MARILÚ MARINI LLEGA POR PRIMERA VEZ A ESPAÑA CON EL ESTRENO ABSOLUTO DE EL CORAZÓN DEL DAÑO EN EL TEATRO ESPAÑOL

 

El director adjunto artístico del Teatro Español y Naves del  Español en Matadero, Luis Luque, ha presentado el espectáculo que inaugura la Temporada 2023/24 del Teatro Español, El corazón del daño, adaptación teatral de la novela homónima de María Negroni, dirigido por Alejandro Tantanian y protagonizado por Marilú Marini. El espectáculo, estreno absoluto en el Teatro Español, es el relato de una hija acerca de la compleja y singular relación que mantiene con su madre, y estará en cartel del 21 de septiembre al 28 de octubre en la Sala Margarita Xirgu.

El corazón del daño es un monólogo que viaja desde lo íntimo a lo artístico −pasando por la militancia política− para hablarnos del presente, el ayer y el mañana de las relaciones materno-filiales. Esta adaptación teatral de la aplaudida novela de Negroni es un ajuste de cuentas de una hija con una madre desesperada y desesperante; el desmontaje de una vida que va de la simbiosis al enfrentamiento, de la huida de la casa familiar a la clandestinidad revolucionaria y de la migración al descubrimiento de sí misma a través de la escritura.

“Las relaciones materno-filiales siempre son complejas y, a su vez, absolutamente singulares”, explica el director argentino Alejandro Tantanian, que leyó la novela de Negroni cuando se publicó en 2021 y enseguida pensó en llevarla al teatro con la actriz Marilú Marini, una leyenda del teatro argentino y francés que nunca hasta ahora ha actuado en España. 

Formada en el mítico Instituto Di Tella de Buenos Aires, desde 1975 Marilú Marini ha desarrollado la mayor parte de su carrera como actriz en Francia, a las órdenes de directores como Peter Brook, Marie-Hélène Estienne, Claire Denis o Jean-Michel Ribes. 

Con El corazón del daño, Marini salda una deuda con el público español, que podrá por fin disfrutar de su talento como actriz en este monólogo sobre el vínculo de una hija con su madre. “Es una relación complicada, intrincada y ambivalente, pero es también la historia de alguien que está encontrando su camino como ser humano y como creadora a través de esa relación”, explica la actriz. 

El corazón del daño es una coproducción de Teatro Español y Teatro Kamikaze, adaptación teatral de la novela homónima de María Negroni con la colaboración de Oria Puppo y Alejandro Tantanian, dirigida por Alejandro Tantanian y protagonizada por Marilú Marini, con diseño de escenografía, iluminación y vestuario de Oria Puppo y diseño de sonido y composición musical de Diego Vainer.

La función de Teatro Accesible de El corazón del daño tendrá lugar el viernes 6 de octubre.

Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años.

MATILDA COMIENZA SU SEGUNDA TEMPORADA EN EL TEATRO ALCALÁ DE MADRID

 

El día 13 de septiembre, MATILDA El Musical  ha celebrado la primera función de la segunda temporada  en el teatro Alcalá de Madrid coincidiendo con el día del nacimiento del autor de la novela, Roald Dahl. La fecha ha sido elegida para homenajear así al escritor, nacido en el año 1916.

Matilda es el multipremiado musical de la Royal Shakespeare Company basado en la novela de Roald Dahl, autor que ha vendido más de 250 millones de libros, estrenado originalmente en Londres en 2011 (donde sigue representándose 8 veces a la semana). España, el primer lugar en presentar el musical en castellano, ya forma parte de la larga lista de países en los que ha triunfado en todo el mundo.

Matilda es un musical adulto interpretado por un extraordinario elenco de 85 artistas en done la mitad son niños. Entre ellos, destacan las 6 niñas que interpretarán a Matilda a lo largo de la temporada: Daniela Berezo, Irene Gallego, Julieta Cruz, Laura Centella, Sofía Jerez Torregosa y Paula Jerez Torregosa. 

Estas niñas han sido las encargadas de presentar la nueva edición del libro, editado por Alfaguara y ahora ilustrada a todo color por  Sara Walsh, una reconocida ilustradora con un estilo vívido y personal que nos sumergirá de lleno en la fascinante historia de Matilda, el clásico infantil que ha vendido más de 20.000.000 de ejemplares y que ha sido llevada al cine y al teatro en repetidas ocasiones. 

Las niñas que encarnan el personaje de la pequeña Matilda han leído varios fragmentos del libro, imitando así a su personaje quien con sólo cinco años es una gran lectora y que además posee poderes extraños y maravillosos. 

EL TEATRO MARQUINA ESTRENA FOREVER VAN GOGH BASADA EN LA VIDA DEL GENIAL PINTOR

 

Forever Van Gogh no es un musical, aunque contiene música y danza, no es una exposición interactiva, aunque en sus paredes se proyecten imágenes de los cuadros del pintor. Forever Van Gogh es un viaje teatral a la locura de un genio. Un espectáculo en el que el arte, la música, el teatro y las nuevas tecnologías se fusionan para ofrecer al público una experiencia única a través de la vida de Vincent Van Gogh.

La productora beon. Entertainment presenta su nuevo proyecto, un espectáculo envolvente sobre la vida y obra del reconocido pintor, a través de sus cuadros. A partir del 21 de septiembre se podrá ver esta original obra en el teatro Marquina de Madrid. 

En Forever Van Gogh se rompen las fronteras entre el artista y el espectador. Los asistentes a este espectáculo  quedarán cautivados por la historia real de una vida llena de frustraciones que se muestra gracias a un legado de más de 700 cartas que se enviaron entre Vincent y su querido hermano Theo. 

Forever Van Gogh está escrito y dirigido por Ignasi Vidal, dramaturgo, director, actor y músico. La composición musical es de Ara Malikian y la coreografía  de Chevi Muraday. El diseño de la escenografía es de Alessio Meloni y Pier Paolo Álvaro ha estado a cargo del vestuario. El reparto formado por un total de doce personas está encabezado por Cisco Lara en el papel de Vincent mientras que Felipe Ansola interpreta a su hermano Theo. En todo momento estarán acompañados en escena por el director musical y violinista Simón García. 

La obra se centra en los últimos 10 años del artista y, de forma paralela, realta la historia de la reciente aparición y venta de su cuadro ‘Campesina frente a una choza’. El uso de la tecnología en la que se ha empleado la Inteligencia Artificial, permite que, durante la obra, los cuadros del autor se posicionen como protagonistas. Y es el espectador desde su butaca, quien se sitúa en el centro de la escena entendiendo al artista desde dentro.

LA PROFESORA UNA COMEDIA DRAMÁTICA ESCRITA POR EDUARDO GALÁN

 

El Teatro Bellas Artes alberga la obra “La Profesora”, de Eduardo Galán, una comedia dramática que aborda cuestiones tan actuales como los problemas de los adolescentes, el miedo a la soledad o la importancia de la educación, entre otros. 

Dirigidos por Carla Nyman, Marcial Álvarez e Isabel Ordaz desarrollan un duelo interpretativo a través de sus personajes, el pescadero Ortiz y la profesora América Alcalá.

La obra se representá de miércoles a viernes a las 20:00 horas, sábados doble función a las 18:00 y 20:30 horas y domingos a las 19 horas.

Sinopsis:

Ortiz, un pescadero de unos cincuenta años que trabaja en un supermercado, acude a una reunión de tutoría para solucionar la situación de su hija Daniela.

El primer encuentro con la tutora, América Alcalá, una mujer de casi sesenta y cinco años que no quiere jubilarse por miedo a la soledad, resulta un verdadero asalto de boxeo. A lo largo de siete sesiones hasta el final del curso asistimos, en clave de comedia dramática, al encuentro y acercamiento entre dos personajes tan distantes por cultura y por edad, en medio de los conflictos que plantea la hija.

En palabras de Isabel Ortiz, “La obra está escrita con gran instinto, el ritmo es muy importante, son dos personajes antagónicos y radicales, frágiles, tiernos y divertidos. La profesora y el padre de una alumna se encuentran con problemas muy vivos entre los adolescentes: bullying, identidad de género, fracaso escolar. El corazón de la historia es muy dramático.”

Carla Nyman, Marcial Álvarez, Isabel Ordaz y Eduardo Galán

SURGE MADRID, EL FESTIVAL DE TEATRO ALTERNATIVO, CELEBRA SU DÉCIMO ANIVERSARIO

 

Entre el 25 de Septiembre y el 29 de octubre la muestra de creación escénica de la Comunidad de Madrid celebrará su décimo aniversario con un despliegue por 20 espacios de la capital y dos más en municipios de la región. Se estrenarán 40 obras que reflejan debates sociales actuales como la inmigración, el feminismo, la memoria o los efectos de la pandemia a través del teatro, el movimiento, la música o propuestas multidisciplinares.

La programación de Surge Madrid se ha construido a partir de la unión y puesta en común de las diversas corrientes estético-estilísticas que conforman el ecosistema de las artes escénicas alternativas madrileñas. Desde el inicio esta cuestión fue una de las máximas del equipo de gestión con el objetivo de posibilitar el trabajo de compañías y creadores madrileños vinculados a los nuevos lenguajes dentro de las artes escénicas y conectadas con la efervescencia cultural de nuestra comunidad.

Los espacios que participan en la muestra serán habitados por un total de treinta y seis estrenos, quince actividades transversas y cinco creadores emergentes que, desde la octava edición, son una apuesta por las nuevas voces de la creación escénica. 

El encargado de presentar esta décima edición ha sido Mariano de Paco Serrano, consejero de Cultura, Turismo y Deporte y lo ha hecho en la mítica Sala Mirador. El Cartel del festival ha sido realizado por la fotógrafa María Platero. 

Además Surge Madrid será un año más un espacio dedicado a visibilizar a buena parte de las Compañías y creadores de Iberoamérica que a lo largo de estos años han sido programados en los espacios alternativos, con el objeto de poner en valor que la región, abierta por antonomasia, no haya dejado de recibir a creadores del otro lado del Atlántico, logrando que nuestro panorama escénico se encuentre profusamente nutrido por la inherente colaboración estética entre los países que conforman el gran imaginario iberoamericano.

Tras la presentación Juan Croché, Fernando Trujillo y Teresa Garzón Barla han interpretado un fragmento de su intervención. 

Podéis encontrar toda la programación en el siguiente enlace:

https://www.madrid.org/surgemadrid/2023/la-muestra.html

LA TUERTA, OPERA PRIMA DE JORGE USÓN EN EL FERNÁN GÓMEZ

 

Desde el 7 de septiembre y hasta el 24 se podrá ver en la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez la obra escrita y dirigida por Jorge Usón e interpretada por María Jaímez.

Inspirada por el verso de Anne Sexton: “Vive o muere pero no lo envenenes todo”, Jorge Usón ha creado una tragicomedia sobre la imposibilidad de amar y de perdonar, servida con humor, y en donde todo se asienta en la interpretación de una actriz en un espacio vacío, en el que la protagonista se bate con su propia sombra que se proyecta sobre un lienzo en blanco sin ningún tipo de artificio.

En la escena primera nos encontramos a una doncella del siglo XVI que queda tuerta de un ojo en su primer encuentro amoroso, debido a una flecha disparada por su amante quien la abandona tras el hecho. Llena de rencor por la afrenta y también por las burlas de quienes la contemplan y sin posibilidad de culminar su unión con el hombre amado, jura vengarse del amor lanzando un maleficio cuyos efectos veremos en la época actual sobre una joven bailarina llamada Lucía. “Si yo no amo, nadie lo hará”, así maldice la tuerta y así da comienzo la historia. 

La Tuerta rinde tributo al teatro mismo y al poder del perdón como elemento revolucionario y transformador. Dice el autor “Si vivimos pensando que la vida nos debe algo, cuando el amor nos haga señas no las veremos. Tengamos un ojo o los dos”

El equipo lo secundan profesionales como el Premio Nacional de Teatro Juan Gómez-Cornejo en la iluminación; Alejandro Andújar en la escenografía y vestuario, y Mariano Marín en la música.

Nueve de Nueve Teatro es la compañía aragonesa que produce la obra. Fundada por actores en el año 2010 que a día de hoy la conforman Carmen Barrantes y Jorge Usón, los cuales producen y actúan en sus propios espectáculos en función de las necesidades artísticas de cada uno de ellos.

Carmen Barrantes, María Jaímez y Jorge Usón

© Imágenes: Conchita Meléndez

ÁNGELES MARTÍN, ANTONIO DECHENT Y JUAN GRANDINETTI PROTAGONIZAN EL ÉXITO DE BROADWAY ‘HECHOS Y FALTAS’

 

Un espectáculo de Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrell, adaptado y dirigido por Bernabé Rico

Desde el 30 de agosto se podrá disfrutar en la Sala Principal del Pavón hasta el 8 de octubre.

El Teatro Pavón arranca su nueva temporada este próximo jueves con el estreno de Hechos y faltas (The Lifespan of Fact), espectáculo teatral protagonizado por Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti y adaptado y dirigido por Bernabé Rico, basado en el éxito de Broadway escrito por Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrell.

La obra relata cómo el reputado autor John D’Agata escribe una crónica sobre la tasa de suicidios en Las Vegas para una de las mejores revistas del país. Emily, su redactora jefa, encarga al becario Jim Fingal la verificación de hechos del escrito pero pronto se encuentra con un “pequeño” problema: gran parte de ellos se los ha inventado. Lo que empieza como un trabajo más, pronto se convertirá en una hilarante historia sobre los límites que separan la libertad narrativa de la ficción.

«Así son las cosas y así se las hemos contado». De este modo cerraba el informativo de la noche un conocido presentador de TV de este país. Pero esas mismas cosas no parecían ser «así» en el informativo de la competencia. Entonces, ¿qué cosas son ciertas? ¿Puede la imprecisión narrativa de unos hechos viciar el trasfondo de una noticia? ¿A partir de cuántos errores se convierte en falsa? Aquí radica la piedra angular sobre la que se sustenta un debate ancestral y que ha dado de comer desde hace siglos a profesionales de la comunicación de todo el mundo, ya sean de medios impresos, televisivos o digitales. Si los hechos no fueran más que una sucesión de fechas, nombres y cifras, no nos haría falta más que un solo periódico, canal de televisión o portal de noticias digital. Curiosamente, los países totalitarios en los que esto se da son caldo de cultivo para las “fake news”, enviando un mensaje único e incontestable -bajo pena de cárcel- de que “así son las cosas”. Realidad vs. Autenticidad. Hechos empíricos frente a la falta de precisión de los mismos con el fin de transmitir con mayor “verdad” una historia. Partiendo de un caso real, Hechos y Faltas sintetiza este debate con acierto y lo lleva a escena combinando magistralmente inteligencia, comedia y actualidad.

La obra que ya ha estado presente en  algunas plazas de España y que tras su estancia en Madríd pasará por otras, está totalmente de actualidad en un momento en que las fake news están a la orden del día. Claro que no es lo mismo inventarse una noticia falsa, que adornar con pequeñas mentiras una noticia auténtica ¿o si? Eso deberá decidirlo el público a la largo de la hora y treinta minutos que dura la representación. Y según opina Antonio Dechent el público de Madrid es el más difícil dada la gran variedad de espectadores que lo representan.