebidos sobre el arte y la moralidad.


"Una Cuestión de Formas" no es solo una comedia negra entretenida; es una exploración profunda de temas universales como la identidad, la autenticidad y la manipulación. Con un humor ácido y políticamente incorrecto, LaBute desafía al público a reflexionar sobre las consecuencias de nuestras acciones y las complejidades de las relaciones humanas en un mundo obsesionado con la imagen y las apariencias.

"Una Cuestión de Formas" es una obra teatral que va más allá de la superficie, desafiando al espectador a mirar más de cerca y cuestionar lo que realmente significa ser humano en un mundo cada vez más dominado por las apariencias y la manipulación. 


FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Dirección: Andrés Rus

Autor: Neil LaBute

Versión: Elda García-Posada

Elenco: Esther Acebo – Bernabé Fernández – Lluvia Rojo – Chema Coloma

Diseño de Iluminación: Juanjo Llorens

Diseño de Escenografía y vestuario: Mónica Teijeiro

Coordinación técnica: José Manuel «Ciru» Cerdeiriña

Cartel y Diseño Gráfico: Geraldine Leloutre

Video: Bárbara Sánchez Palomero

Prensa y Comunicación: María Díaz

Distribución: Mara Bonilla MB Distribución

Una Producción de Calibán Teatro


Fotografías: C. Meléndez

miércoles, 3 de abril de 2024

‘JUAN JOSÉ’, LA SOBRECOGEDORA ÓPERA DE SOROZÁBAL, REGRESA AL TEATRO DE LA ZARZUELA OCHO AÑOS DESPUÉS DE SU PRIMERA PUESTA EN ESCENA.


La dirección musical vuelve a ser del Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, a quien el propio compositor en su día había elegido para el estreno y que con su maestría levantará la batuta ante la Orquesta de la Comunidad de Madrid, que es la titular del Teatro de La Zarzuela. La dirección escénica ha sido realizada por Jorge Torres, a quien todos los presentes en la rueda de prensa  le han agradecido la gran labor que ha llevado a cabo a pesar de lo que les ha hecho sudar,  y está basada en  el montaje conmovedor de José Carlos Plaza.


El reparto cuenta con un doble elenco en el que se encuentran algunas de las voces más importantes  de la lírica internacional; los componen, entre otros los barítonos Juan Jesús Rodríguez y Luis Cansino que se alternan en el papel de Juan José, las sopranos Saioa Hernández y Carmen Solís interpretan a Rosa, y Vanessa Goikoetxea y Alba Chantar en el papel de Toñuela, las mezzosopranos María Luisa Corbacho y Belem Rodríguez Mora como Isidra, los tenores Alejandro del Cerro y Francesco Pio Galasso en el papel de Paco.  Interviene también Simón Orfila, Luis López Navarro, Igor Peral, Santiago Vidal, Ricardo Muñiz, Raquel del Pino, Paula Sánchez Valverde, José Manuel Guinot y Jesús Álvarez Carrión. Además de un cuerpo de bailarines y varios figurantes. 



La escenografía y la iluminación es de Paco Leal, el vestuario de Pedro Moreno, las pinturas de Enrique Marty,  y el movimiento escénico de Denise Perdikidis. En un emotivo gesto la directora del teatro Isamay Benavente, ha dedicado el estreno de la obra a María Calderón, colaboradora habitual de Pedro Moreno fallecida recientemente y que ha estado hasta el final de su enfermedad trabajando en la elaboración del vestuario. 



Sorozábal denominó su ópera ‘Juan José’ con el subtítulo de «drama lírico popular», aclarando que lo de «popular» se refiere a lo proletario y no a lo folclórico. Tanto la música como el libreto son obra del propio Pablo Sorozábal  y este último está basado en la obra homónima de Joaquín Dicenta, quien a su vez se había inspirado en un hecho real. 



La trama de 'Juan José' se desarrolla en los barrios marginales de la antigua Madrid, un entorno dominado por una injusticia social abrumadora que divide a la población entre los privilegiados y los desposeídos, donde el analfabetismo y la falta de educación exponen las miserias humanas: rencores, miedos, traiciones, desconfianzas y violencia irracional. Este relato de celos, violencia y asesinato se alimenta de la desesperación causada por el desempleo, el hambre y la pobreza que asolan a las clases más desfavorecidas de Madrid. El humilde albañil Juan José pierde su dignidad, su trabajo y, finalmente, a su compañera Rosa a manos de Paco, su capataz. Consumido por los celos, Juan José huye de la cárcel y termina asesinando a Rosa y a Paco sin mostrar remordimiento. Ha perdido todo interés en la vida; ya no le importa nada. El guion completo narra una historia de perdedores, donde todos son víctimas y algunos se convierten en verdugos.



La historia oscura y visceral de 'Juan José' se entrelaza con el lenguaje musical moderno utilizado por Sorozábal para construir la obra; una partitura personal, densa y desafiante, notablemente contemporánea, que crea un discurso teatral continuo en el que el compositor lleva su música, y por ende el género, a un nuevo nivel. Todos los miembros de ambos repartos han subrayado la riqueza y también la dificultad que ha supuesto estar a la altura de las expectativas del compositor. 




En total, se llevarán a cabo 8 funciones del 4 al 8 de abril, alternando los papeles entre los dos elencos en días alternos. No importa en qué día asistas a la representación, ya que todos los cantantes y demás participantes han logrado una puesta en escena excepcional y de la más alta calidad.




Yo he visto la representación por el primer elenco y debo decir que todos los participantes han hecho un trabajo extraordinario a pesar de las dificultades vocales que implica la partitura y que ha significado un todo un reto para estos increíbles  cantantes. Saioa Hernández, siempre en su línea ha bordado el papel de Rosa y Vanessa Goikoetxea en el papel de Toñuela, ha hecho una espectacular demostración de poderío con su voz. No hace falta decir que Juan Jesús Rodríguez ha estado impecable, eso se da por descontado él nunca defrauda,  pero es que todos los demás, tanto cantantes como bailarines han realizado una actuación coral en la que no se puede decir que nadie haya fallado. Como no ha fallado tampoco la puesta en escena o la iluminación. En conjunto todo un éxito que merece la pena ir a ver. 

Fotografías : © C. Meléndez