LA COMEDIA LA PAURA DE EDUARDO DE FILIPPO PUESTA EN ESCENA POR EL “CLAN” VIYUELA

El teatro Fernán Gómez, Centro Cultural de la Villa, acoge el proyecto LA PAURA! (MIEDO!) que es una producción de El Vodevil, SL, de Pepe Viyuela, a partir de la comedia italiana escrita en 1950, La paura numero uno, de Eduardo De Filippo, sobre las neurosis de aquella Europa de posguerra, que guardan una divertida correspondencia con las neurosis de nuestros días. Los sufrimientos de aquel entonces, por el temor al estallido de la bomba atómica y las consecuencias de una nueva guerra mundial, tienen una clara relación con los miedos que nos han tocado vivir en nuestro tiempo: el consecuente cambio de vida en la era digital, la globalización, la propagación de las pandemias, el movimiento migratorio, la incertidumbre económica provocada por múltiples guerras y conflictos...

La obra que se ejecuta como una lectura en acción, que no teatralizada, ósea, se trata de unos actores que interpretan a su vez a unos actores que leen una obra sobre el escenario, ha sido adaptada y dirigida por Luis d’Ors tras ocho años alejado de los escenarios. Los encargados de dar vida a los personajes de esta tragicomedia son Pepa Pedroche, Markos Marín y los miembros de una misma familia, el “Clan Viyuela”, Pepe Viyuela, Elena González, Samuel Viyuela y Camila Viyuela, que se reúnen por primera vez sobre el escenario, aunque algunos de ellos ya habían trabajado juntos en más de una ocasión, como es el caso de Pepe Viyuela y su hija Camila. 

El argumento de la obra se sostiene sobre el temor de los personajes en una época, 1950, en que la guerra en Italia apenas hace cinco años que ha terminado y ya empieza a vislumbrarse la guerra fría. El miedo a que pueda estallar otro conflicto hace que el padre de familia Don Matteo, se sienta realmente enfermo y temiendo por la escasez que pueda sobrevenir empieza a acumular productos de primera necesidad y a paralizar su vida tanto como las de sus familiares pues cree que no tienen futuro, que todo puede acabar en cualquier momento. Seguramente al espectador no le resulte difícil verse sumergido en la representación cuando no hace mucho hemos vivido situaciones similares, debido a la pandemia o a la reciente invasión de Ucrania. 

La oportunidad de esta producción teatral reside en la revisión de cómo afectan estos temas en la vida cotidiana, la de entonces y la de ahora, tan similares, y la mirada sobre todo ello, desde la distancia cómica, la risa liberadora.

Quizás la mayor virtud del formato reside en lo artístico: dejar espacio en la presentación de la ficción permite al espectador que construya con su imaginario la puesta en escena completa. Para los creadores, el montaje se convierte en un juego de gran potencia poética, en el sentido de que se abre a la ambivalencia de significados. 

Pepe Viyuela, Camila Viyuela, Luis d'Ors, Elena González y Samuel Viyuela

La obra se representará en la Sala III del Fernán Gómez los días 18, 19, 24 y 25 de mayo. 

© Fotografías de Conchita Meléndez

¿A DÓNDE FUE MI NIÑEZ?

 

Leo con pesar en los periódicos que ha fallecido Juan Diego, uno de los actores más reconocidos a nivel nacional que cuenta con una amplia trayectoria profesional tanto en televisión como en teatro y cine. Así lo describe la Academia de Artes Escénicas en su página, de la que me he permitido tomar prestada la fotografía que encabeza este artículo y que figura sin el nombre del autor de la misma a pie de página, por lo que pido disculpas a quien corresponda. 

Yo lo recuerdo muy joven, cuando él comenzaba a dar sus primeros pasos como actor en la televisión, la española por supuesto, no había otra, y yo era apenas una niña. Debo aclarar que mis genes están impregnados con el olor y el sabor de las tablas, tanto del teatro como de la televisión, del cine menos. Mi abuelo fue durante muchos años jefe de tramoya del teatro Eslava, mi madre era actriz y mi padre ocupo distintos puestos a lo largo de su vida, desde sus inicios como tramoyista en el  teatro Infanta Isabel, con la compañía de Isabel Garcés y Arturo Serrano, hasta sus últimos días como ayudante de realización en plató en Televisión Española. 

Juan Diego era, al igual que Luis Varela o Jaime Blanch, joven, divertido, bastante ruidoso y además tenía un gran atractivo por lo que cuando entraba en una habitación todas las miradas convergían en él. Siendo mi padre y él de Despeñaperros para abajo enseguida congeniaron por lo que tuve oportunidad de disfrutar de su compañía con cierta asiduidad. Por aquel entonces los actores, al igual que los literatos, directores de teatro y demás gentes de mal vivir solían reunirse en el Café Gijón para las tertulias a la hora del café o en Oliver para la parranda nocturna. Yo acompañaba a mis padres a menudo al Gijón y cuando fui creciendo y me convertí en una adolescente temprana también acudía de vez en cuando a Oliver y a Carrusel, una discoteca situada en la calle Valverde muy de moda por aquel entonces y en la que podían vislumbrarse algunos de los actores y actrices más veteranos, (Adolfo Marsillach, Mayrata O'Wisiedo, Álvaro de Luna, o Agustín González) junto a otros que ya entonces empezaban a destacar (Maribel Martín, Pedro Mary Sánchez, Quique San Francisco, Julián Mateos y muchos otros). 

Hoy, cuando miro hacia atrás, no puedo por menos que entristecerme al saber que la mayoría de toda esa gente que conocí en aquellos años ya no existe, incluidos mis padres, y es entonces cuando me vienen a la cabeza las palabras de una canción de mi idolatrado Serrat: “¿A dónde, dónde, fue mi niñez?”

MORIA UN TEXTO BASADO EN HECHOS REALES

 

Nos descalzamos antes de entrar en una gran tienda, una especie de jaima sobre cuyas paredes se proyectan imágenes y testimonios grabados por Nicolás Castellano y Valentín Rodríguez en Moira, un campamento de refugiados situado en la isla de Lesbos, en la vecina Grecia. 

Nos recibe una mujer sentada en el suelo ante una pequeña cocina portátil en la que está preparando algún plato árabe que sin ser real nos tramite aromas a especias y a nostalgia. Otra mujer se une a ella en el interior de este mundo que es una pequeña parte del lugar que ocupan desde hace ya algún tiempo y es que el estatus de refugiado, como dice Nicolás Castellano, se sabe cuando se adquiere pero no cuando dejará uno de serlo. Lo que estamos viendo podría ser una escena cualquiera de un día cualquiera en cualquier campo de refugiados, pero es en realidad parte de la obra que en estos días se está representando en la Sala III del Teatro Fernán Gómez y que podrá verse hasta el día 14 de mayo.

El montaje cuenta la historia de dos refugiadas y sus familias a las que no les queda más remedio que huir de sus respectivos países. La dramaturgia se sostiene a partir de testimonios reales filmados en el campamento de Moria. La obra es una experiencia de teatro inmersivo. Una forma de teatro envolvente en que el público es libre de elegir como vive la experiencia. Durante 40 minutos, sentirán la esperanza, la celebración, la vergüenza, el miedo y hasta la sombra de la muerte que se cierne sobre este campo de refugiados. 

Mario Vega, el director de la obra nos habla así de ella: MORIA es una experiencia inmersiva de teatro-documento que entronca con la línea creativa de Unahoramenos producciones basada en la denuncia social. Como en Me llamo Suleimán,  Unahoramenos se embarcó en la idea de denunciar la nefasta situación en la que se vive en los mal llamados campos de refugiados. Nos trasladamos a la Isla de Lesbos (Grecia) en enero de 2020. Allí pasamos una semana en ese infierno en la tierra que lleva el nombre de Moria: Nicolás Castellano (periodista de la Cadena SER especializado en migraciones forzadas), Anna Surinyach (fotoperiodista de la Revista 5W), Valentín Rodríguez (producción) y yo.

La obra está interpretada por Marta Viera y Ruth Sánchez, que dan vida a una mujer siria y a otra afgana que conviven en el campamento y que por las circunstancias se ven obligadas a pasar la noche juntas dentro de las frágiles paredes de tela que las envuelven pero que no las protegen. 

Nicolás Castellano, Ruth Sánchez, Marta Viera, Mario Vega y Laila Ripoll

Junto a la representación se llevarán a cabo una serie de actividades paralelas entre las que destaca una mesa redonda en la que serán ponentes Nicolás Castellano, periodista especializado en contenidos sobre migraciones, cooperación y desarrollo; Anna Surinyach, fotoperiodista que cubre grandes desastres humanitarios en todo el mundo; Raquel González Juárez, relaciones externas de Médicos sin Fronteras y Mario Vega, director de Moria. También habrá encuentros con el público los días 5 y 12 de mayo con el elenco artístico de la obra al término de la función. 

SARAMAGO. SUS NOMBRES

Ricardo Viel, coautor del libro

Tras dos años de investigación en archivos públicos y privados de Iberoamérica, Alejandro García Schnetzer y Ricardo Viel organizaron un álbum biográfico de José Saramago, donde la propia voz del autor se entrelaza con un notable repertorio fotográfico. A partir de cuatro ejes semánticos, lugares, sentidos, escritos y personas,  la obra despliega, en trescientas cincuenta páginas, mas de doscientos nombres clave, cuatrocientas cincuenta imágenes y mil quinientos textos procedentes de toda la producción literaria y testimonial del único premio Nobel de la lengua portuguesa. 

Una fotobiografía de José Saramago es, necesariamente, también un retrato de la historia universal del último siglo, de los momentos, autores, corrientes de pensamiento y debates que aún nos conforman, tanto a los que han sido sus contemporáneos como a aquellos que les suceden. 

La obra de José Saramago se caracteriza por interrogar la historia de su país y las motivaciones humanas. Encontrar las claves por las que un imperio quedó relegado a un segundo plano respecto al resto de Europa y entender la forma de actuar del hombre y el porqué de la misma fueron sus preocupaciones centrales. Pero aunque sus novelas tienen como eje central la realidad de Portugal y su historia, no se trata, sin embargo, de una narrativa histórica, sino de relatos donde la historia se mezcla con la ficción y con lo que podría haber sido, siempre a través de la ironía y al servicio de una aguda conciencia social.

La Casa de América ha sido la encargada de presentar el volumen junto a una pequeña selección de fotografías del escritor luso tomadas en tierras iberoamericanas. Según los editores del libro lo que se busca es establecer un diálogo entre la voz de Saramago y un repertorio fotográfico y documental amplio, exponente del tiempo, la memoria y los espacios que le fueron propios. 

Pilar Reyes, Enrique Ojeda, Pilar del Río, Alejandro García Schnetzer y Ricardo Viel

Alfaguara, que forma parte del grupo editorial Penguin Random House, ha sido la encargada de publicar el libro que ha contado con la colaboración de la Fundación José Saramago, cuya directora de la División Literaria Pilar del Río, estuvo presente en la inauguración de la muestra. También participó en la presentación Enrique Ojeda, director general de Casa de América.

TE LLAMARÉ HOJA, UNA REUNIÓN DE OBRAS DE SOLEDAD SEVILLA SE EXHIBEN EN EL JARDÍN BOTÁNICO

Soledad Sevilla, valenciana de nacimiento pero afincada entre Granada y Madrid reúne un completo monográfico representado en siete de sus obras, todas ellas de gran formato que se encuentran entre las más representativas  de la autora. 

La obra ha sido comisariada por Juan Antonio Álvarez Reyes, director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, entidad a la que en el año 2020 tras recibir el Premio Velázquez de Artes Plásticas, Soledad Sevilla decidió donar una parte muy importante de su producción artística.  La muestra incluye entre otras una de las obras de su serie Insomnio que recientemente fue adquirida en subasta por la propia autora para su colección particular con la idea de que presida su estudio. 

La exposición Soledad Sevilla. Te llamaré hoja cuenta con una selección de obras muy relacionadas con el entorno en el que se exponen: el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico de Madrid. 

Por un lado, los secaderos de tabaco de la Vega de Granada y, por otro, una serie de obras que tienen a los muros vegetales como punto de partida. En ambas series la abstracción y la repetición, característica desde los inicios de su trayectoria, perviven y se acentúan para acabar proporcionando a estos paisajes cierto sentido naturalista.

“La creación se estimula con la mirada”, como señala la propia Soledad Sevilla, y así ocurrió con la visión de la arquitectura de unos secaderos, que son las primeras obras que se encuentran en el recorrido de la muestra y de donde parte una de las series pictóricas más importantes de su trayectoria. De ella se exponen en el RJB, Apóstoles blancos (2007) y Canción gris I y II (2009).  

Por otro lado, la contemplación de un muro vegetal una tarde en Granada, donde una hiedra cubría por completo una tapia y la brisa movía sus hojas, fue el inicio de la instalación Te llamaré hoja (2005) que da pie al título de la muestra, pero también de Apamea (1999), un gran lienzo cuyo título hace referencia a una antigua ciudad siria. A ambas se unen otras dos obras relacionadas con lo vegetal y de procedencia diversa: Veinte años más tarde (1999-2000) e Insomnio al alba (2000). 

Como queda de manifiesto en la larga y fructífera carrera de Soledad Sevilla, la investigación constante y el incansable hacer demuestran que en la vida no todo es azar, puesto que la voluntad de conocimiento y su experiencia también determinan nuestro ser y estar en el mundo. 

La presentación de la exposición Soledad Sevilla. Te llamaré hoja ha contado con la presencia del director del Real Jardín Botánico, Esteban Manrique, el comisario de la exposición y director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Juan Antonio Álvarez Reyes, y la propia pintora Soledad Sevilla.

LA IMAGEN GRÁFICA COMO LENGUAJE UNIVERSAL Y HERRAMIENTA DE REIVINDICACIÓN SOCIAL

ELIZABETH CATLETT

El Museo Reina Sofía acaba de inaugurar la exposición De Posada a Isotype, de Kollwitz a Catlett, que centra su investigación en la evolución del arte gráfico y su papel como herramienta de reivindicación social durante la primera mitad del siglo XX en Alemania y México. Se trata de una técnica que, sin haber gozado de una gran preeminencia en la historiografía tradicional sirvió en esa época como una potente herramienta política para un amplio número de movimientos artísticos internacionales. Como indican los comisarios Benjamin H.D. Buchloh y Michelle Harewood, una de las claves fue que “la imagen gráfica se convirtió en un lenguaje universal” en diferentes contextos.

ELIZABETH CATLETT

La muestra reúne más de 450 obras realizadas con distintas técnicas (xilografía, punta seca, linóleo, litografía, entre otras), muchas de ellas procedentes de importantes colecciones privadas e instituciones como The Metropolitan Museum of Art y el MoMA, de Nueva York; The Art Institute de Chicago; la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, en Washington; el Centre Pompidou, de Paris, o el Kunstmuseum de la Haya. 

Ocupa nueve salas divididas en cuatro grandes secciones. Se inicia con las dos grandes figuras del grabado de finales del siglo XIX y principios del XX que se convirtieron en referentes ineludibles en el desarrollo posterior del arte gráfico: el mexicano José Guadalupe Posada y la alemana Käthe Kollwitz.  Ambos ejercieron una enorme influencia en las generaciones posteriores de artistas gráficos políticos de México, Estados Unidos, la Unión Soviética y China.  

Situados en dos extremos artísticos, Posada realizaba mordaces caricaturas políticas, anuncios y viñetas en el contexto de la Revolución mexicana. Considerado como un gran caricaturista, trabajó en Ciudad de México como ilustrador para editoriales que difundían periódicos como la Revista de México y La Patria Ilustrada así como panfletos destinados a un público mayoritariamente semianalfabeto. El artista produjo miles de imágenes y en muchas de ellas partía de uno de los iconos más comunes de México, el esqueleto y la calavera, como puede observarse en sus obras expuestas, entre ellas los grabados Calavera las bicicletas (ca. 1900) o La Calavera Oaxaqueña (1903).  

JOSÉ GUADALUPE POSADA

Por su parte, la obra de Kollwitz,  criada en una familia de fuertes convicciones socialdemócratas, trató de continuar la tradición realista más depurada de las artes gráficas para representar la vida social de las mujeres y la clase trabajadora del Berlín de principios del siglo XX. La artista adoptaba una cariz socialista y feminista para denunciar los dramas de la Alemania de su época.

KATHE  KOLLWITZ -  Autorretrato

La segunda sala de la muestra está dedicada a la producción gráfica alemana después de la Primera Guerra Mundial y, de forma específica, a la obra realizada por artistas como Max Beckmann (18841950), Otto Dix (1891-1969) y George Grosz (1893-1959), tres de los pintores postexpresionistas más destacados de Alemania.

Entre 1919 y 1924 estos autores realizaron diferentes grabados donde reflejaron, cada uno con su impronta particular, los traumas de la Primera Guerra Mundial en Alemania y su oposición al resurgimiento militarista y al revanchismo de la derecha.

La tercera y más extensa sección de la exposición, desplegada en seis salas, se centra en el Taller de Gráfica Popular (TGP) de México, un país que, tras el proceso revolucionario iniciado en 1910, también participó en el debate acerca de las ventajas del medio gráfico como herramienta de comunicación y educación de las clases trabajadoras y rurales.  

La constitución del Taller de Gráfica Popular se llevó a cabo en el seno de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) y entre sus objetivos figuraba el fomento de la producción gráfica “en beneficio de los intereses del pueblo de México” a través de un sistema de trabajo colectivo.

Los integrantes del Taller se reunían semanalmente para tratar de forma democrática los temas de interés, definir qué organizaciones del movimiento obrero necesitaban apoyo y si el grupo estaba dispuesto a colaborar con ellas y de qué forma.  

La producción de una gran cantidad de folletos, carteles, panfletos y grabados por parte de este gremio no solo contribuyó al fortalecimiento de formaciones políticas progresistas que respaldaban causas como la nacionalización de los recursos mineros y petroleros o los derechos a la tierra de las poblaciones indígenas, sino también la lucha contra el fascismo.  

ANGEL BRACHO

La obra de los artistas del Taller ocupa varias salas entre las que destaca la dedicada a la aportación realizada al TGP por exiliados procedentes de Europa que huían del ascenso del fascismo. En 1938, Heinrich Gutman, que había ocupado cargos directivos en la LEAR como redactor responsable de la revista Frente a Frente, funda la Liga Pro Cultura Alemana que organizó en 1939 una serie de conferencias sobre el nazismo y el fascismo, que se anunciaron mediante carteles realizados por los artistas más activos del TGP de la época.   

MARGARET BURROUGHS

El visitante puede contemplar también obras de otros artistas afroamericanos como Margaret Taylor Burroughs (1915-2010), John Woodrow Wilson (1922–2015) y Charles White (1918- 1979), muy comprometidos política y socialmente y que se refugiaron en México durante la represión política y racial de la era McCarthy.

La sexta sala, dedicada a la producción del TGP, muestra trabajos ya realizados en la década de los 50 por miembros del colectivo como Mariana Yampolsky, Lorenzo Guerrero, Celia Calderón de la Barca (1921-1969) o Andrea Gómez (1926-2012), por citar algunos, en una época en la que tuvieron lugar numerosas exposiciones del Taller y de sus integrantes en el extranjero gracias a las que el TGP vivió años de singular apogeo.  

MAX BECKMANN

La exposición concluye con una sección que presenta extensa documentación gráfica del proyecto Isotype que empezó tras la Primera Guerra Mundial y que supuso un giro en la aplicación de las técnicas de impresión para la acción política. Tras el realismo social de Kollwitz o la caricatura política del expresionismo alemán, las figuraciones de los alemanes Franz Wilhelm Seiwert (1894- 1933) y Gerd Arntz (1900-1988), identificadas al principio como “constructivismo figurativo”, contribuyeron a la evolución del proyecto Isotype.

JOHN WOODROW WILSON

Los principios del proyecto Isotype consistían en transmitir información sociológica, económica y política crucial para las clases trabajadoras de los Estados nacionales tradicionales, así como para los Estados poscoloniales emergentes del periodo de entreguerras y de la Segunda Guerra Mundial con formas de comunicación internacional y principios de diseño gráfico para lograr una legibilidad y funcionalidad verdaderamente global.

La exposición podrá visitarse desde el día 22 de marzo al 29 de agosto de 2022 en la 3ª plata del Edificio Sabatini

HIPERREAL. EL ARTE DEL TRAMPANTOJO

Bodegón © Samuel Van Hoogstraten

Pintar imágenes que no puedan diferenciarse de la realidad ha supuesto un desafío para artistas de todos los tiempos. La habilidad para engañar al espectador haciendo pasar lo pintado por real mediante las leyes de la óptica y de la perspectiva es todo un juego cuyos primeros ejemplos se conocieron a través de textos literarios griegos. Desde entonces, el trampantojo ha tenido en las artes una larga presencia, con periodos de notorio florecimiento, como el Renacimiento o el Barroco, para decaer tras el Romanticismo, pero sin llegar a desaparecer nunca del temario artístico.

La Tierra © Giuseppe Arcimboldo

La exposición Hiperreal. El arte del trampantojo, que se podrá disfrutar en el Museo Thyssen-Bornemisza entre el 16 de marzo y el 22 de mayo, ha sido comisariada por Mar Borobia y Guillermo Solana y organizada con la colaboración de la Comunidad de Madrid, propone una revisión del género a través de más de un centenar de obras de alta calidad, procedentes de museos y colecciones particulares de todo el mundo, que ponen en evidencia los temas más representativos de la pintura de caballete. El arco cronológico abarca desde el siglo XV hasta el XXI, pero las obras se presentan ordenadas por materias y escenarios, independientemente de su fecha de ejecución, para poder así resaltar la continuidad del género, que se prolonga hasta nuestros días.

Bodegón © Juan Fernández "el Labrador"

La exposición se organiza en los siguientes apartados: Puesta en escena, dedicado al bodegón; Figuras, encuadres y límites, sobre el engaño a través del marco pintado; Huecos para curiosos, representaciones de hornacinas, vanos o armarios con objetos diversos que sorprenden por su ilusionismo; Muros fingidos: tablones y paredes, convertidos en escenarios para exhibir objetos que muestran la pericia del pintor; Desorden perfecto, dedicado a los rincones de artista y a los quodlibet, subgéneros del trampantojo; Llamada a los sentidos, con composiciones cuyo tema principal son las esculturas y las flores; Renovación americana y su estela, dedicado a los renovadores del género en Estados Unidos y a su influencia, y Trampantojo moderno, con piezas que destacan por mostrar la habilidad y la imaginación de sus autores para sorprender, con especial atención a los siglos XX y XXI. La muestra termina con una obra del escultor Isidro Blasco, encargada exprofeso para cerrar el recorrido.

Máxima velocidad de la Madonna de Rafael © Salvador Dalí

El término trampantojo - trampa o ilusión con que se engaña a alguien haciéndole ver lo que no es - procede del francés trompe l’oeil, publicado por primera vez en un diccionario de Bellas Artes de 1806, aunque ya había sido utilizado como título de una pintura en 1800. Los primeros ejemplos los encontramos en la antigüedad de Grecia y Roma, en mosaicos y pinturas murales, y son muchas las referencias al arte ilusionista y a la capacidad de los artistas de reproducir la naturaleza en la literatura de la época. El más famoso es el episodio narrado por Plinio en el que los pintores Zeuxis y Parrasio participan en una suerte de concurso de habilidades. El realismo de las uvas pintadas por el primero es tal, que incluso los pájaros se acercan para comerlas, mientras que Parrasio presenta una pintura que representa una cortina; Zeuxis le pide que la retire para poder admirar así su obra, pero se da cuenta de que ha caído en el engaño y reconoce la gran habilidad de su oponente.

Aparejos de cetrería en un nicho © Christoffel Pierson

Trampantojo con busto de Venús © Caesar van Everdingen

Este relato se hizo muy popular durante el Renacimiento y fueron muchos los que quisieron emularlo y crear obras que produjeran ese efecto de falsa realidad a través de los más variados recursos y técnicas pictóricas. Junto al hábil uso de la perspectiva, el escorzo o los efectos lumínicos, los pintores introducen todo tipo de juegos visuales, como elementos que se proyectan fuera del cuadro e invaden el espacio del espectador, insectos que parecen posados sobre el lienzo, o materiales y texturas reproducidas con tal detalle que consiguen engañar y fascinar a quien los mira.

Fragmento de el escaparate del vendedor de estampas © Walter Goodman

Huyendo de la crítica © Pere Borrel del Caso

El bodegón es el género que más posibilidades ha brindado a los artistas para experimentar el mito de la ilusión, buscando retratar objetos, flores, frutas y otros alimentos de forma tan realista que resulte difícil diferenciar entre verdad y ficción. Sin embargo a mediados del siglo XVII, el trampantojo alcanzó en Holanda la categoría de género independiente con respecto a las naturalezas muertas y sus temas se fueron diversificando. Jugar con los márgenes, límites o marcos de los cuadros es uno de los recursos más utilizados. Un escenario típico del trampantojo es presentar los objetos y alimentos a través de nichos, hornacinas o ventanas. Este marco permite proyectar algunos de esos elementos hacia el exterior, aumentando así la sensación de realidad. Las flores son otro de los motivos más utilizados en los trampantojos, ya sean arreglos en forma de ramos, cestas, floreros o guirnaldas, o como complemento de otros temas. 

Tren elevado a Brooklyn © Isidro Blasco

Tren elevado en Brooklyn (2022), la última pieza de la muestra, es un collage moderno y urbano que combina fotografía, escultura y arquitectura, creado para la ocasión por el artista Isidro Blasco, cierra el recorrido de la exposición devolviendo al espectador a la realidad pues, sin ser propiamente un trampantojo, la obra provoca una reflexión sobre esa dualidad realidad/representación característica del género.