LA OBRA DE GAUDÍ EL GENIO CATALÁN SE EXHIBE EN CENTROCENTRO

 

La delegada del Área de Cultura Andrea Levy, ha  presentado hoy en CentroCentro acogerá del 14 de octubre al 5 de febrero de 2023 la exposición GAUDÍ, comisariada por Charo Sanjuán, que reúne más de 150 piezas procedentes de las más importantes colecciones del arquitecto catalán, entre las que se exhiben planos, dibujos, maquetas, muebles, elementos arquitectónicos, cerámica y fotos de época. La delegada del Área de Cultura Andrea Levy, ha  presentado hoy la exposición y ha agradecido la colaboración  a las instituciones públicas y privadas, museos, universidades, archivos, galeristas y coleccionistas, sin los cuales esta exposición no hubiera sido posible. 

La exposición, que aborda de una forma extensa la figura del reconocido arquitecto reúne más de 150 piezas. Destacan, entre otros, los planos para el proyecto para la Sociedad Cooperativa La Obrera Mataronense; la hoja de palmito en hierro fundido de la reja de la Casa Vicens; los planos originales correspondientes a las casas Calvet, Batlló y Milà; el mosaico hidráulico que diseñó para el piso principal de la Casa Batlló; la planta general del Templo de la Sagrada Família, datado en 1885; y las fotos del Park Güell, realizadas por Adolf Mas, las mismas que se exhibieron en la muestra de París de 1910. 

Antoni Gaudí (Reus, 1852 - Barcelona, 1926) está considerado un genio de la arquitectura y del arte a nivel mundial. Siete de sus edificios han sido declarados Patrimonio Mundial por la UNESCO: el Park Güell, el Palau Güell y la Casa Milà —«La Pedrera»—, desde 1984; la Casa Batlló, la cripta de la Col nia Güell, la Casa Vicens y la cripta y la fachada de la Natividad de la Sagrada Família, desde 2005. Sus obras atraen desde hace años multitud de visitantes de todo el mundo, que quedan sorprendidos y fascinados por su originalidad y belleza.  

La exposición GAUDÍ pone de manifiesto que la originalidad de las formas, la ornamentación, el cromatismo, la riqueza de los símbolos y su inspiración en la naturaleza son elementos que fascinan a primera vista. Pero luego, con una mirada más atenta, se descubren otros aspectos que subyacen en su trabajo y que evidencian al gran arquitecto: muestran que, detrás de la forma, está la racionalidad de su sistema constructivo y que su arquitectura es un prodigio de inventiva, soluciones constructivas e innovación, fruto de su propio genio personal, pero también del estudio y de un trabajo minucioso e ingente al que dedicó toda su vida.

Hace más de 20 años que Madrid no acoge una muestra tan extensa sobre Gaudí, una de las figuras más destacadas de la arquitectura y el arte internacionales.  

La exposición se acompaña de un importante catálogo que incluye textos de Charo Sanjuán Gómez, comisaria de la exposición; Antoni Ramon Graells (ETSAB Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona - UPC); Francesc Fontbona de Vallescar (Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi); Jordi Pomés Vives (Universitat Aut noma de Barcelona); Jaume Sanmartí i Verdaguer (Doctor arquitecto); y Carmen Rodríguez Pedret (Cátedra Rodríguez ETSAB. UPC).

PICASSO Y CHANEL JUNTOS EN EL MUSEO THYSSEN BORNEMISZA

 

No es la primera vez que el Museo Thyssen hermana moda y pintura en sus salas, ya en el 2018 presentó una exposición que analizaba la influencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla en la que las pinturas del autor compartían protagonismo con vestidos y complementos de la época. También en 2019 hubo una muestra compartida por estas dos disciplinas, en ella se vinculaba la creación de Cristóbal Balenciaga, el diseñador de moda más admirado e influyente de todos los tiempos, con la tradición de la pintura española entre los siglos XVI y XX.

Lo novedoso pues de esta exposición que se ha inaugurado hoy 11 de octubre y que permanecerá en activo hasta el 15 de enero del 2023 es que en esta ocasión son dos figuras concretas las que se enfrentan cara a cara, dos de los más grandes genios, cada uno en su campo, del pasado siglo. Picasso, indiscutible a la hora de hablar de grandes pintores y Chanel, quien indudablemente transformó el mundo de la moda. 

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una exposición que explora la relación de dos grandes creadores del siglo XX. Picasso y Chanel colaboraron profesionalmente en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en Antígona (1922) y en el ballet de Serguéi Diághilev El tren azul (Le Train Bleu, 1924). Se habían conocido en la primavera de 1917, seguramente a través del propio Cocteau o de Misia Sert. La diseñadora entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo del pintor español. A partir de entonces, Chanel frecuentará al matrimonio de Olga y Pablo Picasso, coincidiendo con la activa participación del artista en los Ballets Rusos de Diághilev. La creadora llegó a estar muy relacionada con el mundo artístico e intelectual del París de la época, hasta el punto de afirmar: “son los artistas los que me han enseñado el rigor”. 

Chanel y Picasso fueron estrictamente contemporáneos y los dos tuvieron una enorme capacidad de trabajo, o más bien una necesidad imperiosa de crear hasta el final de sus días renegando, en muchas ocasiones, de los cánones establecidos. 

Gabrielle Chanel, más conocida en el mundo de la alta costura como Coco Chanel, era apenas dos años más joven que Pablo Picasso y frecuentaban los mismos círculos. Personajes como Serge Lifar, Satie, Jacques Lipchitz, Georges Braque, Cocteau, Raymond Radiguet, Misia y Sert, Caryathis, o Blaise Cendrars, formaban parte de la bohemia que les rodeaba y la residencia de la modista en la 29 rue du Faubourg Saint-Honoré se convirtió en un punto de encuentro de la vanguardia. Picasso y Chanel se conocieron en la primavera de 1917, cuando ambos se encontraban en la treintena y ya eran célebres en sus respectivas actividades profesionales. Picasso empezaba a ser uno de los pintores más cotizados de París, mientras que Chanel, tras comenzar su carrera como sombrerera, había triunfado como diseñadora de moda y abierto tiendas en París (1910), Deauville (1912) y Biarritz (1915). Su natural intuición y su insaciable afán de aprender la llevaron a rodearse de músicos, literatos y pintores con los que compartió interminables veladas y de los que en ocasiones se convirtió en mecenas ayudando económicamente a Stravinsky, al poeta Pierre Reverdy o a Jean Cocteau.

La amistad entre el matrimonio formado por Pablo Picasso y Olga Khokhlova con Chanel fue tan firme que en ocasiones cuando él regresaba a París desde su residencia  en Fontainebleau por motivos de trabajo se alojaba en casa de Chanel para no tener que soportar la soledad que le provocaba su apartamento vacio. En agradecimiento Picasso regaló a Chanel un ejemplar del libro firmado con 32 reproducciones de los diseños para el vestuario y decorado del ballet El sombrero de tres picos, de Manuel de Falla, de 1919.

La muestra, comisariada por Paula Luengo,  conservadora y responsable del Área de Exposiciones del museo, reúne una excepcional selección de vestidos, óleos, dibujos y otras piezas procedentes de museos y colecciones americanos y europeos, entre los que destacan por su generosa colaboración Almine y Bernard RuizPicasso, Patrimoine de CHANEL y el Musée national Picasso de París.  

El recorrido por las salas se organiza en cuatro grandes secciones que se suceden en orden cronológico y que abarcan, aproximadamente, las décadas de 1910 y 1920:  

El cubismo y el estilo Chanel presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de Chanel ya desde sus primeros e innovadores diseños: el lenguaje formal geométrico, la reducción cromática o la poética cubista del collage se traducen en trajes de líneas rectas y angulosas, en su predilección por las masas de color, por el blanco, el negro y el beige, y en la utilización de tejidos humildes.  

Olga Picasso, el segundo capítulo, está dedicado a los numerosos y bellos retratos que Picasso realizó de su primera mujer, la bailarina rusa Olga Khokhlova, devota clienta de Chanel; junto a ellos, algunos vestidos de este periodo inicial de la diseñadora francesa, de los que se conservan escasos ejemplos.

Antígona, adaptación moderna de la obra de Sófocles realizada por Cocteau y estrenada en París en 1922, con decorados y máscaras de Picasso y vestuario de Chanel que vuelven a reunirse en este capítulo para mostrar su común inspiración en la Grecia clásica.  Destaca en esta sección la vasija prestada por el British Museum de Londres, atribuida al Pintor de Dolón, Antígona ante Creonte, 390-380 a. C.

El tren azul es el título del cuarto apartado y del ballet producido por Diághilev en 1924, con libreto de Cocteau inspirado en el deporte y la moda de baño; Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), un pequeño gouache que Diághilev descubrió en el taller de Picasso, se convirtió en imagen para el telón de la obra, mientras que Chanel, entusiasta deportista, creó trajes para los bailarines inspirados en modelos deportivos diseñados para ella misma y para sus clientes.

La comparación directa entre los diseños de Chanel y la obra de Picasso evidencia admiración contribuyendo ambos a la construcción del paradigma moderno. Chanel creó el ‘uniforme’ de la mujer moderna y dinámica del siglo XX,  igual que Picasso logró formular un nuevo canon de belleza plástica que se convierte en su estilo.

CELEBRACIÓN PICASSO 1973-2023: 50 EXPOSICIONES Y EVENTOS PARA CELEBRAR A PICASSO  

El 8 de abril de 2023 se cumplen cincuenta años del fallecimiento del artista español Pablo Picasso, evento que marcará la celebración de su obra y su herencia artística. Los gobiernos de Francia y de España han acordado trabajar conjuntamente a través de una comisión que reúne a las administraciones culturales y diplomáticas de los dos países.  

La Celebración Picasso 1973-2023 gira en torno a unas cincuenta exposiciones y eventos, organizados por instituciones culturales de Europa y América del Norte, que permitirán abordar un análisis historiográfico de su obra. La conmemoración, acompañada de celebraciones oficiales en Francia y España, servirá para hacer un balance de las investigaciones e interpretaciones en torno a Picasso, especialmente durante un simposio internacional que tendrá lugar en otoño de 2023, coincidiendo con la apertura del Centre d'Études Picasso en París.  

UNA REVISIÓN DE ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

John Tenniel

 

Sin duda Alicia es uno de los personajes más estudiados y difundidos en todos los ámbitos, tanto en el de la literatura como en el de la psicología y por supuesto en el mundo del arte. La obra de Lewis Carroll, que ha sido reeditada en muchísimas ocasiones, llevada al cine por distintos directores e interpretada en docenas de teatros, puede entenderse desde distintas lecturas: por un lado está la aventura que supone para los lectores jóvenes descubrir a tan singular personaje, pero es también un reflejo aterrador de la conflictiva personalidad de su autor, una sátira de su época y una obra maestra del humor absurdo. Desde el punto de vista adulto, la obra trata de un mundo donde el caos y el sinsentido imperan frente a la razón.

Salvador Dali

Ahora la Fundación Canal da otra vuelta de tuerca a la complejidad de Alicia en el País de las Maravillas al mostrarnos la visión que tienen de la obra algunos de los creadores más importantes del siglo XX. Salvador Dalí, Max Ernst y Marie Laurencin, junto a John Tenniel que realizó las ilustraciones originales para la primera edición de la obra en 1865, nos muestran su interpretación del libro en una serie de dibujos, esculturas, pinturas, así como el cortometraje Destino, en el que Salvador Dalí y Walt Disney comenzaron a trabajar en 1945 pero que por diversas circunstancias no vio la luz hasta el año 2003. 

Alicia despertó la imaginación de los integrantes de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX e inspiró numerosas obras de la época. En la muestra podrán verse piezas de Salvador Dalí, Max Ernst y Marie Laurencin, de quienes se exponen 34 estampas que ilustran los diferentes capítulos de la novela o inspiran en ella,  y 26 estampas de las ilustraciones originales realizadas por John Tenniel para la primera edición y que siguen estando presentes en la mayor parte de las reediciones actuales. También encontramos un óleo y una escultura de Dalí; además de las fotografías realizadas por el propio Lewis Carroll; las dos películas pioneras inspiradas en la historia de Alicia, las versiones de 1903, a cargo de Cecil Hepworth y Percy Stow, y la de 1910, de Edwin S. Porter.  

Salvador Dalí

Max Ernst

La muestra está comisariada por Helena Alonso es Historiadora del Arte y realizó el Máster individual en comisariado crítico e instalaciones museísticas. El diseño de la sala ha sido realizado por Enrique Bonet y enfrenta a los visitantes habituales de la misma con un primer reto ya que al contrario de lo que suele ser habitual en las instalaciones de la Fundación Canal, el recorrido no comienza por la sala principal sino por el lateral derecho que guiará al espectador  a través de la madriguera del Conejo Blanco para recorrer los distintos capítulos del libro que se corresponden con distintas secciones expositivas en las que se tratan temas fundamentales de la novela, como son el tiempo, el sueño o la imaginación. 

No faltan en el montaje ninguno de los momentos más memorables del maravilloso mundo de Alicia, así podremos asistir a la fiesta del “No Cumpleaños”, en la mesa que comparten el Sombrerero Loco, la Liebre de Marzo y la propia Alicia. Claro que para verlo tendrás que mirar debajo y no encima de la mesa, después de todo este es un mundo disparatado. También visitaremos el campo de croquet de la Reina de Corazones o presenciar el juicio presidido por ésta y el Rey en que se pretende cortar unas cuantas cabezas, incluida la de Alicia que se verá atacada por una baraja de naipes voladores, recreado en la estructura que cierra la exposición. 

Para completar la exposición la Fundación Canal ha editado un libro diseñado por This Side Up, que incluye reproducciones a página completa de todas las obras presentes en la muestra, así como textos de Helena Alonso, y del Profesor Dr. J. Óscar Carrascosa, que ahondan  en la capacidad de fascinación e influencia de la inmortal obra de Carroll no solo sobre el arte y la cultura popular, sino también sobre otros ámbitos como las ciencias. 

John Tenniel

La exposición se complementa con la organización de visitas-taller para familias durante el tiempo que dure la exposición y que será hasta el 8 de enero de 2023.  Está actividad podrá realizarse con niños de 3 a 12 años, para lo que será preciso reservar a través de: www.fundacioncanal.com

CÍRCULO DE CÁMARA TEMPORADA 2022/2023

 

Judit Jáuregui

El Círculo de Bellas Artes celebra la cuarta temporada de Círculo de Cámara, un ciclo que destaca por su condición internacional y por el brillante equilibrio entre voces consagradas y nuevas protagonistas del género.

El Cuarteto Diotima será el encargado de inaugurar el ciclo, interpretando en dos sesiones (15 y 16 de octubre) los seis cuartetos de Béla Bartók, una de las cimas camerísticas de la historia. Le seguirá un intenso programa que, bajo la dirección artística de Antonio Moral, nos ofrecerá las actuaciones de: Yulianna Avdeeva, Hopkinson Smith, Cuarteto Schumann y Katharina Konradi, Edith Peña y Alexei Volodin, Alexander Teliga y Judith Jáuregui, Trío Arbós & Friends y Alexandra Conunova y Christian Zacharias.

El próximo mes de marzo, y en coproducción con el Teatro Real, Círculo de Cámara presentará en Madrid Anti-formalist Rayok, una pieza que Shostakóvich comenzó a componer en 1948, tras ser condenado por formalista junto con los más importantes compositores soviéticos del momento.

Círculo de Cámara regresa en su cuarta edición destacando como uno de los programas de clásica más ambiciosos de Madrid. El ciclo, que cuenta con la dirección artística de Antonio Moral, destaca por su condición internacional y el sugerente equilibrio entre voces consagradas y aquellas otras que sin duda protagonizarán los próximos años del género. 

Entre los extraordinarios músicos y voces que podremos escuchar el Círculo quiere destacar su coproducción con el Teatro Real de la que será la presentación en Madrid de Anti-formalist Rayok, una pieza que Shostakóvich comenzó a componer en 1948 tas ser condenado por formalista junto con los más importantes compositores soviéticos del momento (Shostkóvich, Prokófiev, Jachaturián). Se trata de una cantata satírica para cuatro voces de bajo, coro y piano que tuvo que esperar hasta 1989 para su estreno, a cargo de Rostropóvich, en Washington, y que en esta ocasión escucharemos gracias al Coro del Teatro Real, el bajo de Alexander Teliga y el piano de Judith Jáuregui. 

Para el Círculo de Bellas Artes es fundamental el acceso de todos los públicos a una programación de gran calidad. La institución apuesta firmemente por una cultura accesible y asequible. Círculo de Cámara ofrece la posibilidad de adquirir abonos para todo el ciclo desde 56 euros. Además, para los conciertos, pone a disposición de estudiantes y menores de 30 años entradas a un precio de 7 euros. Los abonos y las entradas se pueden adquirir a través de la página web del Círculo. Disfrutar de una programación de música clásica de primer nivel está al alcance de todos.

Antonio Moral y Valerio Rocco © C. Meléndez

Círculo de Cámara forma parte del extenso y variado programa que el Círdulo de Bella Artes ha presentado para la temporada 2022/2023 y en el que tendrán cabida exposiciones, como la de Hergé o la Bienal de Fotografía Africana. Ozangé; una Bienal Ciudad y Ciencia, organizada conjuntamente por el CBA y la FECYT, que se celebrará simultáneamente en Madrid y Barcelona; Foros I+D+C; Jazz Círculo; artes escénicas con la compañía La Joven, que representará War and Love, una reflexión sobre el poder , el tiempo y el amor através de la historia; el año Pasolini seguirá mostrando la compleja identidad de este gran intelectual italiano y dentro de Cine Estudio, podrán seguirse una retrospectiva de Masaki Kobayashi, que fue junto a Akira Kurosawa uno de los cineastas japoneses más importantes de la generación de la posguerra; una retrospectiva de la húngara Márta Mészáros; la semana de cine ucraniano y la obra de Ana Poliak, uno de los secretos mejor guardados del cine Iberoamericano. 

Todo este programa se complementa con cursos, talleres, conferencias y publicaciones que se irán sucediendo a lo largo del año. 

EN EL JAPÓN DE LOS ÁNGELES. UNA RETROSPECTIVA DE LA OBRA DE AMALIA AVIA

La última vez que se vio una gran retrospectiva de la obra de Amalia Avia fue en 1997, cuando la artista aún vivía. Ahora la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid abre al público El Japón en Los Ángeles. Los archivos de Amalia Avia, una muestra que a través de 133 obras de la autora revisa y actualiza la comprensión del trabajo de quien fue para la crítica una de las figuras del realismo, aunque a ella no le gustaba que se le calificara como tal. 

Amalia Avia era una mujer alegre, vital y social pero su pintura no solía serlo. Su hijo Rodrigo Muñoz, nos cuenta que para muchos de los que conocieron a Amalia Avia, incluso para ella misma, resultaba difícil comprender la distancia aparente que existía entre su personalidad y su pintura. Es verdad que ella adoraba Madrid, tan central en su obra, es verdad que le atraía lo popular y lo humilde, que le encantaba recorrer las calles de ciudades y pueblos y también entrar en las casas, maravillarse con las bancas, las cómodas, las camas o los suelos que tanto pintó. Pero existía un gran contraste entre su personalidad y la forma en la que la veían aquellos que contemplaban sus cuadros. 

Amalia Avia se valía de la fotografía para inspirarse en su trabajo, pero al contrario que otros pintores de la época no hacía copias literales de las mismas, sino que las interpretaba buscando algo más allá de las mismas. Por eso, esta pintora excepcional que estaba casada con Lucio Muñoz, también artista, a pesar de estar relacionada con los realistas madrileños Antonio López, María Moreno, Francisco López e Isabel Quintanilla, todos pertenecientes a la misma generación, la de los años treinta del pasado siglo XX, marcaba diferencias fundamentales con los mismos al no recrear fielmente lo que se podía ver, sino que ella reflejaba más bien lo que podría ser, que lo que es. 

Madrid fue un pilar fundamental y una constante en su trabajo, como lo fueron las puertas, de las que abundan entre sus obras y es que detrás de cada puerta hay varias historias: la que rige el interior, la que se imagina y se desea, la que fascina o desilusiona en el momento de su desvelamiento. Cada una de ellas es siempre capaz de sorprender. Detrás de cada puerta habita sobre todo un tiempo fuera del tiempo, suspendido el que fue, el que podría haber sido, incluso el que será. Pintar puertas portones, entradas a portales como atisbo balbuceante de un mundo privado por descubrir, permite a la autora introducirse en cada uno de esos mundos e imaginar el lugar que hay al otro lado al modo de una pequeña Alicia en el país de las maravillas. 

Al mismo tiempo puertas y fachadas son para Avia el epítome de una ciudad vaciada que busca impenitente y necesita, la que se ha quedado suspendida en la retina de la artista y quizás también en el espectador. A medida que pasan los años, sus cuadros se van desnudando de individuos y su trabajo se centra más en los espacios desiertos, calles, carteles, negocios cerrados, y también habitaciones en las que se encuentran pequeños objetos que evidencian la presencia humana pero sin mostrarla. Lo importante para Avia es no acabar de desvelar el mundo completo, dejarlo a medias para que la imaginación cierre el archivo. O quizás para que lo abra. 

Es difícil situar a una artista como Amaia Avia en el panorama artístico porque ella tiene al tiempo algo pop, cuando convierte los objetos corrientes en especiales al retratarlos en sus cuadros; algo realista, entendido el término como lo opuesto a lo abstracto; algo conceptual, cuando trueca la autoría por las series; que es fotógrafa, archivera, documentalista, reportera... 

La presente exposición plantea esa y otras cuestiones y revisa la obra de Amalia Avia desde un punto de vista actual; buscando otras perspectivas que delinea el uso de la fotografía en su producción, desde fotos hechas por ella misma o por su familia hasta recortes de periódico. Son las suyas fotos que jamás presentan literalidad alguna; un punto de partida para captar después, a través de los cuadros, esas atmósferas en la cuales es maestra Avia: extraordinarios tiempos detenidos.

Amaia Avia

A veces parece que, si bien fue muy reconocida durante su vida, como otras mujeres artistas desde Sofonisba Anguissola hasta Gentileschi o Rosa Bonheur, al final, y a juzgar por el largo silencio que la rodeó durante años, fue doblemente olvidada como “mujer pintora” primero y como “pintora realista” después, cuando las artistas empezaron a ser rescatadas desde la crítica de género. Es por eso que esta exposición viene a poner en su lugar el reconocimiento debido a una mujer que sin duda deja un legado espléndido en el mundo de la pintura. 

Estrella de Diego (Comisaria) y Rodrigo Muñoz Avia 

Adonis recibe la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes

El presidente del Círculo de Bellas Artes, Juan Miguel Hernández León, entregará la Medalla de Oro, máximo reconocimiento que concede la institución, al poeta, escritor y ensayista sirio, Ali Ahmad Said Esber, conocido bajo el seudónimo de Adonis. Tras el acto de entrega, que tendrá lugar el próximo jueves, 15 de septiembre, el escritor ofrecerá una lectura de poemas en árabe con la traducción al castellano a cargo del filólogo y traductor Federico Arbós (Premio Nacional de Traducción 1988). 

Nacido en Siria el 1 de enero de 1930, Adonis estudió filosofía en Damasco y mantuvo una posición política crítica con el régimen sirio que le llevó a permanecer preso durante unos meses. Después se afincó en el Líbano, donde abrazó el panarabismo y dejó de lado la carga política en sus obras. En 1960 recibió una beca para estudiar en París y de 1970 a 1985 ejerció como catedrático de literatura árabe en la Universidad del Líbano. Sin embargo, en 1980 se exilió definitivamente en París tras el comienzo de la guerra civil libanesa. Durante años fue profesor en la Sorbona y en el Colegio de Francia.

Parte de su prolífica obra ha sido publicada en castellano con distintas editoriales como Ediciones del Oriente y el Mediterráneo, Vaso Roto, Alianza o Visor, entre otras. Destacan títulos como Homenajes, Este es mi nombre, la antología Árbol de Oriente, la monumental Sombra para el deseo y el sol o Canciones de Mihyar el de Damasco.

Habitual en los últimos años entre los candidatos al Premio Nobel de Literatura, Adonis ha sido galardonado con importantes distinciones como la Medalla de Oro del Gobierno de Italia, el Premio Goethe, el Premio Giovanni Pascoli, el Max Jacob o el Premio Bjornson, entre otros muchos.

Con la entrega de esta medalla el Círculo reconoce la labor poética de Adonis, quien ha conseguido aquello que él mismo exige de la poesía, tal y como ha declarado en diversas ocasiones: que ésta amplíe los límites e incluso los elimine. 

El acto tendrá lugar el próximo jueves, 15 de septiembre (19h.) en la Sala de Columnas del CBA. La entrada es libre hasta completar aforo.