LA ABADÍA ABRE SU TEMPORADA TEATRAL CON DOS OBRAS INCÓMODAS

 

Juan Mayorga, director artístico de la Fundación Teatro de La Abadía, presentó hace unos días las dos obras teatrales que darán inicio a las representaciones de 2024. Por un lado desde el 11 hasta el 21 de enero estará en cartel la obra Moríos, una creación de Cultura i Conflicte dirigida por Joan Arqué Solà y con dramaturgia de Anna Maria Ricart Codina. Y por otro, esta vez desde el 18 hasta el 28 de enero podremos presenciar Altsasu, bajo la dirección de María Goiricelaya.

Moríos es una historia sobre la vejez, o más bien sobre los viejos, un término que ya de por sí no gusta a todo el mundo. Es una visión sesgada, ya que se ha centrado únicamente en el punto de vista de los ancianos, de un tipo determinado de ancianos, que aún se sienten muy vivos y que luchan por ocupar el puesto que creen que les corresponde en una sociedad que intenta arrinconarles. Cabría preguntarse qué es un viejo, y no es una pregunta baladí. Hace apenas 30 o 40 años, una persona con sesenta años era indudablemente una persona vieja, anciana, hoy en día hay muchas personas que han atravesado la frontera de los 80 y siguen estando plenamente integradas en la sociedad, incluso en las nuevas tecnologías, siempre por supuesto que el cuerpo lo permita. 

“Nuestros cuerpos no tienen valor si no son productivos y reproductivos. Alargamos las vidas y vamos destinados al colapso. Imma sorbe su sopa con gusto antes de recibir una visita inesperada. Hoy será el último día en el que Oriol miré las obras como un jubilado más. Montse no puede bailar desde que vive bajo el agua. Un viaje del realismo a la abstracción lleno de ironía para pensar en la libertad que nos queda en la vejez. ¿Es esta la vida que queremos?

Vivimos en un sistema que sólo valora la utilidad versus la productividad. Estás en tanto que sirves. Lo que sirves es otra cosa. Quien lo sabe muy bien son los cientos de ancianos y abuelas que después de años de ser útiles quedan aparcados en las residencias de la llamada tercera edad en espera de la llegada de la parca. Son seres humanos amortizados. De poco o nada les ha servido haber cuidado emocionalmente a hijos y nietos. Hubo un tiempo que se respetaba a los viejos. Y se les escuchaba. Ahora ya no. Son fuente de problemas. El vértigo de la sociedad y la tecnología les ha pisado. Hay que esconderlos. En las residencias geriátricas, como en muchos pisos de la ciudad, reina la soledad, la falta de calor.”

Así es como lo ven los autores de Moríos, en mi opinión discrepo, hay mucho bosque detrás de los árboles y mucho que matizar. En lo que estoy de acuerdo es en que  Moríos es un espectáculo muy visual donde mandan las escenas de danza que ha coreografiado Sol Picó y que cuenta en el reparto con grandes profesionales como Inma Colomer, Montse Colomer, Oriol Genís o Magda Puig entre otros. 

Por su parte Altsasu es una ficción creada a partir del caso “Altsasu” sobre  los hechos sucedidos en esta localidad el 15 de octubre de 2016, donde se produjo un altercado en el que se vieron implicados varios vecinos del pueblo, dos agentes de la Guardia Civil y las parejas de éstos. El resultado fue de dos detenidos y un tobillo, el del teniente, roto. En menos de un día y medio, el caso se convierte en un asunto de Estado y los denunciantes se niegan a declarar ante la Policía Foral, algo que sí hacen ante sus compañeros de la Guardia Civil.

COVITE, el Colectivo de Víctimas del Terrorismo en el País Vasco, denuncia los hechos antes la Audiencia Nacional, a pesar de que la investigación del caso seguía ya su curso en los juzgados de Navarra e introduce la acusación de terrorismo. Los jóvenes fueron detenidos y a día de hoy varios de los jóvenes siguen en prisión en régimen de tercer grado. El caso, plagado de puntos negros, constituye uno de los procesos judiciales más desconcertantes de todos los tiempos. 

El espectáculo nace dentro del proyecto “CICATRIZAR”, una propuesta internacional de creación dramatúrgica dirigida por los dramaturgos y directores José Sanchís Sinisterra  y Carlos José Reyes y desarrollado en el Nuevo Teatro Fronterizo, uno de los laboratorios de dramaturgia más importantes del estado español. Y trata de recrear una ficción basada en los hechos ocurridos pero desde el punto de vista de las dos partes implicadas, interpretando los componentes del elenco a los personajes de ambos lados. 

Desde algunos sectores de la sociedad la obra se ha tachado de parcial e inclinada a favorecer la visión de una de las partes implicadas. Los autores recalcan que:  “Altsasu es una obra de ficción y como tal ha precisado de una labor de adaptación al género dramático, aunque se han incorporado fielmente a la trama transcripciones de algunos testimonios del juicio, así como recortes de prensa, medios de comunicación y contenido en redes sociales.” A partir de ahí cada cual debe formarse su opinión. 

El reparto cuenta con Aitor Borobia, Nagore González, Ane Pikaza y Egoitz Sánchez.

DECLAN DONNELLAN ESTRENA EN TEATROS DEL CANAL EDIPO REY, DE SÓFOCLES, CON EL TEATRO NACIONAL MARIN SORESCU DE RUMANÍA

 

© Cristian Floriganță

Vestido de negro, moviéndose entre los espectadores, el personaje protagonista del Edipo rey en la versión dirigida por el inglés Declan Donnellan propone una inmersión íntima en la tragedia de Sófocles. Los espectadores permanecen de pie durante la función, rodeado por los actores, que a su vez rodean a los espectadores. Así se presenta este montaje en las cinco funciones que el Teatro Nacional Marin Sorescu, de Rumanía, representará en Teatros del Canal del 17 al 21 de enero en su estreno en España.

© Cristian Floriganță

Edipo Rey forma parte de las tragedias del ciclo tebano Oidiopoidia. Sófocles la escribió en torno a los años 430-428 a.C. Recrea el mito de los Labdácidas e inicia la historia en el momento en el que Edipo ya es rey de Tebas y la ciudad sufre una epidemia de peste. Los súbditos de Edipo llegan al palacio, rogándole que salve a la ciudad. Creonte, el cuñado de Edipo, trae la respuesta del oráculo de Delfos: la plaga no terminará hasta que el asesino de Layo, antiguo rey de Tebas, muerto muchos años antes, sea expulsado de la ciudad. Edipo inicia una investigación para encontrar al asesino, pero lo que averigua es la verdad sobre su origen.

© Cristian Floriganță

“Esta tragedia, como la mayoría de las demás, -en opinión de Donnellan -tiene que ver con nuestra inmensa capacidad de engañarnos a nosotros mismos y de nuestra capacidad de no asumir la responsabilidad de lo que hemos hecho. Pero podemos aprender. Entonces podremos descubrir este misterioso proceso: que podemos obtener la libertad, pero sólo cuando empecemos a prestar atención y asumir responsabilidades”. “Las tragedias no tratan sobre los héroes, tratan de la gente común. Una buena tragedia resulta ser un espejo”.

© Albert Dobrin

© Cristian Floriganță

Declan Donnellan nació en Inglaterra en 1953 de padres irlandeses y creció en Londres. En 1981, él y su socio Nick Ormerod formaron Cheek by Jowl, cuya primera producción fue The Country Wife, estrenado en el festival de Edimburgo en 1981. Desde entonces, la compañía ha realizado giras por todo el mundo con producciones en inglés, francés y ruso. En 1989, fue nombrado director asociado del Royal National Theatre de Londres, donde dirigió, entre otras producciones, Fuenteovejuna de Lope De Vega, Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street de Stephen Sondheim. 

EL BAILAOR Y COREÓGRAFO ANDALUZ EDUARDO GUERRERO SE INSPIRA PARA SU ÚLTIMO TRABAJO EN EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

Aún estás a tiempo de ver esta noche Debajo de los pies, en la Sala Verde de Teatros del Canal. Con la inspiración puesta en el Jardín de las Delicias, la misteriosa obra de El Bosco, que se exhibe en el Museo del Prado, Guerrero pinta en colores como en un lienzo (con un dominante blanco) los movimientos de este montaje que avanza al ritmo de distintos palos del flamenco (alegrías, zambra, tangos, serrana…).

A Eduardo Guerrero le secundan en el baile Sara Jiménez y Alberto Sellés; Ismael de la Rosa «El Bola» en el cante, Joselito Acedo en la guitarra y Manuel Reina en la batería.

Con Debajo de los pies, Eduardo Guerrero invita a participar de este universo, conformado por preocupaciones vitales. Desde lo personal trata de construir una narrativa universal en constante diálogo con su equipo, en un trabajo que marca una nueva etapa en su obra. Por él recibió el pasado año el Premio Lorca a Mejor Intérprete Masculino de Danza Flamenca.

La obra, que cuenta con la dirección y dramaturgia de Mateo Feijóo y la dirección musical de Joselito Acedo, tuvo su origen en 2017 a partir de un proceso de búsqueda “de lo más terrenal”, según el artista, interrumpido por la pandemia y retomado una vez que pasó este momento, del que traslada al escenario su estado de incertidumbre, planteando conflictos sociales, la falta de comunicación y la individualidad excesiva.

Eduardo Guerrero (Cádiz 1983) comenzó a bailar con 6 años, y a los 16 ya formaba parte de elencos de primeras figuras como Aida Gómez, Javier Latorre, Eva Yerbabuena, Antonio Canales y Rocío Molina, con quienes giró por todo el mundo y fue perfilando así su carrera profesional.  

A partir de 2011 comienza a estrenar sus propios espectáculos: De Dolores (2011), Las minas (2012), Retorno (2013), El callejón de los pecados (2014), Desplante (2015), Guerrero (2016), A solo piece for a flamenco dancer (2016), Faro (2017), Sombra efímera (2018) y Sombra efímera II (2019). Con estas últimas creaciones comienza, junto con el director artístico Mateo Feijoo, un arduo trabajo de investigación y cambio en sus formas, evolucionando a la contemporaneidad de las líneas.

Fotos de escena: © Manuel Aranda

EL PATIO TEATRO LLEVA AL ESCENARIO DEL CENTRO DRÁMATICO NACIONAL A LOS TRABAJADORES DE LAS FERIAS

 

El Patio Teatro regresa al Centro Dramático Nacional con el estreno absoluto de Feriantes, un montaje escrito y dirigido por Izaskun Fernández y Julián Sáenz-López, a partir de entrevistas a trabajadores de la feria, que da voz a todas las personas que han entregado su tiempo vendiendo ilusión y diversión por todos los pueblos y ciudades de España.

Feriantes es un homenaje a la feria, a las barracas, la tómbola, los churros, la noria, el tiovivo, el algodón de azúcar, pero sobre todo a  esas familias que se dedican a alegrar la vida de los demás, a los  que han entregado su tiempo vendiendo ilusión y diversión por todos los pueblos y ciudades de España. Es también un recorrido por la historia, la de nuestro país, pero también la de otros países que como el nuestro disfrutan de la magia de los feriantes. 

En palabras de los dos integrantes y fundadores de la compañía, Izaskun Fernández y Julián Sáenz-López, «Feriantes es sobre todo un homenaje a todas esas personas que habitan la feria, a una forma de vida casi en extinción. Es una pieza de teatro documental que trata de acercar al público, con mucho cariño, lo que se esconde detrás de la música, del ruido y de las luces». El Patio Teatro lleva a cabo una propuesta que la compañía ha llevado a su propio lenguaje cuyo resultado es un montaje entre el teatro documental y el de objetos interpretado por los actores Alejandro López, Julián Sáenz-López y Diego Solloa. 

Basado en entrevistas realizadas a trabajadores de distintas ferias y dentro de los diferentes aspectos que podrían haber inspirado la obra, El Patio Teatro centra su mirada en la vida viajera de los feriantes, nexo de unión con las compañías de teatro y antiguos cómicos de la legua que viajan, de pueblo en pueblo, para contar sus historias.

La obra bucea en las sagas familiares de feriantes como los Romez o los Ducal, herederos de una vida nómada en camiones, furgonetas y remolques, gente que ha nacido en la feria y a la que han bautizado en una pista de circo, con infancias difícilmente compatibles con clases y colegios, feriantes que cambiaron los reclamos a grito pelao por los micrófonos, la chochona por el pokemon, pero siempre cargando y descargando, montando y desmontando, y siempre en la carretera con una forma de vida que hoy resulta casi anacrónica y cuya evolución forma parte también de nuestra memoria individual y colectiva.

                     

© Conchita Meléndez

La puesta en escena transporta al público a las barracas de feria gracias a la escenografía e iluminación de El Patio Teatro, el vestuario de Martín Nalda y Amparo Cámara y la música de Nacho Ugarte. 

Feriantes se podrá ver en la Sala Princesa del Teatro María Guerrero del 10 al 28 de enero.  

Fotografías de escena: © Luz Soria

LA COMPAÑÍA AUSTRALIANA CIRCA PRESENTA EL ESPECTÁCULO HUMANS 2.0 EN TEATROS DEL CANAL

 

Con solo cuatro funciones del 4 al 7 de enero, la compañía Circa interpreta en la Sala Roja de los Teatros del Canal Humans 2.0, un espectáculo en el que la danza contemporánea, el teatro físico y el circo se funden para crear un alarde escénico en el que una docena de atléticos bailarines desafían a las leyes físicas con una coreografía repleta de acrobacias y volteretas en el aire, de torres humanas y contorsiones. 

El espectáculo se divide en varios movimientos, a los que Yaron Lifschitz imprime un estado de ánimo diferente y una combinación de emociones, que el crítico del diario inglés The Guardian David Jays ha sintetizado como una muestra de la confianza de los seres humanos entre sí, “la seguridad de que siempre habrá alguien ahí para echar una mano”.

La certera expresión física de Humans 2.0 debe también su fascinación a la música del compositor Ori Lichtik y a la iluminación de Paul Jackson. Ambas se conjugan con el espectáculo sobrehumano de los cuerpos en movimiento para crear una obra íntima, primitiva y profundamente comprometida con el desafío de ser humano.

Circa Contemporary Circus es una de las compañías más relevantes del panorama escénico internacional. Establecida en la ciudad australiana de Brisbane desde 2004, ha realizado giras por todo el mundo, actuando en más de 40 países ante más de 1,5 millones de personas, en los principales festivales y ciudades como Nueva York, Londres, Berlín y Montreal.

La compañía está en la vanguardia de la nueva ola de circo australiano contemporáneo, y ha sido pionera en llevar al límite la expresión física para crear actuaciones poderosas y emotivas, de una manera que desdibuja las fronteras entre danza, teatro y circo.

LAS LOCURAS POR EL VERANEO DIRIGIDA POR EL NUEVO DIRECTOR DEL TEATRO ESPAÑOL SE REPRESENTA EN NAVES DEL MATADERO

 

Las locuras por el veraneo es una comedia de enredo a la antigua usanza, no en vano fue escrita a mediados del siglo XVIII por Carlo Goldoni el renovador de la Commedia dell'Arte. En esta ocasión la obra ha sido adaptada y dirigida por Eduardo Vasco, quien en breve asumirá las funciones de director del Teatro Español. 

La obra se representa en la sala Max Aub (Nave 10) de las Naves de Matadero, que tras la reforma surgida en el seno del Teatro Español queda como un ente  independiente de cuya dirección y proyectos se hará cargo Luis Luque, director de escena, docente y, desde el año 2019, director adjunto artístico del Teatro Español y las Naves. La representación estará en las Naves hasta el 28 de enero. 

El veraneo se encuentra entre las actividades sociales irrenunciables de las familias de Livorno y los preparativos de última hora resultan vertiginosos, ya que nadie quiere quedarse a pasar los calores estivales en la ciudad. El destino soñado son las apacibles villas de la Toscana (Montenero) y, cómo no, todo el ocio y las diversiones que el campo ofrece. ¡La vida no se entiende sin esta temporada de indolencia y descanso!

Pero la rivalidad y los celos encienden los ánimos durante los días previos a la partida, y aunque la cortesía reina entre las familias burguesas de la ciudad, una enloquecida competencia hará saltar todo por los aires. Leonardo y su hermana, pese a estar endeudados hasta las cejas y contar con muy pocos recursos, no se van a resignar a quedarse sin vacaciones y, sobre todo, teniendo en cuenta que la familia de su vecino Filippo, y su bella hija Giacinta, lo tienen todo a punto para partir hacia un verano de ensueño.

Dos familias desatadas en una competición de apariencias se encontrarán inmersas en un buen número de situaciones cómicas que conseguirán que el espectador disfrute de una gran comedia al tiempo que reflexiona sobre algunos de los valores de entonces que, todavía hoy o quizás hoy más que nunca, condicionan nuestro comportamiento como ciudadanos.  Aparentar, ser reconocidos, quizás se hagan de un modo diferente pero no deja de ser lo que cada día vemos en las redes sociales  en donde lo más importante es el número de seguidores aunque no se conozcan de nada. 

De izquierda a derecha: Jesús Calvo, Alberto Gómez Taboada, José Ramón Iglesias, Celia Pérez, Rafael Ortiz, Elena Rayos y Eduardo Vasco © Conchita Meléndez

La adaptación que ha llevado a cabo Eduardo Vasco pone a los actores y actrices a cantar y a bailar sobre el escenario y moderniza los diálogos con temas actuales en los que Giacinta bien podría pertenecer a algún colectivo feminista, porque como bien se encarga de decir su criada, ella es muy “Contemporánea”. 

Acompaña a la puesta en escena el buen hacer de Carolina González, quien se ocupa del Diseño de espacio escénico y atrezzo, la iluminación de Miguel Ángel Camacho y un acertadísimo vestuario diseñado por Lorenzo Caprile. 

El elenco está compuesto por :

Rafael Ortiz             (Leonardo, caballero) 

Elena Rayos              (Giacinta, hija de Filippo) 

José Ramón Iglesias         (Ferdinando, parásito) 

Mar Calvo    (Vittoria, hermana de Leonardo) 

Alberto Gómez Taboada   (Guglielmo, caballero) 

Jesús Calvo           (Filippo, anciano y jovial) 

Celia Pérez   (Fulgencia, viuda con ínfulas de celestina) 

Manuel Pico             (Paolo, criado) 

Anna Nácher      (Brigida, criada)

Las fotografías de escena han sido realizadas por Vanessa Rabade.

LA ISLA DEL AIRE REUNE A CINCO ACTRICES LIDERADAS POR LA VETERANA NURIA ESPERT

De izquierda a derecha Vicky Peña, Mario Gas, Nuria Espert, Claudia Benito, Candela Serrat, Teresa Vallicrosa y Josep María Pou © Conchita Meléndez

 

La isla del Aire, obra basada en la primera de las novelas que componen la trilogía escrita por Alejandro Palomo El tiempo que nos une,  y que acaba de estrenarse en el Teatro Español, es una reescritura realizada por el propio autor de los dramas que arrastran  las tres generaciones de mujeres de una misma familia. A través de sus conversaciones, pensamientos y discusiones, nos irán abriendo las puertas del jardín de los secretos: sus tristezas, alegrías y miserias; sus desamores, encuentros y pérdidas en el camino; esas historias que cuentan una vida y conforman una familia. 

La trama se desarrolla en Menorca, aunque para los conocedores de la isla y sus maravillosos faros, la escenografía les resultará un tanto fría y gris, más propia de algún país nórdico que de las aguas cálidas y cristalinas del Mediterráneo. Las cinco mujeres que conforman la familia, seis en realidad porque la sombra de Helena planea sobre ellas durante todo el relato, acaban reuniéndose en la Isla del Aire, un lugar emblemático para ellas y al que solían acudir en otros momentos menos traumáticos de sus vidas para solazarse. 

Es la matriarca Mencía (Nuria Espert), quien las empuja a visitar el lugar y quien en mayor o menor medida ha forjado el destino del resto de la familia. Su intención es conseguir una catarsis que acabe por sacar a la luz los secretos,  problemas y dolores de un grupo de mujeres rotas, incapaces de reaccionar y de abrirse a los demás y a ellas mismas. Mencía es capaz de manipular a su antojo, utilizando su fragilidad, su fingida ausencia de memoria o una despiadada y cruel sinceridad revestida de esa senilidad a la que todo se le permite. 

Lía (Vicky Peña) es incapaz de soportar la desaparición de su hija Helena un año antes en las aguas que rodean la isla. Se niega a darla por muerta y aún sigue soñando en que en algún momento volverá. Aun así ejerce como cobijo para el resto de la familia. 

Teresa Vallicrosa interpreta a Flavia, la otra hija de Mencía y quien guarda un mayor rencor contra ésta por la forma en que manipuló su vida muchos años atrás. Es la encargada de cuidarla y lo hace con rabia aunque en el fondo depende totalmente de esa relación tóxica que las une a ambas. Candela Serrat, Inés en la ficción, al igual que ocurre con el personaje de Flavia, está como desaprovechada, sus intervenciones son escasas y resulta un personaje bastante indiferente cuando en realidad podría tener un gran protagonismo. Su drama personal quizás sea uno de los más actuales y por lo tanto más cercano. 

Es la relación entre Mencía y su nieta Bea, Claudia Benito, que escribe para que alguien la escuche, la que lleva el peso principal de la obra. Sus secretos compartidos y confesados en una especie de juego ideado por la matriarca, son lo más cercano a lo que el autor pretende que nos acerquemos, esa especie de catarsis que no llega a cuajar porque a la obra dirigida por Mario Gas le sobra profesionalidad y le falta mala leche. La resignación de estas mujeres es tan patente que en ningún momento, si acaso brevemente por parte de Inés, vemos un conato de rabia, un instinto primario que les haga levantar la voz. 

Tras la caída del telón lo que sí está claro es que Nuria Espert sigue dando el do de pecho y que a pesar de su avanzada edad, tanto la  de la actriz como la de su personaje, aún puede hacernos sonreír y aplaudir con ganas. 

La obra, que llega a Madrid tras su paso por el Teatre Romea de Barcelona,  es una producción de Grup Focus, con la colaboración de ICEC, en la que el director ha contado con un equipo artístico de grandes profesionales como son Paco Ariza que firma las luces; el vestuario corre a cargo de Antonio Belart; la escenografía es de Sebastià Brossa; la música original y espacio escénico son de Orestes Gas; la videoescena la firma Álvaro Luna con la colaboración de Elvira Ruíz y la caracterización es de Núria Llunell.

Las fotografías de escena han sido realizadas por David Ruano.