'LOS CISNES EN PALACIO' UN DISCO GRABADO POR SABINA PUÉRTOLAS Y RUBÉN FERNÁNDEZ AGUIRRE

Esta mañana la soprano Sabina Puértolas ha presentado junto al pianista Rubén Fernández Aguirre en el Ambigú del Teatro de la Zarzuela un trabajo discográfico muy especial: 'Los cisnes en palacio' (IBS Classical), que incluye una selección de canciones del compositor navarro Emilio Arrieta, tanto en castellano ('Pobre Granada', 'Serenata morisca', 'La niña sola',...) como en italiano ('La Rimembranza', 'Il Desiderio', 'A Te',...), admás de la escena lírica 'Los cisnes en palacio' del compositor catalán Alberto García Demestres sobre poemas del Premio Nacional de Poesía, Antonio Carvajal. Obra, esta última, que versa sobre la tormentosa relación entre la reina Isabel II y Arrieta.

Sabina Puértolas y Ruben Fernández Aguirre, a través de su magistral interpretación de seis canciones italianas y seis españolas, nos sumergen en la seductora plasticidad del universo sonoro bifronte del compositor navarro, miembro de la “bella armata armónica” formada en los años cuarenta en el Conservatorio de Milán, que cultivó su instinto en el Paradiso del Teatro allá Scala. 

En el transcurso de la presentación Sabina Puértolas y Rubén Fernández Aguirre han interpretado diversas obras contenidas en el disco, entre ellas “Pobre Granada”, en donde la prodigiosa voz de la soprano se ha puesto de manifiesto.  

  

ELEGIDAS LAS CINCO OBRAS GANADORAS DEL II PREMIO DE COMPOSICIÓN DEL TEATRO DE LA ZARZUELA Y EL REAL CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA DE MADRID

 

El II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) ya tiene las cinco obras ganadoras que, como ya se anunciaba en las bases, integrarán el programa del concierto que bajo el título ‘Música española contemporánea’ ofrecerá el lunes 12 de junio el Trío Arbós dentro del ciclo Notas del Ambigú.

El jurado designado por ambas instituciones, que destaca el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, ha acordado por unanimidad premiar las obras ‘Shower meditatios’ de Jorge César Iglesias Ramiro, ‘Reminiscencias’ de Sebastián Izquierdo, ‘Minuit toujours arrive’ de Adrián Velasco, ‘Como el vidrio’ de Alejandro Chaves Lisbona y ‘Todo es posible en el agua’ de Ángel de la Hera Rodríguez.

Dicho jurado estaba integrado por la catedrática de composición del RCSMM Consuelo Díez Fernández, el director del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, Antonio Fauró, el director adjunto del Teatro de la Zarzuela, Miguel Galdón, y el catedrático de Composición del RCSMM Enrique Rueda Frías.

Asimismo, el papel del reconocido compositor y miembro del Departamento de Composición y Tecnología Musical del RCSMM, José María Sánchez-Verdú, ha sido una vez más esencial para el buen desarrollo del certamen.

Al premio optaban alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2022/2023 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

LA OBRA DE ANDRÉ BUTZER POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA

Sin Título © André Butzer

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la primera exposición monográfica de André Butzer (1973, Stuttgart, Alemania) en una institución fuera de su país. Coincidiendo con el 50 aniversario del artista, la muestra reúne una selección de 22 obras, realizadas entre 1999 y 2022, que incluye algunas de sus pinturas más icónicas y revela la dimensión de su experiencia pictórica. Entre ellas se encuentran dos obras recientemente incorporadas a la Colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza: Aladin und die Wunderlampe [Aladino y la lámpara maravillosa] (2010) y Sin título (2022).

1 Helado por favor © André Butzer

Con esta retrospectiva de la obra de Butzer, comisariada por el director artístico del museo, Guillermo Solana, en estrecha relación con el pintor, se da continuidad a la serie de exposiciones en torno a artistas presentes en la Colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, iniciada en octubre de 2022 con una muestra dedicada al hiperrealismo.

Se reafirma, además, el lugar destacado que ocupa el expresionismo alemán en el coleccionismo de la familia Thyssen, ya que fue este el movimiento que despertó el interés del barón Hans Heinrich Thyssen‐Bornemisza por el arte del siglo XX hace sesenta años, lo que le llevó a adquirir para su colección numerosos lienzos de expresionistas como Emil Nolde, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein o Erich Heckel.

Aladino y la lámpara maravillosa © André Butzer

André Butzer se nutre de la obra de estos artistas alemanes y de otros como Paul Cézanne y Edvard Munch, de los poemas de Friedrich Hölderlin y de las aportaciones a la modernidad de personalidades como Henry Ford y Walt Disney para desarrollar un estilo propio,  una fusión entre el expresionismo europeo y la cultura popular norteamericana que él denomina “expresionismo de ciencia ficción”.

Sin título © André Butzer

A través de la pintura, Butzer se proyecta hacia un futuro desconocido y crea una ficción en la que también recoge las tradiciones del pasado. Uno de los caminos que encuentra es el del expresionismo, a partir del cual inventa su “expresionismo de ciencia ficción” con el que busca “transformar el pasado en futuro, en términos ópticos”. El artista absorbe el perverso mundo industrializado y lo convierte en una experiencia íntima desde donde brotan colores, formas y figuras.

Todo sobre la fabricación de Pretzels © André Butzer

La exposición presenta cronológicamente 22 lienzos de gran formato con los que se puede descubrir este particular universo pictórico, que oscila de la oscuridad del gris y el negro a la explosión de colores, de los circuitos abstractos a base de líneas a las figuras de dibujos animados, de los fondos planos a las capas superpuestas.

Tom y Jerry © André butzer

La muestra podrá visitarse en la segunda planta del museo del 9 de mayo al 10 de septiembre de 2023.

QUE DE NOCHE LO MATARON

Desde el 27 de abril y hasta el 21 de mayo, en la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez, se representa “Que de noche lo mataron”, dirigida por Ainhoa Amestoy, y basada en El Caballero de Olmedo, con texto de Julieta Soria. La obra está interpretada por Juan Cañas, quien asume los dos papeles protagonistas, en un monólogo, o quizás podría decirse un dialogo entre sus dos personajes protagonistas, el caballero de Olmedo y el motorista. 

En la obra de Julieta Soria dos historias se entrecruzan: en una, Don Alonso emprende a caballo, en su última noche, el camino de Medina del Campo a Olmedo; en la otra, un joven motorista hace el mismo camino, a la misma hora. A lo largo del viaje desgranan sus respectivas historias que formulan solos, en alto, como un conjuro contra el miedo que persigue a ambos como una suerte de pesadilla. La ambigüedad entre ambos espacios y tiempos recorre toda la obra y nos muestra a los dos protagonistas como personajes dobles. Así como dobles son asimismo sus razones: el amor, los celos, la envidia, el éxito social, las sombras, la soledad, el miedo irracional, el miedo real, el destino común, que se ignora y se presiente, lo fatal.

Es ésta una versión inusual de El caballero de Olmedo. Un suceso real que la literatura mantuvo  vivo para el pueblo en el mundo de la ficción y que continúa vivo en el presente. Una historia misteriosa, llena de ironía trágica, en la que acompañamos a los protagonistas en sus respectivos caminos hacia la muerte que ellos, paradójicamente, se encargan de devolvernos llenos de vida.

La puesta en escena apuesta por el actor: el cuerpo, la poesía, la emoción, el vertiginoso ritmo del siglo XXI y la precaria salud mental que aqueja a la sociedad contemporánea. El hombre está solo en una carretera abstracta, absurda y mágica, donde con pocos elementos minimalistas, se visualiza el caballo, la moto, el toro o las armas. 

Que de noche lo mataron es un monólogo en el que se funden argumental y estéticamente los dos planos del pasado y del presente. En esta línea, Juan Cañas. miembro de Ron Lalá, interpreta en directo (con guitarra, percusión y voz) música original, música popular y composiciones de Luis de Briceño, que se mezclan con música electrónica e incluso música de videojuego.

ESTRENO DE TRATO DE FAVOR EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA

 

Trato de favor es la última producción del Teatro de la Zarzuela, un estreno absoluto que se presentó hace unos días. La obra dirigida por Emilio Sagi está escrita por Boris Izaguirre y su música compuesta por el joven Lucas Vidal. El teatro la ha definido como una zarzuela contemporánea, aunque es más bien una mezcla de géneros que hace guiños al teatro musical e incluso si me apuras a la opereta, pues el libreto de Boris es divertido, inverosímil y ligeramente dramático en algunos momentos. 

El elenco, constituido casi exclusivamente por mujeres, sólo hay un hombre en el reparto, Enrique Ferrer que interpreta el personaje de Juan Miguel, está encabezado por la Soprano Ainhoa Arteta en el personaje de Ana Mía, la diva que ingresa en la cárcel de Las Albricias y que llevará a los espectadores a un viaje al imaginario del absurdo que acaba rematándose con una intervención en el Festival de Eurovisión desde la misma cárcel, presentado por el propio Boris Izaguirre desde el pasillo central del patio de butacas.  

La escenografía que ha corrido a cargo de Daniel Bianco, en la que será su última intervención como Director General del Teatro de la Zarzuela, puesto en el que cesará al término de la temporada, es realmente magnífica.

Gurutze Beitia, interpreta el papel de Mercedes, enamorada de Ana Mía al igual que Juan Miguel; Nanci Fabiola Herrera es Mayka, la corrupta directora de la prisión que intenta lucrarse con la llegada de la cantante; y Amelia Font, María José Suárez, Amparo Navarro y Lara Chaves forman el grupo de presas que pondrán el toque de humor y de humanidad en la obra. Dirige la orquesta con muy buena batuta Andrés Salado y la coreografía  es de Nuria Castejón.  

MAÑANAS DE ABRIL Y MAYO

 

Mañanas de abril y mayo, una obra de Calderón de la Barca en versión de Carolina África dirigida por Laila Ripoll. 

Mañanas de abril y mayo es una deliciosa comedia en verso trasladada a los años cincuenta y  llena de alegría y vitalidad, con canciones interpretadas en directo. Plagada de enredos y confusiones, donde se recrea un Madrid verde y florido, bucólico y sensual, en el que las jóvenes parejas de enamorados se confunden, se evitan, se engañan, se sorprenden, se buscan y, a veces hasta se encuentran. Todo es juego y alegría en este Calderón, donde la fuerza de la naturaleza se impone a la reflexión, y los huertos y jardines y bosquecillos de Madrid resultan ser los otros grandes protagonistas de la trama. Esta pieza que podríamos calificar de costumbrista, retrata a la perfección las relaciones humanas, sobre todo en lo que al amor se refiere. 

Según Laila Ripoll, la obra plagada de colores, luz, sensualidad, alegría, música y juventud brilla en cada elegante verso del texto. Sus personajes son mujeres  que bien podrían ser aquella Ava Gardner que se divertía en el Madrid de finales de los 50, Marcello Mastroianni paseando por san Antonio de la Florida, galanes con el punto tenebroso del Mr. Ripley de Alan Delon en A pleno sol, Jerry Lewis en su mejor momento, criados que parecen sacados de Atraco a las tres… todo parece hecho a la medida de este Calderón sensual y divertido, en el que una mujer con sombrerito blanco, al más puros estilo Audrey Hepburn, ubicua y juguetona, es responsable de un enredo monumental que deja al espectador boquiabierto. 

La obra en sí es una comedia de enredos en la que se verán envueltos Juan Guzmán, buscado por la justicia tras haber dado muerte por celos a un caballero al que vio salir de casa de su enamorada, Ana de Lara. Don Hipólito y su amante Doña Clara, que será quien propicie el equívoco que da pie a todo la farsa. Los cridados cómplices que facilitarán la trama. Don Pedro leal amigo y propietario de la casa en que tendrán lugar algunos de los encuentros, y que a su vez está prendado de Doña Clara. Así que aunque no la haya mencionado su directora esta obra bien podría haber sido comparable al Sueño de una noche de verano o a cualquiera otra de las comedias de Shakespeare. 

El vestuario muy rosa, divertido y refrescante ha sido diseñado por Almudena Rodríguez Huertas y el cártel es obra de Naranjalidad (Beatriz Ramo). La música  es de Mariano Marín, aunque se han conservado las letras de Calderón.  

La obra estará en cartel en la Sala Guirau desde el 13 de abril al 14 de mayo. 

Reparto (por orden alfabético)

Don Juan: Pablo Béjar

Arceo: Guillermo Calero

Don Hipólito: José Ramón Iglesias

Inés: Sandra Landín

Don Pedro: Juan Carlos Pertusa

Doña Ana: Alba Recondo

Doña Lucía: Nieves Soria

Doña Clara: Ana Varela   

LA FUNDACIÓN JUAN MARCH PRESENTA ESCALA: ESCULTURA (1945-2000)

 

Blanca Muñoz

La Fundación Juan March ha inaugurado en su sede madrileña una muestra que presenta un recorrido por la escultura contemporánea desde su relación con la escala. Se trata pues de una exposición  con un elemento organizador: el concepto de escala, que no se reduce al tamaño minimizado o ampliado de los objetos, sino que sirvió como verdadero elemento transformador y estructurante para la escultura a partir de la Segunda Guerra Mundial. 

Martín Chirino

Dominique Gonzalez-Foerster

Juan Muñoz

La muestra que podrá visitarse hasta el 2 de julio, reúne a más de 70 artistas que, desde 1945, reflexionaron sobre la escala y la utilizaron como herramienta esencial para producir su obra. Incluye nombres como Alberto Giacometti, Marcel Duchamp, David Smith, Isamu Noguchi, Dan Flavin, Dan Graham, Michelangelo Pistoletto, Karin Sander, Katharina Fritsch, Juan Muñoz o Guillermo Lledó, entre otros muchos. La reflexión sobre la noción de escala se preenta en la exposición junto con otros proceso transformadores de la escultura contemporánea, como el abandono del museo, la pérdida del pedestal, la conexión con la instalación, y la cercanía a la performance y a la arquitectura. 

Miguel Berrocal 

Gustavo Torner

Elizabeth Wright

La selección de obras y la producción del catálogo que acompaña a la exposición es el trabajo de un equipo curatorial formado por Penelope Curtis (comisaria invitada e historiadora del arte especializada en escultura), Manuel Fontán del Junco e Inés Vallejo (director de Exposiciones y Museos y jefe de Proyecto Expositivo de la Fundación Juan March, respectivamente).

La muestra que además de las salas del museo se ha extendido en esta ocasión a sus jardines, abiertos por primera vez al público, finaliza con un itinerario de escuchas que invitará al visitante a recorrer la manzana en la que se ubica la Fundación. Previa descarga de una aplicación, el paseo irá acompañado de quince extractos de arte sonoro en los que la escala, en este caso la musical, también tiene un papel preponderante. Este itinerario ha sido diseñado por José Luis Maire, musicólogo, artista sonoro y documentalista de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la institución, e incluye piezas sonoras de John Cage, Steve Reich o Ellen Fullman.