EL MUSEO ICO ACOGE LA EXPOSICIÓN LACATON & VASSAL PREMIO PRITZKER DE ARQUITECTURA 2021

 

“Nunca demoler, eliminar o sustituir, siempre añadir, transformar y reutilizar”. Esta máxima acuñada por Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal, ganadores del Premio Pritzker 2021, sintetiza su práctica arquitectónica e ilustra en pocas palabras por qué su obra  despierta tanto interés. 

La obra de Lacaton & Vassal, que surge de la escucha atenta de lo local -la comunidad, el clima, los usos-, es universal por su respuesta a los grandes retos actuales y enfatiza la importancia de la arquitectura al servicio de la mejora de la vida de las personas y de la sostenibilidad. La concesión del prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura de 2021 a este estudio reconoce la gran relevancia de su filosofía y de su trayectoria. 

Anna Lacaton y Jean-Philippe Vassal asumen el comisariado de esta exposición y plasman las cuestiones centrales de su trabajo sin interpretación ajena. La valorización de la vivienda social (y la vivienda en general), el análisis de los contextos y la atención a la economía son claves en la concepción de sus proyectos. 

La exposición sobre Lacaton & Vassal que ahora presenta el Museo ICO revisa su extensa carrera de más de treinta años, desde su primera cabaña de paja en Niamey hasta las viviendas en Grand Parc, y su concepción de la arquitectura a través de tres conceptos fundamentales que siempre están presentes en su trabajo, espacio libre -concebido en términos  máximos. generosidad de espacio, eficiencia y confort para aquellas personas que habitan o hacen uso de dichos espacios-, transformación -nunca demoler, siempre añadir, transformar, ampliar. Lo que ya existe, una construcción, la vegetación o un terreno, siempre brinda oportunidades para generar espacios nuevos.- y habiter -Vida, usos, apropiación. Para conceder al espacio su máximo potencial de ser habitado debe ser diseñado desde dentro, no desde el exterior como un objeto -. 

El estudio ha seleccionado para la exposición los trabajos que mejor representan la aplicación de estos principios y métodos durante décadas, cualquiera que sea su tipología: viviendas, tanto de nueva planta como transformadas, de promoción pública o privada; oficinas, equipamientos públicos y culturales. 

La exposición “Lacaton & Vassal. Espacio libre, transformación, habiter” en el Museo ICO, podrá verse desde el 6 de octubre hasta el 16 de enero de 2022.

CACIQUES, CURILLAS, VIOLENCIA Y MACHISMO, LOS PAZOS DE ULLOA EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ

El Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa presentará desde el día 8 de octubre y hasta el 7 de noviembre Los Pazos de Ulloa, de Emilia Pardo Bazán. Una adaptación de la novela, en versión de Eduardo Galán, que bajo la dirección de Helena Pimenta representa un alegato contra la violencia y la crueldad, centrándose en el enfrentamiento entre el deseo, la pasión y el amor, la violencia rural de un mundo caciquil que al igual que en una sociedad feudal permite al señor de las tierras el derecho de pernada, y  la cortesía y las buenas maneras de la ciudad, en este caso Santiago de Compostela. 

Por la obra desfilan, un cacique con poder sobre todos los que habitan el el pazo, un curilla con pasiones contenidas, al modo del célebre El pájaro espino, que es incapaz de enfrentarse al patrón que ha requerido sus servicios, una mujer enamorada y un capataz violento y dominante capaz de las mayores salvajadas. La puesta en escena y el vestuario, junto a la música que la acompaña, consiguen trasladar al espectador a finales del siglo XIX desde el comienzo del espectáculo y a la vez le hacen sentir que todo lo que están viendo es de rabiosa actualidad ya que aún pueden verse y vivirse actitudes semejantes en algunas partes del mundo. 

Pere Ponce encarna al cura Don Julián, un clérigo enamorado en lo cual hace coincidir la obra de Emilia Pardo Bazán con la famosa novela de Clarín, “La Regenta”, ambas de estilo naturalista (que, procedente de Francia, tanto marcó la literatura de finales del siglo XIX con el determinismo biológico y social de los personajes). Don Fermín de Pas, en Clarín, y Don Julián en Pardo Bazán. Dos curas muy distintos: el primero, corrupto y seguro de sí mismo, y el segundo, inseguro, asustadizo y dotado de un generoso corazón. En la adaptación de Eduardo Galán don Julián se convierte en el eje central sobre el que gira la obra, ya que es desde su punto de vista desde donde conoceremos los hechos que se desarrollarán en la misma. Le acompaña un elenco de lujo con Marcial Álvarez en el papel de Don Pedro Moscoso, el cacique Marqués de Los Pazos de Ulloa, Diana Palazón que interpreta los papeles de Sabel, la criada de Don Pedro, y Rita, prima del cacique; Francesc Galcerán se pone en la piel de Primitivo, el temible capataz de Los Pazos y del Señor de la Lage, Esther Isla es la frágil e inocente Nucha, prima y esposa de Don Pedro, y el joven actor David Huerta que interpreta al médico. 

El feminismo latente en “Los Pazos de Ulloa” se debe a la propia personalidad de Emilia Pardo Bazán, primera mujer catedrática de Universidad de España, primera mujer socia del Ateneo de Madrid y de la SGAE, fundadora de revistas, novelista, seguidora de la novela naturalista, precedente del lenguaje de Valle Inclán; dramaturga, ensayista, cronista cultural y de la política madrileña en la prensa de su época, candidata a académica de la RAE que no fue elegida por ser mujer. Según Eduardo Galán, “Doña Emilia fue una mujer adelantada para su tiempo y muestra con absoluto realismo las miserias y contradicciones humanas y sociales, el mundo sórdido y mágico de la Galicia rural y profunda y el ambiente falso de la vida de la ciudad. Las escenas se muestran con crudeza y realismo, aunque de un modo sutil en algunos casos. Sin duda nos hallamos ante un drama que habla de la violencia y la brutalidad entre los hombres entre sí y contra las mujeres. Un drama de entonces, que por desgracia hoy sigue existiendo.”

Durante el tiempo que duren las representaciones se podrá visitar también en el vestíbulo del teatro la muestra Madrid en Emilia Pardo Bazán, una exposición que muestra la relación de la escritora con la música, la presencia en sus obras, sus comentarios La vida contemporánea, publicados en La Ilustración Artística entre 1895 y 1916. Como cosa curiosa se exhibe el libreto y la partitura de una zarzuela, Palomas y Gavilanes, dedicada a ella y que se conserva en el Archivo de la SGAE. También podremos ver su obra literaria: Cuentos y novelas; así como la periodística, que estarán muy presentes y ocupará un lugar privilegiado Los pazos de Ulloa de TVE, así como con el de la versión teatral de Insolación, y con los maravillosos figurines de Almudena Huertas. La exposición ha sido comisariada por María Luz González Peña y ha sido organizada y patrocinada por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid en colaboración con el teatro Fernán Gómez. La muestra se podrá visitar de martes a sábados de 10 a 19h y domingos de 10 a 18h.

EL VIAJE A NINGUNA PARTE DA COMIENZO A LA CELEBRACIÓN DEL CENTENARIO DE FERNÁN GÓMEZ

Ramón Barea dirige El viaje a ninguna parte en adaptación teatral de Ignacio del Moral que mantiene intacta la esencia de la inolvidable novela y posterior película de Fernando Fernán Gómez. Sin duda, quien vea esta obra reconocerá la mirada, el sentido del humor y la socarronería tan característicos de su autor, a quien el propio Barea tuvo el placer de conocer personalmente puesto que llegó a trabajar con él en la obra Vivir loco, morir cuerdo, donde Barea hacía de Quijote, bajo la dirección del propio Fernán Gómez. 

Barea, además de dirigir es uno de los intérpretes de la obra, encarnando a Don Arturo, el que fuera primer actor y director de la compañía de cómicos que se representan en El viaje a ninguna parte.

Su hijo en la ficción, Don Carlos Galván, es interpretado por Patxo Tellería y el nieto (Carlitos Galván) por Mikel Losada. Por supuesto no pueden faltar personajes tan carismáticos como la prima de Don Arturo (Doña Julia Iniesta) interpretada por Itziar Lazkano, su hija Rosa del valle a la que da vida Aiora Sedano, o Juanita Plaza, interpretada por Irene Bau. Completan el elenco dos actores de enorme versatilidad como son Diego Pérez y Adrián García de los Ojos, que interpretan diversos papeles. 

Adrián García se ha encargado además de la música del espectáculo, perfectamente alineada en cuanto a ambiente y estética con el escenario diseñado por Jose Ibarrola y el vestuario de Betitxe Saitua. 

El Viaje a Ninguna Parte nos habla de una forma de ejercer la profesión de cómico, en una compañía ambulante. En realidad, nos habla del oficio, vocacional donde los haya, pequeño micromundo de vida y resistencia, tal vez hoy olvidado, pero que formó parte de la existencia y formación de muchísimos actores y actrices no hace tanto tiempo. Es un homenaje a la profesión que perdura y se reinventa de siglo en siglo. Muere y renace. A pesar del cine, del cine sonoro, de la radio, de la televisión, de Internet… A pesar de y precisamente por todo ello, El viaje a ninguna parte se ha convertido en una metáfora permanente de este arte del teatro que convierte cada función en única e irrepetible. 

Como recuerda Ramón Barea, “está hecha la novela en que se basa la obra por un cómico, hijo de cómicos, criado entre cómicos, y sabe de qué habla, cómo habla, por qué habla. Tiene memoria. Tiene vida. Estas cosas solo se entienden si se viven, por eso lo mejor es que se vengan con nosotros, invitamos al espectador a este viaje. Un viaje en el que, aunque nosotros sigamos, ustedes se pueden apear cuando les plazca. Es solo teatro, aunque… tiene veneno, el teatro tiene veneno. ¡Vamos, que sale el autobús!”.

Ramón Barea

El viaje a ninguna parte es una producción del Teatro Arriaga de Bilbao en coproducción con el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa y se podrá ver hasta el 3 de octubre. 

La obra está enmarcada dentro de las actividades que el Teatro Fernán Gómez realizará durante este año con motivo del centenario del actor. Entre dichas actividades durante el mes de octubre se proyectará dentro de la Sesión Vermú del teatro un ciclo de las películas del cineasta: El extraño viaje y La lengua de las mariposas que se podrán ver en sus salas. 

Tambíen el 1 de octubre, dentro de la Noche de los Libros, tendrá lugar en la Sala Polivalente una Mesa Redonda Homenaje a Fernán Gómez con Manuel Gutiérrez Aragón y Jesús Ruiz Mantilla como ponentes. Y en el mes de diciembre, José Sacristán nos presentará su adaptación, El hijo de la cómica, dramaturgia a partir del primer volumen de El tiempo amarillo memorias de Fernando Fernán Gómez  que será interpretada y dirigida por el propio José Sacristán junto a otros actores que compartieron trabajo, experiencias y vida con Ferán Gómez y que se han querido unir a este homenaje. 

© Fotografías de Conchita Meléndez 

MORANDI. RESONANCIA INFINITA

Hace tiempo que Fundación MAPFRE organiza exposiciones centradas en desentrañar los caminos que conducen al arte contemporáneo. Tras sucesivas muestras que trataban sobre la evolución del arte italiano a través de distintos movimientos colectivos —Macchiaioli. Realismo impresionista en Italia (2013), a la que le siguió Del divisionismo al futurismo. El arte italiano hacia la modernidad (2016) y Retorno a la belleza. Obras maestras del arte italiano de entreguerras (2017)—, la Fundación se ha centrado en aquellos artistas que, de forma individual, han desarrollado un lenguaje propio; es el caso de Boldini y la pintura española a finales del siglo XIX. El espíritu de una época, celebrada en 2019.

© Giorgio Morandi, Natura Morta 1914

© Giorgio Morandi, Natura Morta 1928

En 2021, hemos querido fijar nuestra atención en un pintor «maestro de maestros»: Giorgio Morandi, uno de los más significativos, inclasificables y desafiantes artistas de la historia del arte del siglo XX.

La exposición realiza un amplio recorrido por la producción morandiana a través de siete secciones en las que se abordan todos los temas queridos por el artista, fundamentalmente naturalezas muertas, paisajes y jarrones con flores. Al inicio del discurso que desgrana la muestra destacan Autorretrato y Bañistas, dos de los escasos ejemplos de la representación de la figura humana en su producción. Además, a lo largo de la exposición el visitante encontrará, en diálogo con las obras del maestro boloñés, la selección ya referida de trabajos de artistas contemporáneos que han recibido su influencia.

© Giorgio Morandi, Natura Morta 1956

© Giorgio Morandi, Fiori 1952

Morandi. Resonancia infinita hace un recorrido retrospectivo por la obra de Giorgio Morandi (Bolonia, 1890-1964), uno de los artistas más significativos e inclasificables en la historia del arte del siglo XX. El pintor italiano apenas viajó fuera de Italia y permaneció casi toda su vida en su casa-taller de la Via Fondazza en Bolonia. Allí abordó un trabajo en el que los objetos cotidianos, las flores y el paisaje se convirtieron en protagonistas.

En sus lienzos trata de captar la realidad de la manera más fiel posible a través de su personal poética, silenciosa y suspendida, que construye por medio de la luz, el color y los valores volumétricos. En este camino trabaja en obras en las que parece no haber nada más que lo que la pintura muestra: formas básicas y puras, lo que confiere una fuerte sensación de irrealidad a sus composiciones.

© Andrea Facco

En esta ocasión, su producción está acompañada por una cuidada selección de obras de artistas contemporáneos que han sabido establecer con su práctica artística un fecundo diálogo con el maestro boloñés. Artista entre artistas, Morandi es reconocido internacionalmente como una de las figuras clave en el desarrollo del arte contemporáneo.

La muestra cuenta con préstamos de numerosas colecciones particulares e instituciones internacionales, entre las que cabe destacar el Museo Morandi, Bolonia; la Fondazione Magnani-Rocca, Mamiano di Traversetolo, Parma; la Collezione Augusto e Francesca Giovanardi, Milán; la Pinacoteca di Brera, Milán; la Collezione Panza, Varese; la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf; el Kunst Museum de Winterthur; el Centre George Pompidou, París o el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, entre otros.

© Tony Cragg

En total se trata de 109 obras de Giorgio Morandi más 26 obras de veinte artistas contemporáneos: Alfredo Alcaín, Juan José Aquerreta, Carlo Benvenuto, Lawrence Carroll, Tony Cragg,  Ada Duker,    Alexandre Hollan, Joel Meyerowitz, Gerardo Rueda, Alessandro Taiana, Riccardo Taiana, Franco Vimercati, Edmund de Waal, Catherin Wagner y Rachel Whiteread.

La muestra permanecerá abierta al público desde el 24 de Septiembre de 2021 hasta el 9 de Enero de 2022.

 

EL MUSEO NACIONAL DEL PRADO CELEBRA EL 40 ANIVERSARIO DE SU FUNDACIÓN DE AMIGOS

“Cuarenta años de amistad. Donaciones de la Fundación Amigos del Museo del Prado” es el título de la exposición que podrá verse hasta el 16 de enero de 2022 en la sala 9 del edificio Villanueva para reconocer y rendir homenaje a las decenas de miles de Amigos que han brindado su apoyo al Museo y cuyo ejemplo servirá de estímulo para nuevas donaciones.

La  muestra reúne por primera vez las obras donadas por la Fundación Amigos del Museo del Prado gracias a la generosidad de sus miembros. Se trata de 36 obras de un relevante conjunto de artistas, entre los que se incluyen tres de los más grandes maestros que la pintura española ha dado al arte universal: Diego Velázquez, Francisco de Goya y Pablo Picasso, todos ellos, además, íntimamente ligados al Museo Nacional del Prado.

Concpción Serrano después Condesa de Santovenia, Eduardo Rosales

La Inmaculada Concepción, Bartolomé E. Murillo

Desde su creación, en diciembre de 1980, la Fundación Amigos del Museo del Prado no solo  colabora en el enriquecimiento patrimonial del Prado sino que también fomenta un mejor conocimiento de sus colecciones a través de un completo programa de actividades. Hasta la fecha, han disfrutado de sus cursos más de 80.000 alumnos, se han otorgado 1.568 becas, se ha contado con la participación de 650 profesores y los proyectos internacionales puestos en marcha han registrado más de 58.000 asistentes. Desde la firma del convenio entre ambas instituciones en 2009, la Fundación ha aportado al Museo cerca de 30 millones de euros.

Felipe III, Diego Velázquez

Sin título, Alberto García Alix

La exposición recoge los diferentes modos en los que la Fundación ha colaborado en el enriquecimiento de los fondos del Museo por medio de un valioso conjunto de obras que abarcan más de quinientos años, desde los primeros años del siglo XVI al siglo XXI, y que incluyen todo tipo de técnicas, del dibujo a la pintura y la escultura y del grabado a la fotografía. En palabras de Miguel Falomir, Director del Museo Nacional del Prado: “Desde su nacimiento en 1980, la Fundación siempre ha sido receptiva a las peticiones de muy variada índole que le ha ido transmitiendo el Museo y las ha atendido según sus posibilidades, pero también ha tomado la iniciativa con acciones tan relevantes y novedosas”.

Visita de la reina María Amalia de Sajonia al Arco de Trajano en Benevento, Antonio Jolí

Retrato de un enano, Juan van der Hamen y León

Las obras se distribuyen en cuatro secciones que hacen referencia a diferentes modos en los que la Fundación ha colaborado en el enriquecimiento las colecciones del Museo. La primera de ellas, presidida por La Virgen de la granada de Fra Angelico, muestra el grueso de las obras donadas y culmina con el Aníbal vencedor, que por primera vez mira Italia desde los Alpes de Goya, obra donada por la Fundación con motivo de su cuarenta aniversario. La segunda recoge una selección de doce obras de las noventa y seis realizadas por artistas contemporáneos a los que la Fundación invitó a dialogar con las colecciones del Prado y que posteriormente donó al Museo. La tercera muestra las obras que proceden de donaciones de la Comisión de Dibujos y Estampas que la institución creó, dentro del Círculo Velázquez, con el fin de contribuir a enriquecer dicha colección. La última sección se dedica a las obras que tienen relación con la vertiente más internacional de la Fundación, bien donadas por su Patronato Internacional, o a American Friends of the Prado Museum, organización con la que comparte objetivos. .

LA TEMPORADA DE TEATRO DA COMIENZO EN EL FERNÁN GÓMEZ CON LA OBRA ‘TURISTAS” EN LA SALA JARDIEL PONCELA

Braulio y Mari Carmen son una pareja normal. Muy normal. Ella trabaja de cocinera en el comedor de una escuela, y él espera un postergado ascenso en la empresa en la que ha trabajado toda su vida.

Suelen pasar sus 14 días de vacaciones, en una antigua caravana, en el mismo camping, años tras año.  Allí han creado una agradable rutina con sus vecinos de acampada y aprovechan para festejar su aniversario de boda por todo lo alto.

Pero este año es distinto, para congraciarse con su jefe y emular a su eterno contrincante de ascenso, Braulio ha decidido pasar las vacaciones en una playa casi desierta. A pesar de que hay un cartel que prohíbe acampar, a pesar de la falta de cobertura y aislamiento del lugar, y sobre todo, a pesar de que Mari Carmen odia el mar, lo detesta, le provoca mareos y terribles pesadillas.

La obra escrita por Marina Seresesky, dirigida por Álvaro Lavín e interpetada por Chani Martín y Pepa Zaragoza, plantea una serie de preguntas no sólo a los personajes de la misma sino también al espectador, ¿Cómo es posible mirar hacia otro lado? ¿A qué grado de insensibilidad hemos llegado que ya no nos afecta el dolor ajeno, aunque nos estalle en la cara?.

El mundo se desmorona, las tragedias se suceden, la injusticia y la desigualdad se hacen fuertes, y nosotros asistimos impávidos a ese declive, mientras llenamos los centros comerciales y nos obsesionamos con el último modelo de teléfono móvil. Pero entonces… ¿Será que es imposible ser feliz mientras haya alguien que sufra? ¿Acaso no tenemos derecho a una vida tranquila y placentera, aunque haya una guerra librándose en alguna parte del planeta?.

El miedo, la culpa, la falta de empatía, la solidaridad de mercadillo, el deseo de ser feliz a pesar de todo y de todos, se mezcla con un profundo intento de supervivencia que nos polariza: o eres depredador o eres víctima, parece decretar la sociedad.  Y a este dilema se enfrentan Braulio y Mari Carmen, los protagonistas de esta historia.  Ellos tendrán que tomar una decisión vital cuando la tragedia arrasa. Tragedia que se mezcla con humor, absurdo y verdades tan descarnadas como la vida misma…

Marina Seresesky, Chani Martín, Pepa Zaragoza y Álvaro Lavín

La obra permanecrá en cartel en la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez desde el 15 de Septiembre hasta el 10 de Octubre para más tarde empezar una gira por distintas capitales de provincia empezando por las Islas Canarias. 

EL REAL JARDÍN BOTÁNICO DE MADRID ABRE SUS PUERTAS A LA EXPOSICIÓN DE PILAR MILLÁN “LA SIMETRÍA DE LOS ENCUENTROS”

 

La artista Pilar Millán inaugura en el Real Jardín Botánico (RJB) del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) en Madrid su última exposición, La Simetría de los Encuentros.

Tras la investigación que ha venido desarrollando en los dos últimos años a partir del largo encuentro que mantuvieron Alexander von Humboldt y José Celestino Mutis en Santa Fe de Bogotá, en el momento histórico de las grandes expediciones científicas, la artista nos presenta un impactante conjunto de obras - piezas que se mueven entre los márgenes de la ciencia -, en muy diversas disciplinas (pintura, fotografía, instalación, escultura y video).

Pilar Millán, conciudadana atemporal de ambos científicos, Mutis y Humbodt, focaliza el proyecto que ahora nos presenta en dos de los campos de investigación de Mutis: la botánica y la mineralogía, para así conducirnos desde la ciencia a la economía y a su intersección como lugar de producción de la cultura fácilmente manipulable. Se ha creado entonces en el Pabellón Villanueva un espacio necesario para estas reflexiones, con unas piezas que nos conducen por los márgenes de la ciencia y que tratan de estimular al visitante no solo como sujeto crítico, sino como cuerpo colectivo no sumiso a las reglas de la historia. 

Pilar Millán es artista visual. Vive y trabaja entre Cádiz y Berlín. Sus proyectos multidisciplinares se dirigen hacia las fronteras culturales, sociales o políticas y sus intersecciones como productoras de conocimiento. En muchos de sus proyectos Millán dirige sus investigaciones a partir de hechos históricos o mitos, que van desde una arqueología de las ideas trascendentales inherentes al ser humano, a sus manifestaciones contemporáneas. Como artista europea, intenta reflejarlo sobre posiciones canonizadas occidentales desde una perspectiva transcultural.

En la presentación de la exposición participarón el director del Real Jardín Botánico (RJB-CSIC), Esteban Manrique; el jefe de Comunicación y Relaciones Exteriores de Puerto A Coruña, Ramón Castro; el comisario de la exposición, Emilio Navarro de Menduiña; y la artista Pilar Millán.