‘CÓMICAS’ UNA ODA A LAS PRIMERAS MUJERES DE TEATRO MODERNO EN LA ESPAÑA DEL S.XVIII

 

El Teatro de la Zarzuela rescata un teatro desconocido donde las protagonistas, en la segunda mitad del S.XVIII, eran libres, autónomas, actuaban, cantaban y lideraban sus propias compañías. ‘Cómicas’ pone en valor la figura de tres de esas grandes actrices/cantantes/productoras que se hicieron con el protagonismo de los escenarios de la época y que dieron lugar a un nuevo género: María Ladvenant; María del Rosario Fernández, La Tirana, y María Antonia Fernández, La Caramba. Fueron las primeras mujeres modernas de teatro, las primeras ilustradas, artistas que arriesgaban y que hicieron lo que querían hacer: teatro, o más aún, teatro moderno. Teniendo en cuenta que solo ocurría en España, esta peculiar circunstancia les permite ser engranaje con el resto de Europa y ellas lo aprovechan. 

Estas mujeres avanzadas están encarnadas en las voces de las solistas Jone Martínez, María Hinojosa Montenegro y Pilar Alva-Martín y de la popular actriz Cristina Medina, que interviene como maestra de ceremonias. Se ofrece un total de 4 funciones del jueves 8 al domingo 11 de mayo.

El maestro Aarón Zapico al frente de Forma Antiqva, el conjunto musical que lidera, rescata así un repertorio inédito de las primeras tonadillas que anticipan el género de la zarzuela tal y como hoy lo conocemos. Un impactante y aleccionador montaje bajo la dirección de escena de Pepa Gamboa y la dramaturgia de Antonio Álamo, quien resalta cómo este género casi carnavalesco “llegó a trastocar todas las normas y convenciones teatrales” añadiendo esa popularidad que obtuvieron entre la gente de todas las clases. En esta producción el espacio escénico y el vestuario están firmados por Jesús Ruiz y la Iluminación de Alfonso Malanda. Las ediciones son del musicólogo Antoni Pons.

Las tonadillas reunidas en este programa han sido recuperadas a partir de manuscritos del siglo XVIII conservados en el Fondo Musical de la Biblioteca Histórica Municipal de Madrid. Escritas por autores como Pablo del Moral, José Castel, Pablo Esteve, Blas de Laserna o Antonio Rosales formaron parte esencial del teatro popular madrileño en los intermedios de comedias y sainetes. 

Muchas de estas piezas fueron escritas para lucimiento de las cómicas —tonadilleras— y destacan por su viveza escénica, humor crítico y agilidad vocal. Obras como estas muestran la riqueza teatral y musical de un género que fue clave en la vida cultural del Madrid ilustrado. Además se convirtieron en uno de los modelos de la Zarzuela Romántica de mediados del siglo XIX. 

LA VIDA ES UN CABARET

 

El Teatro Albeniz se transformará el próximo septiembre en un Kit Kat Klub de la mano de LETSGO que presentará una novedosa y revolucionaria propuesta inmersiva. 

En 1972 Liza Minelli, Marisa Berenson, Michael York y el gran Joel Grey nos hicieron llorar, reir, bailar y disfrutar a tope en esa gran película dirigida por un maestro del género musical como fue Bob Fosse. La historia ambientada en el Berlín de principios de los años treinta, donde el  partido nazi domina la ciudad y donde el amor, el baile y la música se mezclan en la animada vida nocturna del Kit Kat Club. Un refugio mágico donde la joven Sally Bowles y un divertido maestro de ceremonias hacen olvidar las tristezas de la vida. 

La película es una adaptación libre del musical homónimo de 1966, de los compositores John Kander y Fred Ebb, quienes a su vez se habían basado en la novela de Christopher Isherwood Adiós a Berlín (Goodbye to Berlin, 1939) y en la obra teatral I Am a Camera (1951) inspirada por dicho libro.

La presentación de esta nueva versión, que se ha llevado a cabo sobre el escenario del teatro enclavado dentro del UMusic Hotel Madrid y que asegura haber respetado tanto el libreto como la música, ha desvelado cuáles serán las claves del montaje del mismo, una de cuyas novedades principales consistirá en convertir el patio de butacas en un auténtico cabaret, en cuyas mesas los espectadores que lo deseen podrán degustar un delicioso menú preparado por el chef David Correa, que tratará de emular  lo que habría sido servido en el Berlín de la época y en el que no faltarán, entre otros manjares, las ostras o el mini brioche de salmón y caviar. Todo ello por supuesto regado por las sugerentes bebidas que contiene la carta elaborada para tal fin. 

Sergio Toyos, del departamento creativo de LETSGO capitaneado por Felype de Lima , ha explicado a los asistentes la asombrosa transformación que sufrirá el patio de butacas del UMusic Hotel Madrid: “todo el proceso creativo ha girado en torno a romper la separación entre escenario y público, fusionando ambos espacios, toda la sala se convertirá en un espacio escénico, eliminándose por completo la cuarta pared”.

El elenco principal ha sido elegido directamente por los responsables de LETSGO y el director del musical Federico Bellone, que no pudo estar en la presentación que se hizo a la prensa pero del que pudimos ver un video en streaming donde ha enfatizado  que esta versión de Cabaret persigue tres objetivos: “provocar nuevas sensaciones en la audiencia, romper los límites tradicionales entre artistas y espectadores, y sorprender tanto a quienes descubren la historia por primera vez como a quienes conocen cada canción de memoria”. 

El cartel estará encabezado por Amanda digón que ha interpretado para los presentes el tema La vida es un cabaret, en el papel de Sally Bowles y Abril Zamora como maestro de ceremonias. Pepe Nufrio (Clifford), Carmen Conesa (Fraulein Schneider),  Tony River  (Herr Schultz),  Pepa Lucas (Fraulein Kost) y  Gonzalo Ramos (Ernst Ludwig), son también las primeras figuras confirmadas. Para el resto del reparto el casting sigue abierto y se están realizando aún las audiciones. 

Tras la actuación, Iñaki Fernández, CEO de LETSGO, e Iñigo Sanchez-Crespo, director general de UMusic Hotel Madrid, se han mostrado muy orgullosos de poder colaborar juntos de nuevo en una experiencia única e innovadora, tras el éxito arrollador de El Fantasma de la Ópera: “continuamos con el listón muy alto, ahora con un espectáculo de altísima calidad, al que añadimos pre y post show, una vuelta de tuerca a la experiencia inmersiva”, ha dicho Fernández.

El equipo artístico, con Felype de Lima en Vestuario, se completa con las grandes figuras que están detrás de la gran producción de El Fantasma de la Ópera. Estos son Julio Awad, que asume la dirección musical, Silvia Montesinos, directora asociada y la responsable de la adaptación de las letras, el diseñador de iluminación Valerio Tiberi, Poti Martin, a cargo del diseño de sonido y Gillian Bruce, como coreógrafa.

El estreno del musical será el 24 de septiembre y tendrá una duración de 2 horas 30 minutos (descanso incluido). Las entradas ya están a la venta y podrán adquirirse en el siguiente enlace kitkatklubcabaret.com

Fotografías © Conchita Meléndez

VIAJE HASTA EL LÍMITE, UNA OBRA INÉDITA DE LUIS MARTÍN SANTOS

El teatro Español sube al escenario una obra del autor de Tiempo de Silencio, que ha sido considerada una de las mejores novelas españolas del XX. Si bien en el ámbito literario Luis Martín Santos escribió poesía, relatos y novela, no se tenía noticia hasta ahora de que hubiese desarrollado su labor también en el campo del teatro. Fue durante la preparación del centenario de su nacimiento cuando se hallaron una serie de escritos inéditos, que se compone de un pequeño corpus de obras dramáticas entre las que destaca Viaje hasta el límite, un drama con claras resonancias de Sartre, O’Neill o el propio Shakespeare; un drama existencial con un lenguaje poderoso que traslada a escena la mirada lúcida y crítica del autor.

La obra que ha sido dirigida por Eduardo Vasco narra la historia de una familia patriarcal en la que un poderoso empresario aquejado por la polio se ve obligado a vivir aferrado a una silla de ruedas. Su amargura le lleva a desconfiar de todos los demás miembros que habitan en la casa hasta el punto de tratarlos de un modo tiránico. El cree que ninguno de ellos, ni su hijo, ni su esposa, una bella mujer más joven que él y de procedencia humilde, sienten nada por él y que solo les mueve su dinero. La repentina presencia de un desconocido que llega a proponerle un negocio, por mediación de su hijo, acaba ocasionando que en cada uno de ellos afloren sus más bajos instintos y que los acontecimientos se precipiten en un final inesperado. 

Puede parecer éste un argumento más de codicia y ambición pero bajo la piel de cada uno de los personajes hay mucho más. El hijo en realidad busca que el padre le reconozca, que crea en él, que le vea capaz de crecer aunque para ello necesite su ayuda. La mujer busca la ternura y el amor que el marido no sabe darle y hasta el intruso, un hábil embaucador acaba cayendo en las redes del amor. Únicamente la criada, sin duda enamorada del empresario, permanece fiel a éste, aunque tampoco ella es del todo honrada. 

Para este drama que encaja perfectamente en la época en que fue escrito, Eduardo Vasco ha escogido un elenco que está formado por Ernesto Arias como Pedro, el patriarca, Lara Grube como Gloria, la esposa, Agus Ruiz es el intruso, Luis Espacio es Alberto, el hijo, Eva Trancón es María, la criada e Iván López-Ortega, siempre desde un discreto segundo plano pone música de piano a la representación. 

El apartado musical, tanto el interpretado por Iván como el resto, que escuchamos a través de un antiguo tocadiscos, es parte fundamental de esta historia y está presente en los momentos más representativos. Tanto la música original como el ambiente sonoro son obra de Eduardo Vasco, que en su faceta como músico ya ha intervenido en gran número de espectáculos propios y ajenos.

La escenografía sencilla pero efectiva es obra de Carolina González y la iluminación de Miguel Ángel Camacho. Para el vestuario se ha contado con el diseñador Lorenzo Caprile. 

La obra permanecerá en cartel del 3 de mayo al 8 de junio en la sala principal del Teatro Español. 

Fotografías © Conchita Meléndez

VENDRÁN LOS ALIENÍGENAS Y TENDRÁN TUS OJOS, UNA FÁBULA SOBRE LAS NECESIDADES DEL AMOR

 

En Nave 10 Matadero María Velasco, flamante Premio Nacional de Literatura Dramática,  construye un diálogo íntimo que se sitúa entre su propia biografía y la del espectador.

Una mujer llega a la edad media de la vida como una paria emocional en el planeta Tierra. Después de las apps de citas y del sexting, de aprender palabras como ghosting o stalkeo, se cree incapaz de vivir una nueva experiencia erótica. Pero la edad media de la vida puede ser tan tenebrosa como la Edad Media. La irrupción de un nuevo amor es sólo comparable a un avistamiento nocturno, a un aterrizaje OVNI, a un contacto alienígena... Un acontecimiento sobrenatural capaz de devolver a una mujer al pensamiento mágico.

María Velasco escribe y dirige esta pieza que enlaza el teatro más íntimo y la ciencia ficción. A partir de una escritura con marcado acento poético, de estilo inconfundible y personal, Velasco hibrida diferentes  lenguajes sobre el escenario, desde la música hasta la danza. Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos explora, con precisión telescópica, los límites del deseo y de los cuerpos. O mejor dicho, del miedo a perder la distancia de seguridad que nos protege a los unos de los otros. Un retrato en primera persona, con humor, ironía y mordacidad, sobre la agonía del Eros y la política de los afectos en el mundo contemporáneo. La experiencia de entablar una relación con el otro sólo puede ser comparable a un encuentro en la Tercera Fase.

Encontrar el amor siempre ha sido un acontecimiento de dimensiones desconocidas. Pero enamorarse hoy, a estas alturas de la película, comienza a parecerse más a un capítulo de Expediente X que a un drama realista. Ya sea por la edad o por la tecnología, cada día se nos hace más difícil acceder a una experiencia amorosa auténtica y demoledora.

María Velasco © C. Meléndez

Con dos actores sobre el escenario, Maricel Álvarez y Carlos Beluga, y la participación de Giancarlo Pia Mangione (voz eccehomo) y Lucas Sánchez (niño), esta producción de Nave 10 Matadero y Pecado de Hybris (Ana Carrera y María Velasco), cuenta con escenografía de José Novoa y diseño de iluminación de Pilar Valdelvira. El diseño de sonido y composición de música original es de Tagore González y la coreografía de Josefina Gorestiza. 

La obra estará en cartel hasta el 11 de mayo en la Sala Max Aub (Nave 10 Matadero)

Fotografías de escena © Jesús Ugalde

MARTA PAZOS LLEVA AL MARÍA GUERRERO UNA VERSIÓN DE LA OBRA DE VIRGINIA WOOLF ‘ORLANDO’ QUE ES UN PLACER PARA LOS SENTIDOS

 

Virginia Woolf no es una autora fácil de leer e imagino que no debe de haber sido fácil para Marta Pazos y Gabriel Calderón adaptar su sexta novela Orlando: una biografía a pesar de ser ésta una de las más asequibles. La obra fue publicada a finales de 1928 por la editorial Hogarth Press, que pertenecía al matrimonio Woolf. 

A pesar de que se trata de obra en parte biográfica, basada en la vida de la amante de Woolf Vita Sackville-West, en realidad se trata de una parodia de este género literario, una fantasía libre en la que el protagonista Orlando, vive más de 300 años sin envejecer a partir de los 36 donde su cuerpo se queda varado casi hasta el final en que acaba transformándose en mujer de la noche a la mañana, pero nada cambia en Orlando excepto el sexo. Por lo demás, sus pensamientos, su amor por la poesía y la literatura, por los libros, por la belleza siguen siendo los mismos. La autora transmite el mensaje de que el sexo y los papeles de sexo que se deben asumir son completamente ridículos y artificiales. Orlando no dejó de ser la misma persona al convertirse en mujer, pero tuvo que soportar todo el peso que significaba pertenecer al «sexo débil», incluido la perdida de la primogenitura. 

Orlando es un apasionado joven aristócrata inglés del siglo XVI que busca el amor y la aventura. Durante un baile en la corte de la Reina Isabel I, Orlando atrae la atención del monarca y se convierte en su protegido. El joven se embarca en un viaje a través de los siglos, experimentando los cambios culturales y sociales de cada época. Se enamora trágicamente de una princesa rusa en el reinado de Jacobo I, será embajador del reinado de Carlos II en Constantinopla, amará a hombres y a mujeres en el siglo XVIII, escribirá poesía en la Gran Bretaña victoriana, se casará y llegará a los locos años veinte del siglo XX.

Virginia Woolf fue considerada una de las escritoras referentes del modernismo vanguardista del siglo XX y del movimiento feminista. Perteneciente al grupo conocido como "Círculo de Bloomsbury", las reuniones que se llevaban a cabo en su casa abrieron un nuevo mundo para Virginia, que de pronto se vio rodeada de ideas sobre la igualdad, el feminismo, la aceptación de la homosexualidad y la bisexualidad, el amor por el arte, el pacifismo y el ecologismo. Todos estos aspectos se reflejan en sus obras y en Orlando están presentes todas ellos. 

Marta Pazos comenta que “El proceso de entrar en su literatura ha sido como atravesar un bosque y llegar a una luminosa pradera.” Y sin duda luminoso es el resultado del trabajo de todo el equipo que forma parte de esta producción. La puesta en escena es realmente magnifica, todo en ella es perfecto. La escenografía obra de Blanca Añón, la iluminación (Nuno Meira), el vestuario (Agustín Petronio), la composición musical y espacio sonoro (Hugo Torres), la caracterización (Johny Dean), la coreografía (Mabel Olea), todo plenamente coordinado por la batuta de Marta Pazos.

© Conchita Meléndez

También es un placer contemplar el magnífico trabajo que realiza el elenco de la obra, en el que todos son capaces no solo de declamar sus textos sino también de bailar, cantar y moverse por el escenario como si se deslizaran por él, como si apenas lo rozaran. El reparto está formado por Nao Albet,  Anna Climent, Alessandra García, Jorge Kent,  Paula Losada, Laia Manzanares como Orlando, Paco Ocho, Mabel Olea, José Juan Rodríguez, Alberto Velasco y Abril Zamora  que interpreta el papel de Virginia Woolf. 

La obra que se estrenó en el Teatro María Guerrero el pasado 25 de abril estará en cartel hasta el 8 de junio. 

Fotografías de escena © Bárbara Sánchez Palomero

A FUEGO, UN PROYECTO DE LA COMPAÑÍA LA BELLA OTERO

 

A Fuego, es una de esas obras que vas a ver sin saber muy bien lo que te vas a encontrar, con un cierto temor. Un monólogo en verso sobre un pastor Éfeso que acaba siendo un pirómano, cuando menos sorprende. 

La obra que estará durante diez días en la Sala José Luis Alonso del Teatro de la Abadía, del 24 de abril al 4 de mayo, es una creación de Pablo Macho Otero que además de haberla escrito, la ha codirigido junto a Emma Arquillué y es su único interprete. Ambos, Pablo y Emma,  han definido la propuesta como una "stand-up comedy sobre el narcisismo imperante".

Pablo descubrió la historia de Eróstrato en 2017 y le cautivó. Eróstrato se declaró a si mismo culpable de quemar el templo de Artemisa en Efeso, considerado una de las siete maravillas del mundo, y lo hizo por una única razón, quería que su nombre fuera recordado por toda la eternidad, quería en definitiva dejar de ser un ser anónimo para convertirse en alguien a quien siempre se le recordará. Al descubrirse la intención del incendiario no solo se lo ejecutó, sino que también se prohibió, bajo pena de muerte, el registro del nombre de este para las generaciones futuras, lo cual, evidentemente, no bastó para borrar de la historia ni el nombre ni tampoco la acción.

Pablo Macho Otero ha querido con su texto equiparar el gesto de Eróstrato con el de muchos jovenes de su generación que a través de las redes sociales como Instagram, Youtube o cualquier otra, convertidos en ‘influencers’, por sí mismos o por otros, pretenden de igual modo dejar huella, salir del anonimato y de la mediocridad para convertirse en el centro de atención de otros jóvenes, o no tan jóvenes. Ambos casos están relacionados con esa ansia narcisista de ser recordado y ser visto por los demás.

Comentaba Pablo que si Eróstrato se podía permitir quemar un templo, él podía permitirse, metafóricamente, tirar una "chispita" con el humor de alguien joven que pretende desbancar a un templo del teatro como es Mario Gas, por ejemplo" y yo no sé si conseguirá desbancar a nadie, pero tampoco le hace falta, en el teatro hay sitio para todos y la prueba es que  el público que fue a ver la obra el día del estreno salió encantado. El texto es divertido, contiene pasajes muy potentes, está muy bien interpretado y dura poco más de una hora, lo que le hace muy apetecible. Pablo no solo escribe en verso sino que lo declama muy bien, con una estupenda entonación, buena vocalización, y con las pausas adecuadas. No hay muchos actores jóvenes que trabajen tan bien el verso así que es una auténtica delicia escucharle. 

El autor ha señalado que, en el proceso de creación, ha tenido a dos grandes referentes: "Por un lado, Álvaro Tato, por su manera de rejuvenecer el verso y mantener la métrica clásica, y por otro, Jordi Oriol, un dramaturgo catalán que escribe en verso, dando importancia a la palabra y al juego de palabras". 

A fuego, es sencilla en su puesta en escena, pero brillante en su contenido, está llena de ironía y sin duda habla de algo muy actual, la necesidad que todos tenemos de no ser ignorados. 

Fotografías de escena cedidas para promoción

ABISAL, UN ESPECTÁCULO DE DANZA ESPAÑOLA ORGANIZADO POR LA UNESCO

Con motivo del Día Internacional de la Vida Submarina y la Salud de los Océanos, la UNESCO ha colaborado con el Estudio de Danza Profesional de Tania Martín y Carlos Romero poniendo a su  disposición un espacio escénico donde presentar su proyecto “Abisal”, un breve espectáculo encabezado por Tania Martí.

La particularidad del evento es que el espectáculo ha sido creado por algunas de las alumnas avanzadas del EDP, Lucía Campillos en su trabajo de prácticas del máster en Artes Escénicas de la Universidad Complutense de Madrid y dirigido por Tania Martín. 

En el espectáculo que ha tenido lugar en el Centro cultural Las Californias en el distrito de Retiro el pasado día 22 de abril, han participado las siguientes bailarinas.: Tania Martín, Lucía Campillos, Muriel Castán, Sandra Trinidad, Bea Balseiro, Ana Pizarro y Lucía Pozo. 

Tras seis años en el Ballet Nacional de España interpretando roles de solista y primer bailarín/a y haber actuado en las mejor compañías de España, entre ellas la Cia Antonio Najarro,  Tania Martín y Carlos Romero, deciden dar un salto en su carrera y crear su propia marca .

En 2018 estrenan su primer espectáculo “MuDanza Show” que se programó durante 4 meses en el Teatro Arlequín de Gran Vía pasando, en 2019, por el teatro Fígaro de Madrid del grupo Smedia y con el cual han girado por España estos últimos años.

Actualmente además de seguir en activo como bailarines, dirigen el EDP (Estudio de Danza Profesional) Tania Martín y Carlos Romero y la CDE (compañía de danza española) Tania Martín y Carlos Romero.

Es una lástima que el pequeño tamaño del escenario no haya permitido una mayor participación de bailarinas y que hayan tenido que ajustar los distintos números. La iluminación, más bien escasa y poco equilibrada también ha puesto límites, aun así la profesionalidad de las bailarinas y la belleza de las coreografías ha dejado un buen sabor de boca y muchas ganas de ver este espectáculo en un sitio más acorde para su desarrollo. 

Fotografías © Conchita Meléndez