LLEGA AL TEATRO DE LA LATINA LA COMEDIA DE LOS ERRORES TRAS SU PASO POR EL FESTIVAL DE MERIDA

 

Todo conocedor de la obra de Shakespeare sabe que en sus comedias se dan siempre situaciones equivocas. Enredos unas veces producidos por el capricho del azar y otras planificados por quienes esperan obtener un beneficio de ellos. Pero en esta ocasión el director de la obra que se presenta en el Teatro de La Latina, Andrés Lima,  ha querido poner de relieve la relevancia y el goce del error. 

El brillante elenco de esta comedia está formado por Pepón Nieto, Fernando Soto, Rulo Pardo, Santiago Molero, Avelino Piedad y Esteban Garrido, y todos ellos se meten en la piel de los más variados personajes interpretando tanto a hombres como a mujeres, del mismo modo que se hacía en el Curtain y luego el Globe, ambos teatros donde la compañía de William Shakespeare representaba sus obras o durante el invierno, después de 1609 en el teatro cubierto de Blackfriars. Por aquel entonces se consideraba inapropiado que las mujeres actuaran profesionalmente en la escena pública, a pesar de no existía ningún estatuto legal claro que lo prohibiese y durante esa etapa las mujeres actuaban profesionalmente en otros países.

“Esta propuesta huye de la ortodoxia. El error es lo contrario a lo correcto, a lo normal. Todo este montaje esconde una libertad de pensamiento tremenda” declara Lima. Así el director ha comentado que han convertido el espectáculo en una auténtica fiesta donde se canta, se baila y se interactúa con el público. En su intervención Avelino Piedad, que será Adriana, entre otros personajes, tocará el piano en directo. Por su parte, Esteban Garrido, además de actuar será el dj de la obra. También ha comentado Pepón Nieto que si bien se ha dejado un hueco para la improvisación y que a medida que se ha ido rodando han ido incorporando algunas cosas nuevas, en general todo está muy medido y estudiado para lograr que el espectador disfrute de esta comedia, que si bien es la más corta escrita por el bardo inglés, no por ello es menos importante. 

La obra sitúa la acción en la antigüedad clásica, con Siracusa (en la isla de Sicilia, Italia) y Éfeso (cerca de la actual Esmirna, Turquía) como ciudades enfrentadas, nombrando también a Epidamno (actual Durres, Albania). Todo ello se debe a que el argumento bebe de una comedia de Plauto, Los Menecmos. Esta obra es un elogio a la libertad, al enredo y a todo aquello no considerado ortodoxo.

© Conchita Meléndez

Todo el equipo disfruta muchísimo con estas representaciones, aunque llegan a ser agotadoras ya que es un no parar tanto en el escenario como fuera de él pues la obra se ha estado representando en varios puntos de la geografía española y seguirá girando cuando termine en Madrid. 

"La comedia de los errores" podrá disfrutarse en el Teatro La Latina de Madrid a partir del 27 de agosto y es una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Mixtolobo.

Fotografías de escena © Jero Morales

“LAPONIA” VUELVE AL TEATRO MARAVILLAS MELÉNDEZ EN SU TERCERA TEMPORADA

 

El regreso de la obra "Laponia" al Teatro Maravillas Meléndez promete cautivar al público en su tercera temporada con una comedia que, además de provocar la risa, invita a reflexionar sobre temas profundamente humanos. Con un elenco estelar compuesto por Amparo Larrañaga, Mar Abascal, Iñaki Miramón y Juli Fàbregas, la obra presenta a dos parejas cuyos mundos colisionan de manera hilarante pero también reveladora.

La trama se centra en Mónica, Ramón y su hijo de cinco años, Martín, quienes viajan a Finlandia para celebrar las fiestas navideñas con la hermana de Mónica, Nuria, su pareja finlandesa y su hija Aina, de cuatro años. Lo que parecía ser una oportunidad perfecta para Martín de conocer al "verdadero" Papá Noel, se convierte en el desencadenante de un conflicto cuando Aina le revela que Santa Claus es una invención de los adultos.

A partir de este suceso, las dos parejas se ven inmersas en un debate sobre dos formas opuestas de educar a los hijos, y se abren conversaciones sobre la verdad y la mentira, las tradiciones y los valores familiares. La comedia, escrita por Cristina Clemente y Marc Angelet, explora con agudeza estos dilemas, revelando secretos del pasado que ninguno de los personajes quería confrontar.

"Laponia" no solo es una comedia; es una ventana a diferentes maneras de ver el mundo, planteando preguntas sobre la naturaleza de la verdad y la mentira. ¿Es siempre mejor la verdad? ¿Es la mentira tan perjudicial como se suele pensar? La obra presenta estas cuestiones a través del contraste entre la sociedad finlandesa, que valora la verdad y cuya educación es reconocida mundialmente, y la cultura española, que a menudo se basa en tradiciones y verdades a medias.

La obra no solo compara la educación y las costumbres de Finlandia y España, sino que también se pregunta qué pasaría si estas dos sociedades aprendieran la una de la otra. ¿Podrían los españoles beneficiarse de un enfoque más analítico y menos dogmático? ¿Podrían los finlandeses ser más tolerantes con el fracaso y el error si adoptaran elementos de la educación española? La respuesta a estas preguntas y más se encuentran en esta comedia que, bajo la dirección de Tamzin Townsend, promete ser tanto un espectáculo de risa como de reflexión.

Desde el 15 de agosto, el público podrá disfrutar nuevamente de "Laponia" en el Teatro Maravillas. No te pierdas esta oportunidad de reír y pensar a la vez, explorando las diferencias y similitudes entre dos culturas a través de una historia tan divertida como universal.

Fotografías: © Conchita Meléndez

JONDO, UNA RECREACIÓN DE LOS PERSONAJES DE GARCÍA LORCA A TRAVÉS DE LA DANZA

 

Después la voz se detiene

para dar paso a un silencio impresionante y medido,

y la seguiriya se pierde, se escapa de las manos

la vemos alejarse hacia un punto de pasión perfecta,

donde el alma más dionisiaca no logra desembarcar…

Así arranca “JONDO, del primer llanto, del primer beso”, con una frase en español y hebreo que Federico García Lorca apuntó en su conferencia sobre el Concurso de Jondo en “Arquitectura del Cante Jondo” en el Primer Concurso de Cante Jondo de Granada en 1922.

Jondo es una historia de amor… Cinco cuadros de danza para cinco personajes de la literatura de Lorca que comparten, con el Cante Jondo, la tragedia sin destinatario y los derrames de su música que intervienen en la pena con quien observa y escucha esta expresión social y racial de orígenes borrosos, revueltos entre una queja de desdichas seculares, como el amor…

Cinco personajes, amantes sin ser amados: Rosita, Don Perlimplín, Mariana, Adela y El Director. Todos con un punto frágil en común: el desamor en el Jondo como antídoto de una inexistencia; como una extraña religión humanista que venera a la humanidad y al arte porque expresa lo más profundo; el grito desgarrador que libera y pone en valor las relaciones humanas; alguien canta y otros escuchan. La danza y la música son como el escueto objeto de perspectiva que alivia el dolor que también pertenece a la vida.

La obra que se puede ver, escuchar y disfrutar en el Teatro EDP GRAN VIA hasta el 1 de septiembre, tiene como bailarín principal a Eduardo Guerrero, que es también el creador de las coreografías flamencas. Guerrero que abre el espectáculo con un solo por Bulería deja al espectador con un magnífico sabor de boca y ganas de afrontar lo que le echen. Y lo que viene a continuación son una serie de Coreografías Contemporáneas creación de Sharon  Friedman e interpretadas por un estupendo cuerpo de baile que está formado por Mónica Prado, Clara Checas, Elsa Ribas, Irene Flores, Lorena Morena, Nino González y Alejandro Fernández. Todo ello acompañados por las voces de Ana Salazar y Manu Soto. También por la participación especial de Carmen Linares al cante que actuará únicamente del 21 al 25 de agosto.

Y si el cuerpo de baile y los cantaores son geniales, no desmerecen en absoluto los músicos, Jorge Moreno al trombón, con un precioso número en el que las luces sobre él y sobre los bailarines juegan un importantísimo papel y Antonio Carmona a la batería, en la que cada golpe de palillo es un latido en el corazón. Pero sobre todo hay que darle un sobresaliente máximo a Pino Losada, que en la dirección musical y la guitarra nos deja con la boca abierta en cada una de sus intervenciones pero sobre todo en ese número final, el epílogo, en el que Eduardo Guerrero y él juegan un mano a mano en el que es imposible discernir quien queda ganador. Con un enorme peso emocional ambos interpretan una Soleá que es la síntesis del Jondo en el cuerpo desnudo de un bailarín que ha entregado todo por el arte,  es el final sincero y maduro de un hombre que lo da todo sobre el escenario y que lo deja más cerca del mito que del ser humano. 

Los cinco cuadros que componen el cuerpo de la representación están formados por distintos personajes de las obras de Lorca:

CUADRO I. Rosita

Danza contemporánea: Marchita como las rosas que cultivaba.

Danza Flamenca: Caña y Palo.

Inspirado en la obra de teatro Doña Rosita la Soltera. Es un instante donde Rosita ya ha llorado la espera de treinta años de un amor que partió hace ya treinta años y que nunca ha de volver. La representación se cierra  también con esta obra, concretamente con el monólogo del tercer acto, en el que Rosita se confiesa vencida y mordida por un lobo. Será Ana Salazar quien le preste su voz. 

CUADRO II. Don Perlimplín

Danza contemporánea: Trío en Belisa

Danza Flamenca: Milonga.

Inspirado en la obra teatral El Amor de Don Perlimplín y Belisa en su Jardín. Belisa antes de casarse con Don Perlimplín hace el amor con otros hombres. Don Perlimplín muerto de amor, los observa para compartir el peso de los cuernos que se convertirá en una herida que acabará con su vida.

CUADRO III. Mariana

Danza contemporánea: Bata de Cola con tela de paracaídas beige tirando a blanco.

Danza Flamenca: Petenera. La Revolución se come a sus hijos.

Inspirado en la obra teatral Mariana Pineda. Mariana es la petenera que respira los últimos momentos, antes de morir…

CUADRO IV. Adela

Danza contemporánea: La castración es la más conclusa y cruel de las tradiciones

Danza Flamenca: Zambra Granaina. Tangos. La Carrucha y la Mosca: La fiesta debe continuar.

Inspirada en la pieza teatral La Casa de Bernarda Alba, Adela acaba de hacer el amor con su amante, y él ha huido.

CUADRO V. El Director

Danza Flamenca: Liviana Serrana. 

Inspirada en la obra teatral lorquiana El Público, el personaje de El Director cuenta como Gonzalo y Enrique se aman a pesar de una sociedad intrusiva que los mira como si fuesen caballos…

CORIOLANO, DESPUÉS DE SHAKESPEARE, LLEGA AL TEATRO BELLAS ARTES DE MADRID TRAS SU PASO POR EL FESTIVAL DE MÉRIDA

 

El poeta T. S. Eliot (premio Nobel en 1948)  consideraba esta obra el mejor de todos los dramas de Shakespeare. Escrita en 1608 Forma parte del grupo de sus últimas tragedias. Al igual que las dos obras anteriores , está ambientada en  Roma, en este caso en el siglo V antes de Cristo. Cayo Marcio Coriolano es una figura legendaria sobre la que ya escribió  Plutarco en sus Vidas Paralelas, obra en la que se inspiró el bardo inglés, incluso en demasía. Cierra la trilogía romana, tras Julio César y Antonio y Cleopatra.

Cayo Marcio es un brillante general romano de la época de la Republica que ha demostrado en numerosas ocasiones su valentía y su arrojo y de ello dan fe las múltiples cicatrices que pueblan su piel. Pero su orgullo, su odio hacia las clases más bajas y su soberbia sobrepasan su valor. Todo arranca con una escena de lucha de clases. Un grupo de ciudadanos romanos han iniciado una revuelta debida al hambre por la falta de trigo. Marcio insulta al pueblo en lucha y considera que deberían ahorcarlos, un mensajero le anuncia que los volsgos están en armas, de lo cual se alegra, porque la guerra servirá para «desahogar el exceso de podredumbre» de la población. Marcio se pone a las órdenes de Cominio para luchar contra los volscos, liderados por Aufidio. Marcio vence a los Volsgos y toma la ciudad de Corioles y Cominio propone llamarlo a partir de entonces Cayo Marcio Coriolano, en recuerdo de su victoria.

Después de la victoria los nobles quieren nombrar Cónsul a Coriolano, los tribunos de la plebe se niegan. Comienza el juego de la política, las mentiras, las imposturas, las estrategias. Coriolano, un hombre extremista, decide no traicionarse a sí mismo, ni a sus principios, pero finalmente acaba cediendo y solicita su apoyo a la plebe, que aunque en un principio se lo concede acaba rebatiendo su decisión debido a las burlas y el sarcasmo de Coriolano. Su reacción virulenta contra los derechos del pueblo le valdrá la condena por traidor y el exilio. Coriolano se une entonces a Aufidio, líder de los Volsgos, para acabar con Roma. Asediada Roma y cerca del desastre, la madre de Coriolano le hace desistir, lo que le cuesta la vida ya que Aufidio sintiéndose traicionado ejecuta a Coriolano. 

La obra que llega el día 14 al Teatro Bellas Artes dirigida por Emilio del Valle e interpretada por Gonzalo Hermoso en el papel de Coriolano, Jorge Muñoz como Menenio, Lidia Palazuelos como Volumnia, Luna Mayo como Bruta y Soledad Vidal como Virgilia, se centra en la trama política actualizando la historia tanto de Plutarco como de Shakespeare, porque lo que se pretende demostrar es que los grandes textos soportan el paso del tiempo. Para ello se situa la trama política de Coriolano en un set de televisión, en el que el conservador Menenio y la progresista Bruta debaten públicamente sobre lo que necesita Roma, sobre la elección del próximo cónsul. El debate se retransmite en directo, y las cámaras recogen cada palabra y delatan cada gesto. Volumnia, la madre de Coriolano, ve el debate por televisión. Así sobre un escenario prácticamente vacío pero con una gran pantalla que preside en todo momento la escena, los actores nos presentan a sus personajes y nos relatan los hechos acontecidos en esta tragedia que si bien está basada en una leyenda, tiene formato de drama histórico y que es es una de las pocas de Shakespeare que ha sido prohibida en una democracia. La causa: su utilización en Francia por parte de elementos fascistas en la década de los años 30 del siglo XX.

La obra estará en cartel desde el 14 de agosto al 1 de septiembre.

CÁLLATE CORAZÓN, UN HOMENAJE A LA ZARZUELA EN EL TEATRO PAVÓN

 

Cállate Corazón es un homenaje a un género, la zarzuela, y a sus intérpretes, que han defendido un patrimonio que no solo pertenece al pasado sino que se ha ido transformando a lo largo de los años.

Una mujer entra en un lugar indeterminado. Parece que está a punto de emprender un viaje. A ese lugar van llegando personajes que ella reconoce como parte de su pasado. Recuerda el momento en el que pensó que podría convertirse en una estrella: el adiós a una vida establecida, el descubrimiento de la ciudad y el amor. Esos encuentros le invitan a traer al presente sucesos de su historia pero también abren la puerta un futuro, al encuentro con las personas queridas que la esperan en el retorno a casa. 

Basándose en esa historia, Cállate Corazón hace un recorrido por algunas de las piezas claves de la zarzuela y también por piezas menos conocidas que pertenecen al género o que de algún modo están relacionadas con él. Así la copla, la revista y la canción española encuentran su rinconcito en esta singular obra que reúne a cuatro músicos y cinco cantantes todos ellos especialistas en estos géneros musicales. 

Milagros Martín, una habitual del Teatro de la Zarzuela, en donde en las últimastemporadas ha interpretado diversos papeles en Curo Vargas, La Dogaresa, La Vilana, Katiuska, Pan y Toros y La Dolores, así como en el estreno absoluto de Juan Jose deSorozabal y La Casa de Bernarda Alba de Luis Ortega, será la figura clave de la historia en la que estará acompañada por un plantel de profesionales de enorme trayectoria, con una gran solvencia como actores: Sonia de Munck, MariaRodríguez, José Julian Frontal, Francisco Corujo y Emilio Gavira completan el reparto dirigidos musicalmente por Miguel Huertas y con Dirección de escena de Susana Gómez.

En la representación se podrán escuchar algunas obras muy conocidas pertenecientes a zarzuela populares como El barberillo de Lavapiés, La Gran Vía o Luisa Fernanda, incluyendo el dúo perteneciente a esta última que da nombre a la obra. 

La obra estará en cartel desde el 14 de agosto hasta el 15 de septiembre. 

Fotografías: © Conchita Meléndez  

LA VERBENA DE LA PALOMA VUELVE AL ESCENARIO DEL TEATRO EDP GRAN VÍA

 

Aunque todavía faltan unos días para que los madrileños celebren la festividad de su virgen, ya han dado comienzo en las calles más céntricas de la villa y corte los festejos populares del mes de agosto. Ayer se dio el pistoletazo de salida con el pregón a cargo de Federico Gómez Villanueva, presidente de la Federación de Grupos Tradicionales Madrileños, de las primeras fiestas en celebrarse que son las de Lavapiés en honor de San Cayetano y lo harán entre el 6 y el 9 de agosto. A continuación vendrán las de San Lorenzo desde el 10 hasta el 13 de agosto y culminarán también en Lavapiés.  Y culminarán con las Fiestas de la Paloma, patrona de Madrid, que serán las que cierren este ciclo de festejos en la capital. Concretamente, se celebrarán en el barrio de la Latina desde el 14 hasta el 17 de agosto. En todas ellas habrá música, actividades infantiles y para toda la familia, actos religiosos, limonada, barquilleros, mantones de manila y como no podía ser de otra forma veremos por sus calles castizos y manolas, como mandan los cánones. 

Coincidiendo con todo ello ayer se estrenó en el Teatro EDP Gran vía, la representación de La Verbena de la Paloma, a cargo de la compañía Luis Fernández de Sevilla que lleva 14 años subiéndose a ese escenario cada año  para representar una de las zarzuelas más queridas por el público. Los responsables de la puesta en escena son César Belda, músico y director musical que cuenta en su curriculum con más de 80 montajes entre ópera, zarzuela y musicales y Lorenzo Moncloa que tras muchos años sobre el escenario es también el director escénico del montaje. En cuanto al reparto, en los papeles principales Lorenzo Moncloa y Hevelia Cardeña darán vida al  Julián y la Susana; La seña Rita estará representada por Elvira Padrino y Rosa Ruiz que se alternarán en el papel al igual que lo harán Santos Ariño y Polo Falcón en el de Don Hilarión. Amelia Font interpretará a la tía Antonia. 

La acción se sitúa en los barrios populares madrileños, durante la festividad de la Virgen de La Paloma. Don Hilarión, el boticario, y Don Sebastián comentan los calores de la noche, mientras los vecinos están de fiesta. Todos menos Julián, un joven cajista enamorado que rabia de celos provocados por su novia Susana.  La «señá» Rita, que le quiere como a un hijo, trata de consolarle y aconsejarle bien, pero no puede evitar que el chico descubra que la tía de Susana, Antonia, quiere emparejarla con el boticario, aunque a éste tanto le valga ella como su hermana Casta. Una rubia o una morena. Parece ser que la historia está inspirada en un hecho real  que fue registrado por Ricardo de la Vega. Tomás Bretón puso música al libreto y entre ambos consiguieron llevar lo que podría no haber pasado de ser una simple anécdota a lo más alto del género chico, ya que sin duda La Verbena de la Paloma no solo es un clásico de los escenarios líricos españoles, sino la garantía de diversión para todos los públicos, conocedores o no del género lírico español.

La obra estará en escena hasta el 18 de agosto siendo así una parte más de las populares fiestas de Madrid, así que si el calor te impide ir de verbena siempre podrás asistir al teatro y empaparte de la cultura popular de sus calles un poco más fresquito. 

Imágenes cedidas por grupo Smedia.