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domingo, 9 de octubre de 2022

UNA REVISIÓN DE ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

John Tenniel
 

Sin duda Alicia es uno de los personajes más estudiados y difundidos en todos los ámbitos, tanto en el de la literatura como en el de la psicología y por supuesto en el mundo del arte. La obra de Lewis Carroll, que ha sido reeditada en muchísimas ocasiones, llevada al cine por distintos directores e interpretada en docenas de teatros, puede entenderse desde distintas lecturas: por un lado está la aventura que supone para los lectores jóvenes descubrir a tan singular personaje, pero es también un reflejo aterrador de la conflictiva personalidad de su autor, una sátira de su época y una obra maestra del humor absurdo. Desde el punto de vista adulto, la obra trata de un mundo donde el caos y el sinsentido imperan frente a la razón.

Salvador Dali


Ahora la Fundación Canal da otra vuelta de tuerca a la complejidad de Alicia en el País de las Maravillas al mostrarnos la visión que tienen de la obra algunos de los creadores más importantes del siglo XX. Salvador Dalí, Max Ernst y Marie Laurencin, junto a John Tenniel que realizó las ilustraciones originales para la primera edición de la obra en 1865, nos muestran su interpretación del libro en una serie de dibujos, esculturas, pinturas, así como el cortometraje Destino, en el que Salvador Dalí y Walt Disney comenzaron a trabajar en 1945 pero que por diversas circunstancias no vio la luz hasta el año 2003. 



Alicia despertó la imaginación de los integrantes de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX e inspiró numerosas obras de la época. En la muestra podrán verse piezas de Salvador Dalí, Max Ernst y Marie Laurencin, de quienes se exponen 34 estampas que ilustran los diferentes capítulos de la novela o inspiran en ella,  y 26 estampas de las ilustraciones originales realizadas por John Tenniel para la primera edición y que siguen estando presentes en la mayor parte de las reediciones actuales. También encontramos un óleo y una escultura de Dalí; además de las fotografías realizadas por el propio Lewis Carroll; las dos películas pioneras inspiradas en la historia de Alicia, las versiones de 1903, a cargo de Cecil Hepworth y Percy Stow, y la de 1910, de Edwin S. Porter.  

Salvador Dalí
Max Ernst

La muestra está comisariada por Helena Alonso es Historiadora del Arte y realizó el Máster individual en comisariado crítico e instalaciones museísticas. El diseño de la sala ha sido realizado por Enrique Bonet y enfrenta a los visitantes habituales de la misma con un primer reto ya que al contrario de lo que suele ser habitual en las instalaciones de la Fundación Canal, el recorrido no comienza por la sala principal sino por el lateral derecho que guiará al espectador  a través de la madriguera del Conejo Blanco para recorrer los distintos capítulos del libro que se corresponden con distintas secciones expositivas en las que se tratan temas fundamentales de la novela, como son el tiempo, el sueño o la imaginación. 



No faltan en el montaje ninguno de los momentos más memorables del maravilloso mundo de Alicia, así podremos asistir a la fiesta del “No Cumpleaños”, en la mesa que comparten el Sombrerero Loco, la Liebre de Marzo y la propia Alicia. Claro que para verlo tendrás que mirar debajo y no encima de la mesa, después de todo este es un mundo disparatado. También visitaremos el campo de croquet de la Reina de Corazones o presenciar el juicio presidido por ésta y el Rey en que se pretende cortar unas cuantas cabezas, incluida la de Alicia que se verá atacada por una baraja de naipes voladores, recreado en la estructura que cierra la exposición. 



Para completar la exposición la Fundación Canal ha editado un libro diseñado por This Side Up, que incluye reproducciones a página completa de todas las obras presentes en la muestra, así como textos de Helena Alonso, y del Profesor Dr. J. Óscar Carrascosa, que ahondan  en la capacidad de fascinación e influencia de la inmortal obra de Carroll no solo sobre el arte y la cultura popular, sino también sobre otros ámbitos como las ciencias. 

John Tenniel

La exposición se complementa con la organización de visitas-taller para familias durante el tiempo que dure la exposición y que será hasta el 8 de enero de 2023.  Está actividad podrá realizarse con niños de 3 a 12 años, para lo que será preciso reservar a través de: www.fundacioncanal.com

lunes, 3 de octubre de 2022

CÍRCULO DE CÁMARA TEMPORADA 2022/2023

 

Judit Jáuregui

El Círculo de Bellas Artes celebra la cuarta temporada de Círculo de Cámara, un ciclo que destaca por su condición internacional y por el brillante equilibrio entre voces consagradas y nuevas protagonistas del género.

El Cuarteto Diotima será el encargado de inaugurar el ciclo, interpretando en dos sesiones (15 y 16 de octubre) los seis cuartetos de Béla Bartók, una de las cimas camerísticas de la historia. Le seguirá un intenso programa que, bajo la dirección artística de Antonio Moral, nos ofrecerá las actuaciones de: Yulianna Avdeeva, Hopkinson Smith, Cuarteto Schumann y Katharina Konradi, Edith Peña y Alexei Volodin, Alexander Teliga y Judith Jáuregui, Trío Arbós & Friends y Alexandra Conunova y Christian Zacharias.

El próximo mes de marzo, y en coproducción con el Teatro Real, Círculo de Cámara presentará en Madrid Anti-formalist Rayok, una pieza que Shostakóvich comenzó a componer en 1948, tras ser condenado por formalista junto con los más importantes compositores soviéticos del momento.

Círculo de Cámara regresa en su cuarta edición destacando como uno de los programas de clásica más ambiciosos de Madrid. El ciclo, que cuenta con la dirección artística de Antonio Moral, destaca por su condición internacional y el sugerente equilibrio entre voces consagradas y aquellas otras que sin duda protagonizarán los próximos años del género. 

Entre los extraordinarios músicos y voces que podremos escuchar el Círculo quiere destacar su coproducción con el Teatro Real de la que será la presentación en Madrid de Anti-formalist Rayok, una pieza que Shostakóvich comenzó a componer en 1948 tas ser condenado por formalista junto con los más importantes compositores soviéticos del momento (Shostkóvich, Prokófiev, Jachaturián). Se trata de una cantata satírica para cuatro voces de bajo, coro y piano que tuvo que esperar hasta 1989 para su estreno, a cargo de Rostropóvich, en Washington, y que en esta ocasión escucharemos gracias al Coro del Teatro Real, el bajo de Alexander Teliga y el piano de Judith Jáuregui. 

Para el Círculo de Bellas Artes es fundamental el acceso de todos los públicos a una programación de gran calidad. La institución apuesta firmemente por una cultura accesible y asequible. Círculo de Cámara ofrece la posibilidad de adquirir abonos para todo el ciclo desde 56 euros. Además, para los conciertos, pone a disposición de estudiantes y menores de 30 años entradas a un precio de 7 euros. Los abonos y las entradas se pueden adquirir a través de la página web del Círculo. Disfrutar de una programación de música clásica de primer nivel está al alcance de todos.

Antonio Moral y Valerio Rocco © C. Meléndez

Círculo de Cámara forma parte del extenso y variado programa que el Círdulo de Bella Artes ha presentado para la temporada 2022/2023 y en el que tendrán cabida exposiciones, como la de Hergé o la Bienal de Fotografía Africana. Ozangé; una Bienal Ciudad y Ciencia, organizada conjuntamente por el CBA y la FECYT, que se celebrará simultáneamente en Madrid y Barcelona; Foros I+D+C; Jazz Círculo; artes escénicas con la compañía La Joven, que representará War and Love, una reflexión sobre el poder , el tiempo y el amor através de la historia; el año Pasolini seguirá mostrando la compleja identidad de este gran intelectual italiano y dentro de Cine Estudio, podrán seguirse una retrospectiva de Masaki Kobayashi, que fue junto a Akira Kurosawa uno de los cineastas japoneses más importantes de la generación de la posguerra; una retrospectiva de la húngara Márta Mészáros; la semana de cine ucraniano y la obra de Ana Poliak, uno de los secretos mejor guardados del cine Iberoamericano. 

Todo este programa se complementa con cursos, talleres, conferencias y publicaciones que se irán sucediendo a lo largo del año. 

jueves, 29 de septiembre de 2022

EN EL JAPÓN DE LOS ÁNGELES. UNA RETROSPECTIVA DE LA OBRA DE AMALIA AVIA


La última vez que se vio una gran retrospectiva de la obra de Amalia Avia fue en 1997, cuando la artista aún vivía. Ahora la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid abre al público El Japón en Los Ángeles. Los archivos de Amalia Avia, una muestra que a través de 133 obras de la autora revisa y actualiza la comprensión del trabajo de quien fue para la crítica una de las figuras del realismo, aunque a ella no le gustaba que se le calificara como tal. 

Amalia Avia era una mujer alegre, vital y social pero su pintura no solía serlo. Su hijo Rodrigo Muñoz, nos cuenta que para muchos de los que conocieron a Amalia Avia, incluso para ella misma, resultaba difícil comprender la distancia aparente que existía entre su personalidad y su pintura. Es verdad que ella adoraba Madrid, tan central en su obra, es verdad que le atraía lo popular y lo humilde, que le encantaba recorrer las calles de ciudades y pueblos y también entrar en las casas, maravillarse con las bancas, las cómodas, las camas o los suelos que tanto pintó. Pero existía un gran contraste entre su personalidad y la forma en la que la veían aquellos que contemplaban sus cuadros. 




Amalia Avia se valía de la fotografía para inspirarse en su trabajo, pero al contrario que otros pintores de la época no hacía copias literales de las mismas, sino que las interpretaba buscando algo más allá de las mismas. Por eso, esta pintora excepcional que estaba casada con Lucio Muñoz, también artista, a pesar de estar relacionada con los realistas madrileños Antonio López, María Moreno, Francisco López e Isabel Quintanilla, todos pertenecientes a la misma generación, la de los años treinta del pasado siglo XX, marcaba diferencias fundamentales con los mismos al no recrear fielmente lo que se podía ver, sino que ella reflejaba más bien lo que podría ser, que lo que es. 


Madrid fue un pilar fundamental y una constante en su trabajo, como lo fueron las puertas, de las que abundan entre sus obras y es que detrás de cada puerta hay varias historias: la que rige el interior, la que se imagina y se desea, la que fascina o desilusiona en el momento de su desvelamiento. Cada una de ellas es siempre capaz de sorprender. Detrás de cada puerta habita sobre todo un tiempo fuera del tiempo, suspendido el que fue, el que podría haber sido, incluso el que será. Pintar puertas portones, entradas a portales como atisbo balbuceante de un mundo privado por descubrir, permite a la autora introducirse en cada uno de esos mundos e imaginar el lugar que hay al otro lado al modo de una pequeña Alicia en el país de las maravillas. 




Al mismo tiempo puertas y fachadas son para Avia el epítome de una ciudad vaciada que busca impenitente y necesita, la que se ha quedado suspendida en la retina de la artista y quizás también en el espectador. A medida que pasan los años, sus cuadros se van desnudando de individuos y su trabajo se centra más en los espacios desiertos, calles, carteles, negocios cerrados, y también habitaciones en las que se encuentran pequeños objetos que evidencian la presencia humana pero sin mostrarla. Lo importante para Avia es no acabar de desvelar el mundo completo, dejarlo a medias para que la imaginación cierre el archivo. O quizás para que lo abra. 


Es difícil situar a una artista como Amaia Avia en el panorama artístico porque ella tiene al tiempo algo pop, cuando convierte los objetos corrientes en especiales al retratarlos en sus cuadros; algo realista, entendido el término como lo opuesto a lo abstracto; algo conceptual, cuando trueca la autoría por las series; que es fotógrafa, archivera, documentalista, reportera... 




La presente exposición plantea esa y otras cuestiones y revisa la obra de Amalia Avia desde un punto de vista actual; buscando otras perspectivas que delinea el uso de la fotografía en su producción, desde fotos hechas por ella misma o por su familia hasta recortes de periódico. Son las suyas fotos que jamás presentan literalidad alguna; un punto de partida para captar después, a través de los cuadros, esas atmósferas en la cuales es maestra Avia: extraordinarios tiempos detenidos.

Amaia Avia

A veces parece que, si bien fue muy reconocida durante su vida, como otras mujeres artistas desde Sofonisba Anguissola hasta Gentileschi o Rosa Bonheur, al final, y a juzgar por el largo silencio que la rodeó durante años, fue doblemente olvidada como “mujer pintora” primero y como “pintora realista” después, cuando las artistas empezaron a ser rescatadas desde la crítica de género. Es por eso que esta exposición viene a poner en su lugar el reconocimiento debido a una mujer que sin duda deja un legado espléndido en el mundo de la pintura. 

Estrella de Diego (Comisaria) y Rodrigo Muñoz Avia 

viernes, 9 de septiembre de 2022

Adonis recibe la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes


El presidente del Círculo de Bellas Artes, Juan Miguel Hernández León, entregará la Medalla de Oro, máximo reconocimiento que concede la institución, al poeta, escritor y ensayista sirio, Ali Ahmad Said Esber, conocido bajo el seudónimo de Adonis. Tras el acto de entrega, que tendrá lugar el próximo jueves, 15 de septiembre, el escritor ofrecerá una lectura de poemas en árabe con la traducción al castellano a cargo del filólogo y traductor Federico Arbós (Premio Nacional de Traducción 1988). 

Nacido en Siria el 1 de enero de 1930, Adonis estudió filosofía en Damasco y mantuvo una posición política crítica con el régimen sirio que le llevó a permanecer preso durante unos meses. Después se afincó en el Líbano, donde abrazó el panarabismo y dejó de lado la carga política en sus obras. En 1960 recibió una beca para estudiar en París y de 1970 a 1985 ejerció como catedrático de literatura árabe en la Universidad del Líbano. Sin embargo, en 1980 se exilió definitivamente en París tras el comienzo de la guerra civil libanesa. Durante años fue profesor en la Sorbona y en el Colegio de Francia.

Parte de su prolífica obra ha sido publicada en castellano con distintas editoriales como Ediciones del Oriente y el Mediterráneo, Vaso Roto, Alianza o Visor, entre otras. Destacan títulos como Homenajes, Este es mi nombre, la antología Árbol de Oriente, la monumental Sombra para el deseo y el sol o Canciones de Mihyar el de Damasco.

Habitual en los últimos años entre los candidatos al Premio Nobel de Literatura, Adonis ha sido galardonado con importantes distinciones como la Medalla de Oro del Gobierno de Italia, el Premio Goethe, el Premio Giovanni Pascoli, el Max Jacob o el Premio Bjornson, entre otros muchos.

Con la entrega de esta medalla el Círculo reconoce la labor poética de Adonis, quien ha conseguido aquello que él mismo exige de la poesía, tal y como ha declarado en diversas ocasiones: que ésta amplíe los límites e incluso los elimine. 

El acto tendrá lugar el próximo jueves, 15 de septiembre (19h.) en la Sala de Columnas del CBA. La entrada es libre hasta completar aforo.

jueves, 25 de agosto de 2022

AVANCE TEMPORADA DE OTOÑO EN EL REINA SOFÍA

 

Frederic Ballell, La Rambla. Enllustrador de sabates [La Rambla. Limpiabotas], 1907-1908. © Arxiu Fotogràfic de Barcelona

El Museo Reina Sofía ha preparado para este otoño un programa expositivo en el que destacan el proyecto específico que la malagueña Leonor Serrano Rivas ha creado para el Reina Sofía, una muestra sobre la figura del psiquiatra y teórico catalán Francesc Tosquelles, la primera exposición monográfica en Europa de la artista guatemalteca Margarita Azurdia y una antológica del sevillano Manolo Quejido. La programación se completa con otras propuestas como una exposición sobre el carácter documental de la fotografía entre 1848 y 1917 y la muestra conjunta de las artistas Pauline Boudry y Renate Lorenz.

En cuanto al resto de actividades que tienen cabida en la programación habitual del Museo, en septiembre comienza la segunda parte y cierre de la retrospectiva que el Museo Reina Sofía y Cineteca Madrid han dedicado al cine de Gonzalo García-Pelayo (Madrid, 1947) en la que se estrenará, a nivel internacional, uno de los proyectos más ambiciosos del cine contemporáneo: El año de las 10+1 películas. Con respecto a las Artes en Vivo, los días 13 y 14 de octubre se celebra la cuarta edición del programa de danza y coreografía Estudio con el subtítulo Segunda piel. Subcutáneo; Y los días 11, 12 y 13 de noviembre, y en colaboración con el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid, tendrá lugar un ciclo de danza que bajo el título Duelo colectivo y duelo planetario presenta el trabajo de dos coreógrafos internacionales: Eszter Salamon y Alex Baczyński-Jenkins.

EXPOSICIONES


Leonor Serrano Rivas. Magia natural

21 de septiembre de 2022 – 27 de febrero de 2023

Leonor Serrano Rivas (Málaga, 1986) estudió Arquitectura y Bellas Artes en Madrid y Londres, lugar este último donde ha residido casi una década y donde ha desarrollado gran parte de su trayectoria artística. En su trabajo, Serrano Rivas se sirve de la instalación como medio a la hora de generar espacios en los que el espectador deja de ser un mero agente pasivo para cobrar una función capital. Su obra oscila, de esta forma, entre lo performativo y lo teatral, entendiendo al público como elemento indispensable para que la experiencia artística acontezca, y precisando la pieza de este para estar completa.

Articulada en torno a tres espacios del Museo: Espacio 1, Sala de Bóvedas y Sala de Protocolo, la exposición, enmarcada dentro del Programa Fisuras, pretende crear un nuevo cosmos dentro de los muros del Museo, siguiendo los preceptos de la magia natural que, mediante instrumentos o aparatos tales como espejos, reflejos, tubos sonoros, autómatas, etc., tenía la habilidad de trucar los sentidos, llevando al espectador a experiencias estéticas de un mundo imaginario.


Francesc Tosquelles. Como una máquina de coser en un campo de trigo

28 de septiembre de 2022 – 27 de marzo de 2023

La muestra recoge la trayectoria biográfica y el contexto político, cultural y profesional de Tosquelles a través de documentos, fotografías y grabaciones en las que se expone su concepción de la práctica psiquiátrica. Además, se presentan piezas creadas por artistas y enfermos mentales del hospital de Saint-Alban procedentes de la Collection de l’Art Brut de Lausana y de otras colecciones particulares, con las que Jean Dubuffet y otros artistas desarrollaron un arte liberado de las constricciones de la razón y de la educación formal.


Pauline Boudry / Renate Lorenz

7 de octubre de 2022 – 9 de abril de 2023 (Palacio de Cristal, Parque del Retiro)
 
Pauline Boudry (Suiza, 1972) y Renate Lorenz (Alemania, 1963) han trabajado juntas en Berlín desde el año 2007, centrando su interés en la revisión de la herencia cultural, los discursos de género y especialmente la teoría queer. Su producción artística cuestiona asimismo la normatividad de las narrativas históricas, así como las convenciones asociadas al espectador, generando nuevos escenarios para reimaginarlos. Su trabajo revisita con frecuencia materiales de una época pasada para recuperar lecturas marginadas o ignoradas.

Margarita Azurdia. Margarita Rita Rica Dinamita

13 de octubre de 2022 – 17 de abril de 2023

Margarita Azurdia (Antigua, Guatemala, 1931-1998), una de las artistas centroamericanas más emblemáticas del siglo XX, se presentará por primera vez en Europa en una muestra monográfica que ahondará en su trayectoria y un extenso cuerpo de trabajo que abarcó la pintura, la escultura, el arte no objetual, las danzas sagradas, así como libros de la artista elaborados con sus dibujos, collages y poemas.


Manolo Quejido. Distancia sin medida

21 de octubre de 2022 – 16 de mayo de 2023 (Palacio de Velázquez, Parque del Retiro)

La exposición antológica de Manolo Quejido (Sevilla, 1946) Distancia sin medida repasará la carrera del artista desde sus inicios -en la experimentación geométrica y la poesía concreta, en los primeros años setenta-hasta su producción reciente. Recorrerá los muchos tránsitos de su pintura: de la figuración a las reducciones geometrizantes, de la sobriedad formal a la visita de estilos diversos; o desde el recurso a la paleta completa hasta el empleo exclusivo de una hexacromía que terminará empleando cual alfabeto.

La muestra incluirá los trabajos de gabinete que Quejido ejecutó a su paso, a principios de los setenta, por el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense. Si entonces quedaba atento a la secuencia posible de movimientos de una configuración visual dada, pronto transgredirá esas estrechuras normativas para producir figuraciones caprichosas, que le situaron en el grupo madrileño de los esquizos. Distancia sin medida nos introduce en el poliédrico corpus que Manolo Quejido ha ido generando a lo largo de su extensa trayectoria.


Genealogías documentales. Fotografía 1848-1917

16 de noviembre de 2022 – 27 de febrero de 2023

Esta exposición presenta muestra prácticas relacionadas con la aparición y evolución de las representaciones de identidades subalternas - trabajadores, criados, proletarios, mendigos, desposeídos— desde el surgimiento de la fotografía hasta el cambio de siglo (más concretamente, entre las revoluciones de 1848 y la Revolución rusa de 1917).

Genealogías documentales. Fotografía 1848-1917 cierra un ciclo iniciado en 2011 en el Museo Reina Sofía con las exposiciones Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939 y continuado en 2015 con Aún no. Sobre la reinvención del documental y la crítica de la modernidad. Ambas construyeron un relato alternativo de la configuración y evolución del discurso documental en la historia de la fotografía, a partir del estudio de casos en momentos decisivos del siglo XX. Esta última exposición contribuye a esa narrativa desde una perspectiva diferente: rastrear en la edad temprana de la fotografía las potencialidades de la función documental.

jueves, 16 de junio de 2022

VIAJE DE INVIERNO. ENTRE SHCUBERT, MÜLER Y CARLOS GARCÍA-ALIX

 


El paisaje es el sumun del romanticismo. Así lo ve y lo ha expresado Carlos García-Alix, con sus palabras y con sus obras. Y no debe de andar muy desencaminado porque al contemplar sus cuadros en la sala Goya del Círculo de Bellas Artes, uno se siente hipnotizado por la atmósfera que rodea cada una de las imágenes. 

La exposición Viaje de invierno es una libre y muy personal interpretación pictórica del Winterreise de Schubert. Una tentativa por relacionar algunas de las claves simbólicas de la obra: el invierno, el viaje, la soledad, la oscuridad, el amor imposible, la muerte… con nuestro presente, con nuestro mundo de las primeras décadas del siglo XXI.  Un mundo donde la antinomia entre razón y sentimiento sigue siendo una fuente de inspiración y creación para diferentes artistas de diferentes disciplinas.


Carlos que considera que lo suyo no es un viaje sino una errancia, un vagar hacia ninguna parte, sin destino final ni meta, comenzó a fraguar la colección en un viaje en tren hacia Bilbao. A mitad de camino, más o menos a la altura de Burgos se desató una tormenta de nieve y el tren quedó detenido durante un período indefinido de tiempo. Los viajeros en un principio sorprendidos y tal vez algo aterrorizados, pero a la vez fascinados por el espectáculo que se ofrecía a sus ojos, se olvidaron de sus teléfonos móviles y sus ordenadores para mirar por las ventanas del vagón. La escena impresionó al artista y en ese momento se le vino a la cabeza la obra de Schubert, concretamente el ciclo de 24 canciones para voz y piano que el músico austriaco compuso entre 1827 y 1828 sobre una serie de poemas de Wilhelm Müller. 



Aunque el motivo aparente de esta famosa composición, obra maestra del romanticismo, es el amor no correspondido, la riqueza de sus múltiples significados, la poderosa simbología del viaje a través del paisaje invernal, o la naturaleza solitaria, errabunda y trágica del viajero, nos permite vislumbrar un pathos que trasciende los arquetipos más comunes del romanticismo y nos introduce en un territorio absolutamente moderno, una geografía espiritual fragmentaria que a día de hoy sigue conservando una poderosa capacidad evocadora y emotiva.


El acercamiento a este universo parte de una doble experiencia: la relación de Carlos García-Alix con un conjunto de obras literarias, musicales y pictóricas del pasado romántico, y su propia experiencia viajera en estos últimos años a través del invierno en Alemania, Chequia y Dinamarca, lugar en donde reside su hermana a la que visita a menudo. Los paisajes nevados que rodean su casa se ven reflejados en algunos de los cuadros que componen la muestra junto a árboles desnudos de hojas, ríos caudalosos o chamizos de carboneros. También está representado el caminante de Schubert, ese que está envuelto en un aura de misterio que caracteriza a los héroes de un Lord Byron, y es que el  hombre que camina es también el hombre que sufre, a veces por desamor pero también por soledad, por el dolor, el frío, la nostalgia, la desesperación, la muerte, la locura..


Carlos García-Alix es un artista integral, pintor, escritor y cineasta, desde 1982 ha realizado numerosas exposiciones de pintura individuales y colectivas en diferentes galerías e instituciones culturales.

En paralelo a la pintura ha desarrollado proyectos editoriales centrados en la gráfica contemporánea como Las ediciones del Comité Peninsular, Larga Marcha Arte y Ediciones (que funda en 2011) y Cristal del tiempo.


García-Alix es autor de los libros Madrid-Moscú (que obtuvo el segundo premio al Libro de Arte Mejor Editado del Ministerio de Cultura en 2003) y El honor de las Injurias, ambos publicados por T Ediciones. Este último, junto a un documental homónimo realizado en 2007, está dedicado al llamado “Doctor Muñiz”, pistolero de CNT durante la guerra civil española. El largometraje fue premiado en la Semana Internacional de Cine de Valladolid en 2007. 


En 2004 creó junto a su hermano Alberto García-Alix y el también fotógrafo Nicolás Combarro la productora “No hay penas”. En paralelo, ha desarrollado una tarea de recopilación documental centrándose en la década de 1930 en España, que se refleja tanto en su pintura y obra gráfica como en la literaria y cinematográfica, y que ha denominado “novela pintada”, un proyecto que ha cristalizado en obras como el libro Madrid-Moscú o el lienzo Regreso a casa (1999).

La exposición podrá visitarse hasta el 4 de septiembre de 2022.


lunes, 13 de junio de 2022

HIJAS DEL NILO. EL PAPEL DE LA MUJER EN LA SOCIEDAD DEL ANTIGUO EGIPTO

 


Hijas del Nilo, la exposición que el Grupo EULEN presenta en el Palacio de las Alhajas de Madrid desde el 10 de junio hasta el 31 de diciembre de 2022 y que ha sido comisariada por Esther Pons, arqueóloga y conservadora-jefa del Departamento de Antigüedades egipcias y Oriente Próximo del Museo Arqueológico Nacional y Nacho Ares, historiador, divulgador, egiptólogo y locutor de radio, es un viaje a la cultura milenaria de los faraones, en la que hombres y mujeres convivieron con una armonía que no tuvo parangón en otras civilizaciones del pasado. 

En un año en el que se suceden las efemérides para la egiptología -100 años del descubrimiento de la tumba de Tutankhamón por Howard Carter, 200 años del desciframiento de la Piedra de Rosetta por J. F. Champollion y 50 años de la inauguración del Templo de Debod en Madrid-, el Grupo EULEN ha querido, a su vez, celebrar su 60º aniversario con esta ambiciosa exposición.  


 

El objetivo de Hijas del Nilo es acercar al público español la cultura egipcia desde una óptica diferente: la de la condición y la posición de la mujer en la sociedad del antiguo Egipto. Es la primera exposición que se realiza exclusivamente en torno a esta temática y la de mayor envergadura, con sus casi 300 piezas de 12 países. Entre los prestadores hay 27 museos, fundaciones e instituciones públicas y privadas, tanto nacionales como internacionales, y cinco coleccionistas privados. La mayoría de las piezas “estrella” no han sido nunca mostradas en España y muchas de ellas es la primera vez que los museos las prestan, por lo que el público tendrá una oportunidad única de apreciarlas.  



Un verso de un antiguo himno a la diosa Isis descubierto en la ciudad de Oxirrinco dice: “Hiciste el poder de la mujer igual al del hombre”. Si bien nadie puede negar que en la vida real los hombres estaban presentes en muchos puestos de la sociedad, las mujeres contaban con los mismos derechos y deberes ante las leyes humanas y divinas. Las mujeres podían tener propiedades privadas, estaban al frente de la casa y desempeñaron importantes funciones en la administración y en oficios de prestigio, como la medicina. También podían testificar en un juicio, heredar y desheredar, acusar a su marido ante un tribunal si había maltrato, e incluso divorciarse. 



En el antiguo Egipto la mujer tuvo un papel relevante y gozó de una independencia, desconocida en otras culturas coetáneas o incluso posteriores. No obstante, y según las fuentes, es en las clases sociales más favorecidas donde más vemos dicha independencia y libertad.  Hablamos, además, de un amplísimo periodo de tiempo, de más de 3.500 años, durante el cual la estructura social, económica y religiosa fue evolucionando; y de un vasto territorio, por lo que habría diferencias según la zona geográfica.  

Lo que es innegable es que hombre y mujer eran iguales ante la ley. La mujer era la compañera del hombre, su complementaria. Un concepto muy alejado, por ejemplo, del existente en la sociedad griega, donde la mujer era considerada como un menor de edad.  



El antiguo Egipto era una teocracia y por ello el derecho al trono era, a su vez, divino. La mujer transmitía ese derecho y otorgaba la legitimidad. A lo largo de la historia de Egipto ha habido mujeres que reinaron por sí solas como Hatshepsut o la última reina, Cleopatra VII. Además, la Gran Esposa Real podía tener una gran influencia en el faraón y en la política de Egipto como sucedió en el caso de Tiyi, su nuera, Nefertiti y Nefertari, entre otras.

La exposición comienza mostrando cómo era la vida de las mujeres en el periodo faraónico y en la etapa Ptolemaico-romana, recorriendo todos los estratos sociales, desde las mujeres más humildes, como las campesinas, hasta las altas damas de la corte. Se exponen objetos de la vida cotidiana, esculturas, representaciones en cerámicas, relieves y pinturas de tumbas que ofrecen una idea muy viva de la vida familiar, las costumbres, la pluralidad de oficios y cargos que ellas desempeñaron y las bases legales y religiosas que igualaban la condición de la mujer a la del varón. 


Uno de los apartados con mayor representación es el dedicado a la religión que fue uno de los espacios de la civilización del antiguo Egipto en el que la mujer desempeñó un notable papel. En esta sección se desgranan las claves del complejo y difícil mundo de las creencias religiosas del país del Nilo, donde siempre tuvieron cabida las sacerdotisas, las adoratrices de Amón, las danzantes o las cuidadoras de los templos, cumpliendo una labor de gran relevancia. Además, se muestran diversas divinidades femeninas como Hathor, Bastet, Sekhmet o Tueris, y de manera especial, Isis.


Momias, ataúdes, cartonajes, ushebtis, vasos canopos, amuletos, esculturas funerarias femeninas, entre otros objetos, adentrarán al visitante en el complejo, peligroso y oscuro tránsito que los antiguos egipcios debían realizar hasta poder alcanzar el mundo de Osiris, la vida eterna que tanto ansiaban tras la muerte.  

Esther Pons, Carmen Olivier (Directora de EULEN Art) y Nacho Ares

La exposición se cierra con un apartado dedicado a la Egiptomanía, tan en boga en Europa desde finales del siglo XVIII, cuando Napoleón Bonaparte se adentró en Egipto en 1798, y de manera especial, tras el descubrimiento de la tumba del joven faraón Tutankhamón el 4 de noviembre de 1922 por Howard Carter y su mecenas Lord Carnarvon, y a los que en esta exposición se ha querido rendir homenaje por medio de la recreación del gabinete de trabajo de Carter en Luxor.