LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA ACTUARÁ EN LAS NAVES DEL ESPAÑOL BAJO LA DIRECIÓN DE JOAQUÍN DE LUZ

La Compañía Nacional de Danza que dirige Joaquín de Luz,  estará desde el 7 hasta el 12 de noviembre  en la Sala Fernando Arrabal de las Naves del Español en Matadero, para interpretar cuatro piezas de las cuales una es un estreno absoluto. 

El programa con una duración que no llega a dos horas, está ideado para agradar a todos los amantes del ballet ya que cada una de las cuatro piezas que lo componen es diferente, tanto en música como en ejecución, y todas ellas están llenas de emoción y maestría. Desde las influencias del barroco en Morgen, a los cuartetos de Arriaga o los vibrantes compases del jazz en Swoosh el espectador quedará atrapado tanto por la música como por la gracilidad de los bailarines. 

Morgen, la primera de las piezas, con coreografía de Nacho Duato y música original de Pedro Alcalde, representa una lucha contra el suicidio, Es un signo de esperanza que representa que la vida puede continuar, que anima a estas personas a seguir adelante. El ballet está basado en un poema de Dorothy Parker  titulado Resumé. El poema consta de ocho versos cortos. Los siete primeros hacen referencia a los inconvenientes de 7 formas de suicidarse y el octavo y último indica que también se podría vivir. 

Por su parte Kübler-Ross representa la teoría de las cinco fases del duelo de la psiquiatra Elisabeth Kübler-Ross, uno de los modelos psicológicos más célebres del mundo. Estos cinco estadios son la negación, la ira, la negociación, la depresión y la aceptación, y tienen lugar en mayor o menor grado siempre que sufrimos una pérdida. 

La increíble María Kochtkova y Joaquín de luz constituyeron el primer elenco de este dúo creado por el coreógrafo Andrea Schermoly, con música de Antonio Vivladi (Andante del Concierto para violín en Si bemol Mayor RV583)

La tercera pieza, con coreografía de Joaquín de Luz es un estreno absoluto de la Compañía Nacional de Danza. Swoosh alude al sonido de un movimiento repentino en el aire o en el agua. La coreografía estructurada en tres escenas presenta inesperados y fugaces encuentros de extraños en una ciudad tan trepidante como Nueva York. La personalidad de cada personaje la representa un instrumento de Jazz. 

El programa lo cierra Arriaga, de Mar Aguiló, Pino Alosa y Joaquín de Luz, con una coreografía coral a seis manos sobre música del bilbaíno Juan Crisóstomo Arriaga, máximo exponente ibérico del clasicismo musical tardío. Se trata de un homenaje a su figura y su obra musical en su corta pero prolífera vida artística.

Las piezas que se han seleccionado para representar han sido:

Cuarteto n.º 1 re menor: III. Menuetto: Allegro-Trio: Più moderato,

Tema variado Op. 17: Andante, Variation 1, 2, 3, 4, 5, 6 y variation largo

Cuarteto no. re menor: II. Adagio con espressione

Cuarteto n.º 1 re menor: IV. Adagio-Allegretto

Que son interpretadas por 2 violines, 1 viola y 1 violonchelo.

Joaquín de Luz se formó en la escuela de Víctor Ullate y es director de la Compañía Nacional de Danza desde Septiembre del 2019, tras un proceso de selección al que optaron otros trece candidatos. De Luz ha sido estrella del New York City Ballet durante casi 15 años y ha bailado con las formaciones internacionales más reputadas.

Todas las fotografías de este artículo han sido cedidas por la oficina de prensa del Teatro Español y tienen copyright de su autora Albirú Muriel. 

El Teatro Español estrena Poncia con una impresionante Lolita Flores

 

La Sala Principal del Teatro Español, acogerá del 3 de noviembre al 3 de diciembre Poncia, espectáculo escrito y dirigido por Luis Luque a partir de La casa de Bernarda Alba, y otras obras de Federico García Lorca, e interpretado por Lolita Flores.  

No es fácil enfrentarse sola al público durante más de una hora en un monólogo cargado de emotividad y dolor, pero Lolita lo hace y lo hace muy bien, con la carga justa de añoranza, de pena, de rabia, de deseo de justicia, de odio incluso. Esa criada que ha soportado los desmanes de las habitantes de la casa en la que trabaja, quien probablemente sea la única personas que siente la muerte de la joven Adela a la que ni tan siquiera está permitido llorar, es un personaje maravilloso recreado por Luis Luque con una fuerza y un coraje del que probablemente carecía el personaje original. 

Con algo de nervios y algún fallo menor en el sonido, que probablemente hoy se haya corregido ya, ayer asistimos al ensayo general del que salimos con muy buen sabor de boca. Con una escenografía sencilla pero muy efectiva, una iluminación fantástica y un acompañamiento musical que interviene en los momentos precisos, la obra se nos muestra como una de las más interesantes puestas en escena que podremos ver esta temporada en el Teatro Español. Al menos así lo aprecio el público presente quien aplaudió con ganas al terminar la representación. Por mi parte un ¡bravo! tanto para Lolita como para Luis Luque. 

Poncia está escrita a partir de las intervenciones del personaje de la criada en la obra de Lorca, convertidas para la ocasión en reflexiones, soliloquios y diálogos con fantasmas y sombras que conforman un profundo análisis del personaje. En la obra original, el espectador asiste a una sucesión de hechos que se desarrollan en orden cronológico. En esta obra, Poncia habla después del shock producido por el suicidio de Adela y todo ocurre después de su muerte. De este modo, Poncia ajusta cuentas con las habitantes que sobreviven dentro de la casa, y descubre su simpatía por la más joven de las hijas de Bernarda y cómo se culpa a sí misma por no haber hecho más de lo que hizo. Todo dentro de una tormenta de niebla y un mar de silencio.

 

Poncia confronta al espectador con temas como el suicidio, la libertad, la culpa, la conciencia de clase, la educación y el sexo, entre otros. Y lo hace con la fuerza de una voz que ha sido maltratada y callada, en una época en la que a las mujeres la libertad les estaba prohibida. “Poncia siempre me ha sugestionado como ningún otro personaje de los que habitan en la casa de Bernarda Alba”, explica su autor y director, Luis Luque. “Los personajes de las criadas encierran un enigma interesante: son testigos de los avatares de sus dueños y amos, conocen la verdad del interior de las casas y poseen la filosofía oculta de las clases populares”.

 

El proyecto de Poncia surge tras conocer Luque la intención que José Carlos Plaza tenía de proponerle el papel de la criada a Lola Flores en su mítico montaje de 1984 cuando Miguel Narros dirigía el Teatro Español. Un papel que la artista no pudo representar por problemas de agenda y que, casi cuarenta años después, retoma ahora su hija, Lolita Flores, para reimaginar lo que ocurrió en esa casa después de la muerte de Adela. “Mi madre se quedó con la pena de no interpretar a Poncia, pero algo de ella llevo yo dentro de mí y, si es verdad que la energía no muere sino que se transforma, ella lo estará disfrutando”, cuenta la actriz. “Luis ha sido muy inteligente en sacar un spin-off de La casa de Bernarda Alba. Es muy acertado y coherente lo que ha hecho con esta mujer a la que le importan las injusticias, la poca libertad y no tener voz ni voto”.

 

Lolita Flores y Luis Luque

Poncia es una producción de Pentación y Teatro Español con texto y dirección de Luis Luque a partir de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca y pequeños fragmentos de otros textos del poeta como Doña Rosita la soltera, Gacela de la muerte oscura y Alma ausente, interpretada por Lolita Flores, con diseño de espacio escénico de Monica Boromello, diseño de iluminación de Paco Ariza, diseño de vestuario de Almudena Rodríguez y música original de Luis Miguel Cobo.

 

La función de Teatro Accesible de Poncia tendrá lugar el viernes 10 de noviembre.

 

Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años.

JOSÉ LUIS GÓMEZ REGRESA A LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO CON EL ESTRENO ABSOLUTO DE VUELAN PALOMAS

 

El actor y director José Luis Gómez regresa a la Compañía Nacional de Teatro Clásico con la dirección de escena de Vuelan palomas. Arte de sermones para tiempos inciertos, el nuevo estreno de la CNTC, que vuelve a trabajar conjuntamente con el Teatro de La Abadía siete años después de Celestina (2016).  

Vuelan palomas pone sobre la palestra teatral un género desconocido por el gran público, como es el del sermón religioso, muy cultivado en el siglo XVI, pero de enorme vigencia en la actualidad. José Luis Gómez, responsable de la idea, coautoría y dirección, afirma que «me percaté de que los sermones no habían servido únicamente para el desarrollo de la lengua, sino también para perseguir judíos, protestantes, alumbrados, alumbradas y musulmanes».   El director fundador del Teatro de La Abadía asegura que Vuelan palomas «es una historia apasionante que tiene que ver con nuestro país, con nuestra lengua y con nuestra evolución histórica».

El montaje tiene como tema central homenajear a la palabra y al poder de la misma como arma de condena y liberación, ofreciendo un arte de sermones para tiempos inciertos. Javier Huerta Calvo, coautor junto con José Luis Gómez, explica el género como un «conflicto que oponía la fe católica a otras confesiones, o a quienes se desviaban de su ortodoxia».

Los intérpretes Clemente García, Alberto Granados, Roberto Mori, Lidia Otón y Marcos Toro encarnan a diversos predicadores y religiosas del siglo XVI llevando sus palabras desde el pasado áureo de la inquisición y coacción religiosa hasta un pasado no tan lejano, como fue la guerra civil española y la inmediata posguerra con sus consecuencias terribles para los heterodoxos como fue el exilio encarnado en la filósofa María Zambrano.   

El público podrá ver sobre las tablas a predicadores como  Gerónimo Morales, Alonso de Cabrera o El Lunarejo, aunque también verá a religiosas como Teresa de Cartagena, primera escritora en lengua castellana, o a la poeta y dramaturga sor Juana Inés de la Cruz. Ellas trataron de hacerse escuchar no desde el ámbito público del púlpito, sino desde otra esfera más íntima.

La puesta en escena presenta una escenografía que homenajea los versos del Cantar de los Cantares: «¡Cómo brillan alegres / tus ojos de paloma!» firmada por Elisa Sanz, la iluminación de Raúl Alonso, el vestuario con matices clásicos y contemporáneos de Deborah Macías, la composición musical y espacio sonoro de Alberto Granados, el trabajo físico diseñado por la maestra cuerpo Mar Navarro o la videoescena de Jorge Vila.

Vuelan palomas. Arte de sermones para tiempos inciertos se representa, del 12 al 22 de octubre, en la Sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia. Posteriormente, el espectáculo se exhibirá, del 26 de octubre al 12 de noviembre, en el Teatro de La Abadía.      

Las fotografías de escenas son propiedad de © Sergio Parra. 

Foto de grupo Compañía: © Conchita Meléndez

ISLA, UNA OBRA PARTICIPATIVA DE PALOMA PEDRERO EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 

Desde el pasado 3 de octubre y hasta el día 29 el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa presenta Isla, obra escrita por Paloma Pedrero y dirigida junto a Pilar Rodríguez, dentro de la ONG Caídos del Cielo, una organización dedicada a hacer teatro con personas en riesgo de exclusión y en especial vulnerabilidad. Para ello han transformado la Sala Jardiel Poncela en una playa.

 

En Isla se busca ser el espejo de nuestra sociedad actual a través de unos indígenas. Será esa visión la que nos otorgará una perspectiva diferente sobre nosotros mismos como personas “civilizadas” frente a las “incivilizados”, cuestionando nuestra forma de vivir desde una perspectiva limpia de impurezas y prejuicios. Este estudio antropológico inverso se realizará desde un punto de vista humorístico y cariñoso que hará replantearse a los asistentes sus vicios, de modo que se moverán y fomentarán sus virtudes.

 

El montaje, que transforma el teatro en una isla habitada por un puñado de indígenas, invita al espectador a formar parte de esta historia, desarrollando una experiencia inmersiva en la que le público pasará a ser uno más de la tribu. El equipo nos invita a descubrir el secreto que se esconde en esta isla y la tribu que la habita a través de los actores, que representarán a los embajadores indígenas que han viajado a la civilización para exponer sus ritos y costumbres. Será de este modo cómo se dejará en manos del público, recurriendo a la democracia, decidir el futuro de la Isla.

 

Rocío Agost, Mariu del Amo, Alberto Cavero, Carmen Céspedes, Juan Cruz Guerra "Juantxo", Pedro Fajardo, Charo Gabella, Julio Gil Gómez, Teresa de la Hera, Amaury Millán, Daniela Millán, Esther* Mora, Marta Navas, Magali Parra, Rober Ruiz, Sonia Sánchez, Ana Sánchez Cano, Josep Segarra/Kike Munsa, Semilla forman el elenco de este montaje “efímero” que sólo podrá verse en Madrid. Una oportunidad única para entender el espíritu y la energía de Caídos del Cielo.

Caídos del Cielo surge como una compañía de teatro social y ONG en el 2009 gracias a su obra homónima, estrenada en el Fernán Gómez en 2009 dentro del Festival de Otoño. Es así como comienzan su labor volcada en hacer teatro con personas en riesgo de exclusión social y en situación de vulnerabilidad. Su residencia en el teatro los lleva a presentar esta nueva obra de mano de Paloma Pedrero y Pilar Rodríguez.

Esta compañía ha recibido múltiples reconocimientos a lo largo de sus 14 años como organización y compañía teatral, destacando el Premio Max Social 2022 o el VII Premio Dionisios 2017 otorgado por la UNESCO. Su defensa de los derechos humanos legitima su valor social, además de avalar su desarrollo artístico a través de siete montajes teatrales estrenados en reconocidos teatros públicos y privados.

EL CABALLERO DE OLMEDO RECONVERTIDO EN OPERA

 

Con el comienzo de la temporada 2023/2024 el Teatro de la Zarzuela se apunta un nuevo hito al ofrecer en su escenario el tercer estreno absoluto de una obra lírica en menos de un año, encargos todos ellos del propio Teatro a compositores de muy distintas trayectorias; tras Policías y ladrones de Tomás Marco y Trato de favor de Lucas Vidal, ahora es el turno de la ópera El caballero de Olmedo de Arturo Díez Boscovich. Una composición que cuenta, además, con un libretista de excepción, ese dramaturgo de dramaturgos que fue, que es, el prodigioso Lope de Vega, cuya poesía, a lo largo de los tres últimos siglos, ha estado presente en zarzuelas tan diversas como Doña Francisquita (1923), La villana (1927) o La rosa del azafrán (1930), de las que la primera y la última se podrán ver también en la temporada que ahora comienza.

El coliseo madrileño no ha dudado en rodearse para la ocasión de algunos de los nombres más destacados de nuestro teatro, de nuestra música y más allá. Así, a la dirección musical del Maestro Guillermo García Calvo, que ocupará el foso al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro), se une el magisterio de Lluís Pasqual, ese hombre que vive y sueña teatro, y que en esta ocasión, además de idear la escena, se ha encargado de realizar la necesaria adaptación del texto. Entre el 6 y el 15 de octubre se ofrecerán seis funciones.

Para Lluís Pasqual, esta de Lope de Vega es una obra magistral, que considera «la cumbre de la literatura teatral y poética del Siglo de Oro; y es, por tanto, la metáfora sobre el amor y sobre algo tan terrible que es la envidia». Porque para Pasqual El caballero de Olmedo es en realidad la historia más bella de nuestra lírica «sobre el amor y el dolor de su ausencia», «sobre la intolerancia». 

En esta propuesta escénica el director cuenta con la minimalista y efectiva escenografía de Daniel Bianco, el hermoso vestuario de Franca Squarciapino, la envolvente iluminación de Pascal Mérat, la eficaz coreografía de Nuria Castejón, la poética videoescena de Franc Aleu y el eficiente trabajo de esgrima de Jesús Esperanza.

Serán, además, dos repartos los que canten los tres roles principales de la ópera, integrados por los tenores Joel Prieto y Juan de Dios Mateos, las sopranos Rocío Pérez y Alba Chantar, los barítonos Germán Olvera y Ramiro Maturana, las sopranos Nicola Beller Carbone y Berna Perles, el barítono Gerardo Bullón y el bajo Rubén Amoretti.

Los acompañará el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, así como dieciséis bailarines-actores.

Según Arturo Díez Boscovich, «el espectador se encontrará con una historia absolutamente elegante, misteriosa, maravillosa, llena de amor, de celos, de todos los sentimientos que nos hacen humanos y que todos compartimos». Y destaca, cómo no, «el lujo de tener la oportunidad de ponerle música a la gran obra de Lope de Vega con una inteligente adaptación de Lluís Pasqual».

Por su parte, Guillermo García Calvo, director musical de este estreno, se muestra «muy ilusionado en contribuir a lo que es la nueva creación musical mirando hacia el futuro con esta hermosa ópera». Comenta que la partitura de El caballero de Olmedo de Arturo Díez Boscovich «ha sido un precioso descubrimiento por su escritura orquestal tan apasionada». El director de orquesta incide además en que «la música no es un mero acompañamiento a los versos de Lope de Vega sino que nos transmite las emociones de los personajes, completa todo lo que no dicen las palabras del texto de una manera envolvente, casi hipnótica, que hacen de la obra un inmenso poema sinfónico con canto».

La función del viernes 13 de octubre será emitida en directo a partir de las 20h00 a través de streaming en el canal de YouTube y la cuenta de Facebook del Teatro.

Fotos: © Conchita Meléndez

PRETTY WOMAN, EL MUSICAL

Contar el argumento de Pretty Woman es como que sobra, todo el mundo ha visto la película, algunos varias veces, pero por si acaso os hacemos un pequeño resumen: Edward Lewis, un atractivo pero frío hombre de negocios se haya en los Ángeles para cerrar un acuerdo comercial para su compañía, que se dedica a comprar empresas con problemas para cerrarlas y desmantelarlas vendiendo luego los despojos. Allí, cuando se haya perdido en la ciudad, conoce a una prostituta, Vivian Ward, de la que se encapricha y a la que contrata para pasar la noche. Algo cambia para ambos ya en esa primera jornada,  hasta el punto de que  Edward le ofrece dinero a Vivian para que pase con él toda la semana y le acompañe a diversos actos sociales. Y como en un cuento de hadas durante el tiempo que pasan juntos la vida de estos personajes cambia por la magia del amor. Y hasta aquí puedo contar. 

Ni que decir tiene que es imposible dejar de pensar todo el rato en los que fueron los protagonistas de la mítica película, Richard Gere y Julia Roberts por lo que en un principio uno acude al teatro con algo de prevención. A los cinco minutos de levantarse el telón lo habremos superado. A ver, no todo es perfecto pero Rogerd Berruezo está estupendo en su papel como Edward Lewis y Cristina Llorente (Vivian) nos hace olvidar con su espléndida voz cuando canta, su algo menos esplendorosa capacidad interpretativa. 

El resto del elenco no tiene desperdicio, un estupendo cuerpo de baile, música en directo y algunas interpretaciones francamente buenas con un gran dominio de la dicción y unas potentísimas voces. A destacar la polifacética actuación de Rubén Yuste en cualquiera de sus papeles, y las maravillosas voces de Erika Bleda (Kit Deluca), o Sara Navacerrada (Violetta) y Adrián Quiles (Alfredo) en su interpretación de un fragmento de La Traviata. También despunta la actuación de Natán Segado, en el papel de un torpe pero voluntarioso botones de hotel. 

La escenografía (de Carla Janssen Höfelt) muy dinámica es capaz de recrear los distintos espacios por los que se desempeña el guion a base de mover piezas que se encuentran en el escenario parcialmente cubiertas y también con la ayuda de un cartel colgado en la zona superior en el centro de la escena que nos hace ubicarnos sin tener que recurrir a estructuras más complicadas.  También está muy lograda la iluminación (Francesco Vignati). 

Hasta aquí todo perfecto, ¿qué no me ha gustado?. El diseño de vestuario y caracterización. El vestuario de Vivian, salvo el vestido rojo, se ve bastante cutre, más propio de unos almacenes que de las glamurosas tiendas de Rodeo Drive, lo mismo ocurre con la mayoría de los  vestidos  de las mujeres del  resto del elenco. Pero sobre todo lo que no puedo soportar son los pelucones que les han colocado a las intérpretes. Ya sé que hay que tapar los cables de los micrófonos pero ¿no hay otra forma de hacerlo?

En fin, esta obra escrita por Garry Marshall & J. F. Lawton y con música y letras de Bryan Adams & Jim Vallance, en la que se ha conservado la canción original  “Oh, Pretty Woman” de Roy Orbison, que se interpreta al final ya fuera de argumento, ha llegado al teatro EDP Gran Vía, de la mano del grupo Smedia con un notable muy alto y dispuesta a batirse con el resto de musicales que esta temporada llenarán la amplia oferta de la cartelera madrileña.