EL BAILAOR Y COREÓGRAFO ANDALUZ EDUARDO GUERRERO SE INSPIRA PARA SU ÚLTIMO TRABAJO EN EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

Aún estás a tiempo de ver esta noche Debajo de los pies, en la Sala Verde de Teatros del Canal. Con la inspiración puesta en el Jardín de las Delicias, la misteriosa obra de El Bosco, que se exhibe en el Museo del Prado, Guerrero pinta en colores como en un lienzo (con un dominante blanco) los movimientos de este montaje que avanza al ritmo de distintos palos del flamenco (alegrías, zambra, tangos, serrana…).

A Eduardo Guerrero le secundan en el baile Sara Jiménez y Alberto Sellés; Ismael de la Rosa «El Bola» en el cante, Joselito Acedo en la guitarra y Manuel Reina en la batería.

Con Debajo de los pies, Eduardo Guerrero invita a participar de este universo, conformado por preocupaciones vitales. Desde lo personal trata de construir una narrativa universal en constante diálogo con su equipo, en un trabajo que marca una nueva etapa en su obra. Por él recibió el pasado año el Premio Lorca a Mejor Intérprete Masculino de Danza Flamenca.

La obra, que cuenta con la dirección y dramaturgia de Mateo Feijóo y la dirección musical de Joselito Acedo, tuvo su origen en 2017 a partir de un proceso de búsqueda “de lo más terrenal”, según el artista, interrumpido por la pandemia y retomado una vez que pasó este momento, del que traslada al escenario su estado de incertidumbre, planteando conflictos sociales, la falta de comunicación y la individualidad excesiva.

Eduardo Guerrero (Cádiz 1983) comenzó a bailar con 6 años, y a los 16 ya formaba parte de elencos de primeras figuras como Aida Gómez, Javier Latorre, Eva Yerbabuena, Antonio Canales y Rocío Molina, con quienes giró por todo el mundo y fue perfilando así su carrera profesional.  

A partir de 2011 comienza a estrenar sus propios espectáculos: De Dolores (2011), Las minas (2012), Retorno (2013), El callejón de los pecados (2014), Desplante (2015), Guerrero (2016), A solo piece for a flamenco dancer (2016), Faro (2017), Sombra efímera (2018) y Sombra efímera II (2019). Con estas últimas creaciones comienza, junto con el director artístico Mateo Feijoo, un arduo trabajo de investigación y cambio en sus formas, evolucionando a la contemporaneidad de las líneas.

Fotos de escena: © Manuel Aranda

EL PATIO TEATRO LLEVA AL ESCENARIO DEL CENTRO DRÁMATICO NACIONAL A LOS TRABAJADORES DE LAS FERIAS

 

El Patio Teatro regresa al Centro Dramático Nacional con el estreno absoluto de Feriantes, un montaje escrito y dirigido por Izaskun Fernández y Julián Sáenz-López, a partir de entrevistas a trabajadores de la feria, que da voz a todas las personas que han entregado su tiempo vendiendo ilusión y diversión por todos los pueblos y ciudades de España.

Feriantes es un homenaje a la feria, a las barracas, la tómbola, los churros, la noria, el tiovivo, el algodón de azúcar, pero sobre todo a  esas familias que se dedican a alegrar la vida de los demás, a los  que han entregado su tiempo vendiendo ilusión y diversión por todos los pueblos y ciudades de España. Es también un recorrido por la historia, la de nuestro país, pero también la de otros países que como el nuestro disfrutan de la magia de los feriantes. 

En palabras de los dos integrantes y fundadores de la compañía, Izaskun Fernández y Julián Sáenz-López, «Feriantes es sobre todo un homenaje a todas esas personas que habitan la feria, a una forma de vida casi en extinción. Es una pieza de teatro documental que trata de acercar al público, con mucho cariño, lo que se esconde detrás de la música, del ruido y de las luces». El Patio Teatro lleva a cabo una propuesta que la compañía ha llevado a su propio lenguaje cuyo resultado es un montaje entre el teatro documental y el de objetos interpretado por los actores Alejandro López, Julián Sáenz-López y Diego Solloa. 

Basado en entrevistas realizadas a trabajadores de distintas ferias y dentro de los diferentes aspectos que podrían haber inspirado la obra, El Patio Teatro centra su mirada en la vida viajera de los feriantes, nexo de unión con las compañías de teatro y antiguos cómicos de la legua que viajan, de pueblo en pueblo, para contar sus historias.

La obra bucea en las sagas familiares de feriantes como los Romez o los Ducal, herederos de una vida nómada en camiones, furgonetas y remolques, gente que ha nacido en la feria y a la que han bautizado en una pista de circo, con infancias difícilmente compatibles con clases y colegios, feriantes que cambiaron los reclamos a grito pelao por los micrófonos, la chochona por el pokemon, pero siempre cargando y descargando, montando y desmontando, y siempre en la carretera con una forma de vida que hoy resulta casi anacrónica y cuya evolución forma parte también de nuestra memoria individual y colectiva.

                     

© Conchita Meléndez

La puesta en escena transporta al público a las barracas de feria gracias a la escenografía e iluminación de El Patio Teatro, el vestuario de Martín Nalda y Amparo Cámara y la música de Nacho Ugarte. 

Feriantes se podrá ver en la Sala Princesa del Teatro María Guerrero del 10 al 28 de enero.  

Fotografías de escena: © Luz Soria

LA COMPAÑÍA AUSTRALIANA CIRCA PRESENTA EL ESPECTÁCULO HUMANS 2.0 EN TEATROS DEL CANAL

 

Con solo cuatro funciones del 4 al 7 de enero, la compañía Circa interpreta en la Sala Roja de los Teatros del Canal Humans 2.0, un espectáculo en el que la danza contemporánea, el teatro físico y el circo se funden para crear un alarde escénico en el que una docena de atléticos bailarines desafían a las leyes físicas con una coreografía repleta de acrobacias y volteretas en el aire, de torres humanas y contorsiones. 

El espectáculo se divide en varios movimientos, a los que Yaron Lifschitz imprime un estado de ánimo diferente y una combinación de emociones, que el crítico del diario inglés The Guardian David Jays ha sintetizado como una muestra de la confianza de los seres humanos entre sí, “la seguridad de que siempre habrá alguien ahí para echar una mano”.

La certera expresión física de Humans 2.0 debe también su fascinación a la música del compositor Ori Lichtik y a la iluminación de Paul Jackson. Ambas se conjugan con el espectáculo sobrehumano de los cuerpos en movimiento para crear una obra íntima, primitiva y profundamente comprometida con el desafío de ser humano.

Circa Contemporary Circus es una de las compañías más relevantes del panorama escénico internacional. Establecida en la ciudad australiana de Brisbane desde 2004, ha realizado giras por todo el mundo, actuando en más de 40 países ante más de 1,5 millones de personas, en los principales festivales y ciudades como Nueva York, Londres, Berlín y Montreal.

La compañía está en la vanguardia de la nueva ola de circo australiano contemporáneo, y ha sido pionera en llevar al límite la expresión física para crear actuaciones poderosas y emotivas, de una manera que desdibuja las fronteras entre danza, teatro y circo.

LAS LOCURAS POR EL VERANEO DIRIGIDA POR EL NUEVO DIRECTOR DEL TEATRO ESPAÑOL SE REPRESENTA EN NAVES DEL MATADERO

 

Las locuras por el veraneo es una comedia de enredo a la antigua usanza, no en vano fue escrita a mediados del siglo XVIII por Carlo Goldoni el renovador de la Commedia dell'Arte. En esta ocasión la obra ha sido adaptada y dirigida por Eduardo Vasco, quien en breve asumirá las funciones de director del Teatro Español. 

La obra se representa en la sala Max Aub (Nave 10) de las Naves de Matadero, que tras la reforma surgida en el seno del Teatro Español queda como un ente  independiente de cuya dirección y proyectos se hará cargo Luis Luque, director de escena, docente y, desde el año 2019, director adjunto artístico del Teatro Español y las Naves. La representación estará en las Naves hasta el 28 de enero. 

El veraneo se encuentra entre las actividades sociales irrenunciables de las familias de Livorno y los preparativos de última hora resultan vertiginosos, ya que nadie quiere quedarse a pasar los calores estivales en la ciudad. El destino soñado son las apacibles villas de la Toscana (Montenero) y, cómo no, todo el ocio y las diversiones que el campo ofrece. ¡La vida no se entiende sin esta temporada de indolencia y descanso!

Pero la rivalidad y los celos encienden los ánimos durante los días previos a la partida, y aunque la cortesía reina entre las familias burguesas de la ciudad, una enloquecida competencia hará saltar todo por los aires. Leonardo y su hermana, pese a estar endeudados hasta las cejas y contar con muy pocos recursos, no se van a resignar a quedarse sin vacaciones y, sobre todo, teniendo en cuenta que la familia de su vecino Filippo, y su bella hija Giacinta, lo tienen todo a punto para partir hacia un verano de ensueño.

Dos familias desatadas en una competición de apariencias se encontrarán inmersas en un buen número de situaciones cómicas que conseguirán que el espectador disfrute de una gran comedia al tiempo que reflexiona sobre algunos de los valores de entonces que, todavía hoy o quizás hoy más que nunca, condicionan nuestro comportamiento como ciudadanos.  Aparentar, ser reconocidos, quizás se hagan de un modo diferente pero no deja de ser lo que cada día vemos en las redes sociales  en donde lo más importante es el número de seguidores aunque no se conozcan de nada. 

De izquierda a derecha: Jesús Calvo, Alberto Gómez Taboada, José Ramón Iglesias, Celia Pérez, Rafael Ortiz, Elena Rayos y Eduardo Vasco © Conchita Meléndez

La adaptación que ha llevado a cabo Eduardo Vasco pone a los actores y actrices a cantar y a bailar sobre el escenario y moderniza los diálogos con temas actuales en los que Giacinta bien podría pertenecer a algún colectivo feminista, porque como bien se encarga de decir su criada, ella es muy “Contemporánea”. 

Acompaña a la puesta en escena el buen hacer de Carolina González, quien se ocupa del Diseño de espacio escénico y atrezzo, la iluminación de Miguel Ángel Camacho y un acertadísimo vestuario diseñado por Lorenzo Caprile. 

El elenco está compuesto por :

Rafael Ortiz             (Leonardo, caballero) 

Elena Rayos              (Giacinta, hija de Filippo) 

José Ramón Iglesias         (Ferdinando, parásito) 

Mar Calvo    (Vittoria, hermana de Leonardo) 

Alberto Gómez Taboada   (Guglielmo, caballero) 

Jesús Calvo           (Filippo, anciano y jovial) 

Celia Pérez   (Fulgencia, viuda con ínfulas de celestina) 

Manuel Pico             (Paolo, criado) 

Anna Nácher      (Brigida, criada)

Las fotografías de escena han sido realizadas por Vanessa Rabade.

LA ISLA DEL AIRE REUNE A CINCO ACTRICES LIDERADAS POR LA VETERANA NURIA ESPERT

De izquierda a derecha Vicky Peña, Mario Gas, Nuria Espert, Claudia Benito, Candela Serrat, Teresa Vallicrosa y Josep María Pou © Conchita Meléndez

 

La isla del Aire, obra basada en la primera de las novelas que componen la trilogía escrita por Alejandro Palomo El tiempo que nos une,  y que acaba de estrenarse en el Teatro Español, es una reescritura realizada por el propio autor de los dramas que arrastran  las tres generaciones de mujeres de una misma familia. A través de sus conversaciones, pensamientos y discusiones, nos irán abriendo las puertas del jardín de los secretos: sus tristezas, alegrías y miserias; sus desamores, encuentros y pérdidas en el camino; esas historias que cuentan una vida y conforman una familia. 

La trama se desarrolla en Menorca, aunque para los conocedores de la isla y sus maravillosos faros, la escenografía les resultará un tanto fría y gris, más propia de algún país nórdico que de las aguas cálidas y cristalinas del Mediterráneo. Las cinco mujeres que conforman la familia, seis en realidad porque la sombra de Helena planea sobre ellas durante todo el relato, acaban reuniéndose en la Isla del Aire, un lugar emblemático para ellas y al que solían acudir en otros momentos menos traumáticos de sus vidas para solazarse. 

Es la matriarca Mencía (Nuria Espert), quien las empuja a visitar el lugar y quien en mayor o menor medida ha forjado el destino del resto de la familia. Su intención es conseguir una catarsis que acabe por sacar a la luz los secretos,  problemas y dolores de un grupo de mujeres rotas, incapaces de reaccionar y de abrirse a los demás y a ellas mismas. Mencía es capaz de manipular a su antojo, utilizando su fragilidad, su fingida ausencia de memoria o una despiadada y cruel sinceridad revestida de esa senilidad a la que todo se le permite. 

Lía (Vicky Peña) es incapaz de soportar la desaparición de su hija Helena un año antes en las aguas que rodean la isla. Se niega a darla por muerta y aún sigue soñando en que en algún momento volverá. Aun así ejerce como cobijo para el resto de la familia. 

Teresa Vallicrosa interpreta a Flavia, la otra hija de Mencía y quien guarda un mayor rencor contra ésta por la forma en que manipuló su vida muchos años atrás. Es la encargada de cuidarla y lo hace con rabia aunque en el fondo depende totalmente de esa relación tóxica que las une a ambas. Candela Serrat, Inés en la ficción, al igual que ocurre con el personaje de Flavia, está como desaprovechada, sus intervenciones son escasas y resulta un personaje bastante indiferente cuando en realidad podría tener un gran protagonismo. Su drama personal quizás sea uno de los más actuales y por lo tanto más cercano. 

Es la relación entre Mencía y su nieta Bea, Claudia Benito, que escribe para que alguien la escuche, la que lleva el peso principal de la obra. Sus secretos compartidos y confesados en una especie de juego ideado por la matriarca, son lo más cercano a lo que el autor pretende que nos acerquemos, esa especie de catarsis que no llega a cuajar porque a la obra dirigida por Mario Gas le sobra profesionalidad y le falta mala leche. La resignación de estas mujeres es tan patente que en ningún momento, si acaso brevemente por parte de Inés, vemos un conato de rabia, un instinto primario que les haga levantar la voz. 

Tras la caída del telón lo que sí está claro es que Nuria Espert sigue dando el do de pecho y que a pesar de su avanzada edad, tanto la  de la actriz como la de su personaje, aún puede hacernos sonreír y aplaudir con ganas. 

La obra, que llega a Madrid tras su paso por el Teatre Romea de Barcelona,  es una producción de Grup Focus, con la colaboración de ICEC, en la que el director ha contado con un equipo artístico de grandes profesionales como son Paco Ariza que firma las luces; el vestuario corre a cargo de Antonio Belart; la escenografía es de Sebastià Brossa; la música original y espacio escénico son de Orestes Gas; la videoescena la firma Álvaro Luna con la colaboración de Elvira Ruíz y la caracterización es de Núria Llunell.

Las fotografías de escena han sido realizadas por David Ruano. 

EL TEATRO ESPAÑOL HOMENAJEA A TENNESSEE WILLIAMS

El Teatro Español, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, presenta del 9 de noviembre al 17 de diciembre el estreno de Tennessee, dos obras cortas y un entremés, espectáculo dirigido por María Ruiz e interpretado por César Camino, Cristina Medina y Maripaz Sayago. La propuesta, que podrá verse en la Sala Margarita Xirgu, consta de dos obras cortas de Tennessee Williams: La marquesa de Larkspur Lotion y Háblame como la lluvia, y un entremés o intermedio escrito por María Ruiz y Cristina Medina. 

 

La marquesa de Larkspur Lotion y Háblame como la lluvia son dos de las joyas indiscutibles del teatro del siglo XX. Una marquesa adicta al insecticida, un escritor que no escribe, cucarachas voladoras y amantes que intentan quererse mientras se mueren de hambre. Personajes de deshecho que se defienden como pueden de un mundo que no entienden y que reflejan como nadie la quintaesencia del talento de Williams ya que, gracias a su talento y a su sentido del humor, se convierten en sus manos en personajes literalmente inolvidables.  

Estas dos obras cortas, raramente representadas, son un nuevo encuentro con uno de los grandes autores de teatro de la historia reciente, una oportunidad para sumergirse de nuevo en ese prodigio que es Tennessee Williams, ganador en dos ocasiones del Premio Pulitzer: la primera en 1948 por Un tranvía llamado deseo y la segunda en 1955 por La gata sobre el tejado de zinc. 

 

El programa se completa con un entremés escrito por María Ruiz y Cristina Medina, donde una actriz en proscenio se debate con los personajes de Williams, entre ellos la adorable marquesa que acaba de interpretar. 

"Con el paso del tiempo, a la vez que iba comprendiendo algo de las cosas humanas, apreciaba más y más a Tennessee Williams y muy especialmente a estos personajes indefensos que parecen sacados de la basura y por los que siento una especie de hermandad, como si en cierto modo me notara hecha de la misma pasta”, cuenta la directora María Ruiz. “Me di cuenta de que se debía a que Tennessee se identifica con ellos, que los mira con el amor con que se tratan las cosas propias, los entiende, le resultan interesantes y le hacen gracia. Que en el último escalón antes del precipicio social en que se mueven los haya adornado con el valor y la chispa de personajes nobles me produce una especie de alegría que espero poder transmitir a través de los actores y de un grupo de creadores que han demostrado ya lo que valen". 

Tennessee, dos obras cortas y un entremés es una coproducción de Teatro 

Español y Producciones Come y calla.

La función de Teatro Accesible de Tennesse, dos obras cortas y un entremés tendrá lugar el viernes 17 de noviembre.  

 

Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años. 

 

EL TEATRO DE LA ZARZUELA RECUPERA LA ACLAMADA PRODUCCIÓN DE ‘LAS GOLONDRINAS’ DE JOSÉ MARÍA USANDIZAGA FIRMADA POR GIANCARLO DEL MONACO

El Teatro de la Zarzuela ha inaugurado en la tarde de hoy 9 de noviembre el drama lírico ‘Las golondrinas’ de José María c en su versión de ópera. La representación estará en cartel hasta el día 19. Este montaje lúcido, apasionado y sorprendente firmado por Giancarlo del Monaco –uno de los directores más celebrados en el horizonte lírico internacional– que ya cosechó la alabanza unánime de crítica y público en su estreno de 2016, contará asimismo con la dirección musical de uno de nuestros pesos pesados de la música en el mundo como es Juanjo Mena, que estará al frente de un brillante doble reparto, así como del Coro Titular del Teatro y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. 

Dos serán los repartos que den vida a este triángulo de amor, celos y circo. El papel de Celia, causante de amores y recelos, también víctima, estará interpretado por las mezzosopranos Ketevan Kemoklidze y María Antúnez; el de Lina, la joven que suspira en silencio por el amor de Puck, cobrará vida en las voces y gestos de las sopranos Raquel Lojendio y Sofía Esparza; el del payaso Puck, jefe de saltimbanquis perdidamente enamorado de Celia, de quien es amante, estará encarnado en los barítonos Gerardo Bullón y César San Martín; el tenor Jorge Rodríguez-Norton y el bajo Javier Castañeda completarán el cartel de cantantes en los papeles de Juanito y Roberto, hermano y padre de Lina respectivamente. Además del reparto de cantantes, en el escenario estará constantemente presente una troupe de artistas de circo que irán desarrollando sus correspondientes ejercicios a lo largo del drama.

El espectáculo cuenta con la sugerente escenografía de William Orlandi, el atractivo vestuario de Jesús Ruiz, la poética iluminación de Vinicio Cheli y el hábil movimiento coreográfico de Barbara Staffolani. Esta producción de ‘Las golondrinas’ del Teatro de la Zarzuela recrea el lenguaje visual del cine mudo, que se acentúa con la utilización de los grises en todo el acto primero. El paisaje prácticamente desaparece, «para que la historia se haga universal o, lo que es lo mismo, puro teatro», como señala el propio Giancarlo del Monaco. Solo con la escena de la Pantomima surgirá el color en el escenario.

La música de Usandizaga posee un lenguaje muy nuestro, a la vez que recibe influencias francesas e italianas. Pero lo realmente importante es que la obra está muy bien hilvanada en todas sus partes y define psicológicamente los personajes con colores musicales recurriendo al leitmotiv. Se trata de música de altos vuelos sinfónicos, en la que destaca la riqueza instrumental y sonora con la que el autor busca nuevos caminos dentro de la renovación del género lírico.

Juanjo Mena alude además a la «plena conciencia» con la que en esta ocasión se aborda la partitura de Usandizaga a través de las experiencias vividas, «porque en este drama lírico de comienzos del siglo XX encontramos temas que son similares a los que vivimos en nuestros días más de un siglo después: el maltrato físico o psicológico entre los seres humanos que supuestamente amamos o queremos».

La obra se divide en tres actos, en el primero la acción transcurre en un pueblo de Castilla. Lina, su padre Roberto, Cecilia, Puck, jefe de la troupe y Juanito ensayan para la función de esta noche. Todo es alegría si no fuera por las constantes disputas entre Puck y Cecilia. A pesar de que Puck la ama ciegamente, esta decide abandonarlos en busca de fama y dinero. 

En el segundo acto la compañía disfruta de gran éxito gracias a las pantomimas que Puck escribe y que Lina representa. Lina ama a Puck sin atreverse a confesarlo abiertamente. Aparece de nuevo Cecilia contratada casualmente por el mismo circo en que ellos actúan. 

El tercer acto se desarrolla en el interior del cuarto de Lina en el circo. Puck no duda un instante en seguir a Cecilia en cuanto la ve, ante el abatimiento de Lina, que teme perderlo. Este se deja embaucar de nuevo por sus encantos, pero Cecilia se ríe de él contándole que ama a otro hombre. Puck reacciona violentamente y mata a Cecilia. Al confesárselo todo a Lina, esperando que le aborrezca, esta le confiesa su amor ante la sorpresa de Puck y le perdona.

En Las golondrinas, José María Usandizaga trabajó con la mejor pareja de libretistas de la época, Gregorio Martínez Sierra y la esposa de este, María de la O Lejárraga. La obra fue estrenada como zarzuela en 1914, y posteriormente, tras la muerte del compositor, su hermano Ramón arregló el texto y compuso la música para los fragmentos hablados para representarse como ópera en 1929. Este último trabajo es el que ahora nos ocupa.

Fotografías : © Conchita Meléndez