MAGIA UNA OBRA DE CHESTERTON EN EL TEATRO PAVON

 

Incitado por su amigo y a la vez rival George Bernard Shaw, que lo tenía por un escritor que malgastaba su talento siendo periodista, novelista y ensayista, Chesterton accedió a escribir una obra como dramaturgo: Magia, estrenada en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres.

La obra tuvo una gran acogida, representándose hasta 165 noches seguidas, antes de estrenarse en Nueva York con idéntico éxito.

En una sutil combinación de comedia y drama, de romance, intriga y paradojas, Chesterton aborda en esta obra singular muchos de los temas que le eran predilectos, especialmente la relación entre realidad y racionalidad, entre lo fantástico y la locura. 

La obra está cargada de simbolismo, donde los personajes representan a la ciencia, la religión, la fantasía, el amor y la política. Es una obra que sigue teniendo plena actualidad, pues más de cien años después, ni la realidad ni la sociedad han cambiado. 

Magia constituye una pieza fundamental del teatro británico, cargada de humor y crítica. Curiosamente y a pesar del éxito alcanzado por Magia en el teatro inglés, nunca antes había sido representada en España. Chesterton es más conocido en nuestro país por libros como El hombre que fue jueves o las novelas policiacas del Padre Brown. 

La traducción y adaptación de la obra, realizada por Emilio Ruiz Barrachina, lleva la acción a una España atemporal, con claras alusiones a episodios de actualidad. La escenografía, muy operística, sugiere los espacios y crea una atmósfera inquietante y mágica a la vez. La iluminación apoya este concepto de ilusión permanente. 

El elenco está encabezado por grandes figuras del teatro, cine y televisión. Carlos Chamarro es un actor que goza de gran popularidad por su intervención en series como La que se avecina, Cámara Café o Gym Tony. Juanma Díez Diego es autor, actor, director teatral y fundador de la compañía Jamming de improvisación escénica. Valentín Paredes tiene una dilatada trayectoria en cine y teatro, siendo uno de los actores más sólidos sobre las tablas en nuestro país. Ángel Héctor Sánchez es también un reconocido y solvente actor que ha participado en series como Amar es para Siempre, Servir y Proteger o El Secreto de Puente Viejo. Rebecca Arrosse es una joven actriz con experiencia en cine y teatro y ganadora del premio a mejor actriz en el New York City International Film Festival, entre otros. 

La función podrá verse en la sala principal del Teatro Pavón hasta el 29 de junio, con horario  de Miércoles a sábado a 19:00h y Domingos a las 18:00h. Tiene una duración de 90 minutos. 

Fotografias © Conchita Melendez

LA PATÉTICA, UNA SINFONIA A LA MEDIDA DE MIGUEL DEL ARCO

 

El Teatro Valle-Inclán sube a su escenario principal un texto escrito y dirigido por el polifacético Miguel del Arco  que suena a música de uno de los más relevantes músicos del siglo XIX, Piotr Ilich Chaikovski. La obra tiene por nombre el de la Sinfonía n.º 6 en si menor, Op. 74, también conocida como «Patética» o «Apasionada» y es la última sinfonía de Piotr Chaikovski que se estrenó en San Petersburgo nueve días antes de su muerte. 

Partiendo de este hecho y también inspirada libre y remotamente en la novela Morir de Arthur Schnitzler, Miguel del Arco crea un personaje trágico, Pedro Berriel,  un director de orquesta  inmerso en la grabación de la Sinfonía de Chaikovski que en todo momento está acompañado por el propio compositor ruso con quien dialoga y comparte sus alegrías y sus frustraciones. Sus delirios, totalmente reales para él, son motivados por un tumor cerebral que acabará con su vida en un breve período de tiempo. La angustia por culminar la obra artística que, de alguna manera, suponga una resistencia a su propia muerte se mezcla con la angustia real que esta le produce. Sin embargo su deseo de inmortalidad traducida en dejar un legado a la posteridad, tal como lo hiciera su compañero en el camino hacia el final, es tan fuerte que incluso en los momentos más duros solo piensa en acabar la grabación. 

Todo esto contado así puede parecer un dramón pero lo cierto es que Miguel del Arco, con gran acierto,  le ha dado a su obra un ritmo que mezcla lo trágico con lo cómico y que lleva al espectador a disfrutar de las dos horas que dura la función sin mirar el reloj ni una sola vez. 

Por supuesto a ello han colaborado las magníficas interpretaciones de todo el elenco que encabezado por Israel Elejalde, en el papel de Pedro Berriel y Jesús Noguero como Chaikovski tienen a su alrededor toda una gama de personajes, interpretados con gran maestría.  Jon, al que da vida Jimmy Castro, la pareja sentimental de Pedro, que le ayudará a luchar contra la enfermedad. La madre y el padre de Pedro quien, en el final de sus días, se enfrentará a ellos para decirles lo que nunca antes se atrevió. Y junto a ellos desfila ante los ojos del público una amplia galería de personajes que configura las diferentes capas o niveles de ficción de este viaje existencial y onírico de Pedro Berriel que nos presenta el montaje. Los intérpretes Inma Cuevas, Juan Paños, Manuel Pico o Francisco Reyes cambiarán la piel en personajes tan variopintos como el presidente ruso Vladímir Putin, el filósofo francés Michel de Montaigne, la Gloria, un crítico musical o la misma Muerte.

Miguel del Arco destaca la presencia del humor en este montaje como la forma de expresión natural para presentar el tema universal de la muerte llevando la peripecia vital del protagonista a situaciones extremas llenas de comicidad como su diálogo con la Gloria o la misma Muerte. Para el dramaturgo y director «el humor es la única posibilidad de relativizar seguramente mi propia intensidad. Creo que si no fuera capaz de reírme de mí mismo, ya habría reventado a estas alturas».

Sobre la puesta en escena del montaje, Miguel del Arco desvela que «el director y el resto del equipo creativo han tenido que bregar con la enajenación del autor que ha escrito lo que le ha dado la gana sin pensar en la dificultad de ponerlo en escena. Por otro lado, ha sido muy divertido, entretenido y seguramente muy desquiciante también buscar la fórmula para hacerlo. Y no nos cabe duda de que lo han conseguido y lo han hecho muy bien. Sin duda con la ayuda del equipo artístico que está formado por Paco Azorín (escenografía), David Picazo (iluminación), Ana Garay (vestuario), Sandra Vicente (sonido), Arnau Vilà (composición musical) y Asier Eguskitza (coach de dirección orquestal).

El Centro Dramático Nacional comunica que se amplía una semana las funciones de La Patética que, finalmente, podrá verse en la Sala Grande del Teatro Valle-Inclán en Madrid, a partir del 8 de mayo y hasta el 22 de junio de 2025.

Fotografías © BSP

‘CÓMICAS’ UNA ODA A LAS PRIMERAS MUJERES DE TEATRO MODERNO EN LA ESPAÑA DEL S.XVIII

 

El Teatro de la Zarzuela rescata un teatro desconocido donde las protagonistas, en la segunda mitad del S.XVIII, eran libres, autónomas, actuaban, cantaban y lideraban sus propias compañías. ‘Cómicas’ pone en valor la figura de tres de esas grandes actrices/cantantes/productoras que se hicieron con el protagonismo de los escenarios de la época y que dieron lugar a un nuevo género: María Ladvenant; María del Rosario Fernández, La Tirana, y María Antonia Fernández, La Caramba. Fueron las primeras mujeres modernas de teatro, las primeras ilustradas, artistas que arriesgaban y que hicieron lo que querían hacer: teatro, o más aún, teatro moderno. Teniendo en cuenta que solo ocurría en España, esta peculiar circunstancia les permite ser engranaje con el resto de Europa y ellas lo aprovechan. 

Estas mujeres avanzadas están encarnadas en las voces de las solistas Jone Martínez, María Hinojosa Montenegro y Pilar Alva-Martín y de la popular actriz Cristina Medina, que interviene como maestra de ceremonias. Se ofrece un total de 4 funciones del jueves 8 al domingo 11 de mayo.

El maestro Aarón Zapico al frente de Forma Antiqva, el conjunto musical que lidera, rescata así un repertorio inédito de las primeras tonadillas que anticipan el género de la zarzuela tal y como hoy lo conocemos. Un impactante y aleccionador montaje bajo la dirección de escena de Pepa Gamboa y la dramaturgia de Antonio Álamo, quien resalta cómo este género casi carnavalesco “llegó a trastocar todas las normas y convenciones teatrales” añadiendo esa popularidad que obtuvieron entre la gente de todas las clases. En esta producción el espacio escénico y el vestuario están firmados por Jesús Ruiz y la Iluminación de Alfonso Malanda. Las ediciones son del musicólogo Antoni Pons.

Las tonadillas reunidas en este programa han sido recuperadas a partir de manuscritos del siglo XVIII conservados en el Fondo Musical de la Biblioteca Histórica Municipal de Madrid. Escritas por autores como Pablo del Moral, José Castel, Pablo Esteve, Blas de Laserna o Antonio Rosales formaron parte esencial del teatro popular madrileño en los intermedios de comedias y sainetes. 

Muchas de estas piezas fueron escritas para lucimiento de las cómicas —tonadilleras— y destacan por su viveza escénica, humor crítico y agilidad vocal. Obras como estas muestran la riqueza teatral y musical de un género que fue clave en la vida cultural del Madrid ilustrado. Además se convirtieron en uno de los modelos de la Zarzuela Romántica de mediados del siglo XIX. 

LA VIDA ES UN CABARET

 

El Teatro Albeniz se transformará el próximo septiembre en un Kit Kat Klub de la mano de LETSGO que presentará una novedosa y revolucionaria propuesta inmersiva. 

En 1972 Liza Minelli, Marisa Berenson, Michael York y el gran Joel Grey nos hicieron llorar, reir, bailar y disfrutar a tope en esa gran película dirigida por un maestro del género musical como fue Bob Fosse. La historia ambientada en el Berlín de principios de los años treinta, donde el  partido nazi domina la ciudad y donde el amor, el baile y la música se mezclan en la animada vida nocturna del Kit Kat Club. Un refugio mágico donde la joven Sally Bowles y un divertido maestro de ceremonias hacen olvidar las tristezas de la vida. 

La película es una adaptación libre del musical homónimo de 1966, de los compositores John Kander y Fred Ebb, quienes a su vez se habían basado en la novela de Christopher Isherwood Adiós a Berlín (Goodbye to Berlin, 1939) y en la obra teatral I Am a Camera (1951) inspirada por dicho libro.

La presentación de esta nueva versión, que se ha llevado a cabo sobre el escenario del teatro enclavado dentro del UMusic Hotel Madrid y que asegura haber respetado tanto el libreto como la música, ha desvelado cuáles serán las claves del montaje del mismo, una de cuyas novedades principales consistirá en convertir el patio de butacas en un auténtico cabaret, en cuyas mesas los espectadores que lo deseen podrán degustar un delicioso menú preparado por el chef David Correa, que tratará de emular  lo que habría sido servido en el Berlín de la época y en el que no faltarán, entre otros manjares, las ostras o el mini brioche de salmón y caviar. Todo ello por supuesto regado por las sugerentes bebidas que contiene la carta elaborada para tal fin. 

Sergio Toyos, del departamento creativo de LETSGO capitaneado por Felype de Lima , ha explicado a los asistentes la asombrosa transformación que sufrirá el patio de butacas del UMusic Hotel Madrid: “todo el proceso creativo ha girado en torno a romper la separación entre escenario y público, fusionando ambos espacios, toda la sala se convertirá en un espacio escénico, eliminándose por completo la cuarta pared”.

El elenco principal ha sido elegido directamente por los responsables de LETSGO y el director del musical Federico Bellone, que no pudo estar en la presentación que se hizo a la prensa pero del que pudimos ver un video en streaming donde ha enfatizado  que esta versión de Cabaret persigue tres objetivos: “provocar nuevas sensaciones en la audiencia, romper los límites tradicionales entre artistas y espectadores, y sorprender tanto a quienes descubren la historia por primera vez como a quienes conocen cada canción de memoria”. 

El cartel estará encabezado por Amanda digón que ha interpretado para los presentes el tema La vida es un cabaret, en el papel de Sally Bowles y Abril Zamora como maestro de ceremonias. Pepe Nufrio (Clifford), Carmen Conesa (Fraulein Schneider),  Tony River  (Herr Schultz),  Pepa Lucas (Fraulein Kost) y  Gonzalo Ramos (Ernst Ludwig), son también las primeras figuras confirmadas. Para el resto del reparto el casting sigue abierto y se están realizando aún las audiciones. 

Tras la actuación, Iñaki Fernández, CEO de LETSGO, e Iñigo Sanchez-Crespo, director general de UMusic Hotel Madrid, se han mostrado muy orgullosos de poder colaborar juntos de nuevo en una experiencia única e innovadora, tras el éxito arrollador de El Fantasma de la Ópera: “continuamos con el listón muy alto, ahora con un espectáculo de altísima calidad, al que añadimos pre y post show, una vuelta de tuerca a la experiencia inmersiva”, ha dicho Fernández.

El equipo artístico, con Felype de Lima en Vestuario, se completa con las grandes figuras que están detrás de la gran producción de El Fantasma de la Ópera. Estos son Julio Awad, que asume la dirección musical, Silvia Montesinos, directora asociada y la responsable de la adaptación de las letras, el diseñador de iluminación Valerio Tiberi, Poti Martin, a cargo del diseño de sonido y Gillian Bruce, como coreógrafa.

El estreno del musical será el 24 de septiembre y tendrá una duración de 2 horas 30 minutos (descanso incluido). Las entradas ya están a la venta y podrán adquirirse en el siguiente enlace kitkatklubcabaret.com

Fotografías © Conchita Meléndez

VIAJE HASTA EL LÍMITE, UNA OBRA INÉDITA DE LUIS MARTÍN SANTOS

El teatro Español sube al escenario una obra del autor de Tiempo de Silencio, que ha sido considerada una de las mejores novelas españolas del XX. Si bien en el ámbito literario Luis Martín Santos escribió poesía, relatos y novela, no se tenía noticia hasta ahora de que hubiese desarrollado su labor también en el campo del teatro. Fue durante la preparación del centenario de su nacimiento cuando se hallaron una serie de escritos inéditos, que se compone de un pequeño corpus de obras dramáticas entre las que destaca Viaje hasta el límite, un drama con claras resonancias de Sartre, O’Neill o el propio Shakespeare; un drama existencial con un lenguaje poderoso que traslada a escena la mirada lúcida y crítica del autor.

La obra que ha sido dirigida por Eduardo Vasco narra la historia de una familia patriarcal en la que un poderoso empresario aquejado por la polio se ve obligado a vivir aferrado a una silla de ruedas. Su amargura le lleva a desconfiar de todos los demás miembros que habitan en la casa hasta el punto de tratarlos de un modo tiránico. El cree que ninguno de ellos, ni su hijo, ni su esposa, una bella mujer más joven que él y de procedencia humilde, sienten nada por él y que solo les mueve su dinero. La repentina presencia de un desconocido que llega a proponerle un negocio, por mediación de su hijo, acaba ocasionando que en cada uno de ellos afloren sus más bajos instintos y que los acontecimientos se precipiten en un final inesperado. 

Puede parecer éste un argumento más de codicia y ambición pero bajo la piel de cada uno de los personajes hay mucho más. El hijo en realidad busca que el padre le reconozca, que crea en él, que le vea capaz de crecer aunque para ello necesite su ayuda. La mujer busca la ternura y el amor que el marido no sabe darle y hasta el intruso, un hábil embaucador acaba cayendo en las redes del amor. Únicamente la criada, sin duda enamorada del empresario, permanece fiel a éste, aunque tampoco ella es del todo honrada. 

Para este drama que encaja perfectamente en la época en que fue escrito, Eduardo Vasco ha escogido un elenco que está formado por Ernesto Arias como Pedro, el patriarca, Lara Grube como Gloria, la esposa, Agus Ruiz es el intruso, Luis Espacio es Alberto, el hijo, Eva Trancón es María, la criada e Iván López-Ortega, siempre desde un discreto segundo plano pone música de piano a la representación. 

El apartado musical, tanto el interpretado por Iván como el resto, que escuchamos a través de un antiguo tocadiscos, es parte fundamental de esta historia y está presente en los momentos más representativos. Tanto la música original como el ambiente sonoro son obra de Eduardo Vasco, que en su faceta como músico ya ha intervenido en gran número de espectáculos propios y ajenos.

La escenografía sencilla pero efectiva es obra de Carolina González y la iluminación de Miguel Ángel Camacho. Para el vestuario se ha contado con el diseñador Lorenzo Caprile. 

La obra permanecerá en cartel del 3 de mayo al 8 de junio en la sala principal del Teatro Español. 

Fotografías © Conchita Meléndez

VENDRÁN LOS ALIENÍGENAS Y TENDRÁN TUS OJOS, UNA FÁBULA SOBRE LAS NECESIDADES DEL AMOR

 

En Nave 10 Matadero María Velasco, flamante Premio Nacional de Literatura Dramática,  construye un diálogo íntimo que se sitúa entre su propia biografía y la del espectador.

Una mujer llega a la edad media de la vida como una paria emocional en el planeta Tierra. Después de las apps de citas y del sexting, de aprender palabras como ghosting o stalkeo, se cree incapaz de vivir una nueva experiencia erótica. Pero la edad media de la vida puede ser tan tenebrosa como la Edad Media. La irrupción de un nuevo amor es sólo comparable a un avistamiento nocturno, a un aterrizaje OVNI, a un contacto alienígena... Un acontecimiento sobrenatural capaz de devolver a una mujer al pensamiento mágico.

María Velasco escribe y dirige esta pieza que enlaza el teatro más íntimo y la ciencia ficción. A partir de una escritura con marcado acento poético, de estilo inconfundible y personal, Velasco hibrida diferentes  lenguajes sobre el escenario, desde la música hasta la danza. Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos explora, con precisión telescópica, los límites del deseo y de los cuerpos. O mejor dicho, del miedo a perder la distancia de seguridad que nos protege a los unos de los otros. Un retrato en primera persona, con humor, ironía y mordacidad, sobre la agonía del Eros y la política de los afectos en el mundo contemporáneo. La experiencia de entablar una relación con el otro sólo puede ser comparable a un encuentro en la Tercera Fase.

Encontrar el amor siempre ha sido un acontecimiento de dimensiones desconocidas. Pero enamorarse hoy, a estas alturas de la película, comienza a parecerse más a un capítulo de Expediente X que a un drama realista. Ya sea por la edad o por la tecnología, cada día se nos hace más difícil acceder a una experiencia amorosa auténtica y demoledora.

María Velasco © C. Meléndez

Con dos actores sobre el escenario, Maricel Álvarez y Carlos Beluga, y la participación de Giancarlo Pia Mangione (voz eccehomo) y Lucas Sánchez (niño), esta producción de Nave 10 Matadero y Pecado de Hybris (Ana Carrera y María Velasco), cuenta con escenografía de José Novoa y diseño de iluminación de Pilar Valdelvira. El diseño de sonido y composición de música original es de Tagore González y la coreografía de Josefina Gorestiza. 

La obra estará en cartel hasta el 11 de mayo en la Sala Max Aub (Nave 10 Matadero)

Fotografías de escena © Jesús Ugalde

MARTA PAZOS LLEVA AL MARÍA GUERRERO UNA VERSIÓN DE LA OBRA DE VIRGINIA WOOLF ‘ORLANDO’ QUE ES UN PLACER PARA LOS SENTIDOS

 

Virginia Woolf no es una autora fácil de leer e imagino que no debe de haber sido fácil para Marta Pazos y Gabriel Calderón adaptar su sexta novela Orlando: una biografía a pesar de ser ésta una de las más asequibles. La obra fue publicada a finales de 1928 por la editorial Hogarth Press, que pertenecía al matrimonio Woolf. 

A pesar de que se trata de obra en parte biográfica, basada en la vida de la amante de Woolf Vita Sackville-West, en realidad se trata de una parodia de este género literario, una fantasía libre en la que el protagonista Orlando, vive más de 300 años sin envejecer a partir de los 36 donde su cuerpo se queda varado casi hasta el final en que acaba transformándose en mujer de la noche a la mañana, pero nada cambia en Orlando excepto el sexo. Por lo demás, sus pensamientos, su amor por la poesía y la literatura, por los libros, por la belleza siguen siendo los mismos. La autora transmite el mensaje de que el sexo y los papeles de sexo que se deben asumir son completamente ridículos y artificiales. Orlando no dejó de ser la misma persona al convertirse en mujer, pero tuvo que soportar todo el peso que significaba pertenecer al «sexo débil», incluido la perdida de la primogenitura. 

Orlando es un apasionado joven aristócrata inglés del siglo XVI que busca el amor y la aventura. Durante un baile en la corte de la Reina Isabel I, Orlando atrae la atención del monarca y se convierte en su protegido. El joven se embarca en un viaje a través de los siglos, experimentando los cambios culturales y sociales de cada época. Se enamora trágicamente de una princesa rusa en el reinado de Jacobo I, será embajador del reinado de Carlos II en Constantinopla, amará a hombres y a mujeres en el siglo XVIII, escribirá poesía en la Gran Bretaña victoriana, se casará y llegará a los locos años veinte del siglo XX.

Virginia Woolf fue considerada una de las escritoras referentes del modernismo vanguardista del siglo XX y del movimiento feminista. Perteneciente al grupo conocido como "Círculo de Bloomsbury", las reuniones que se llevaban a cabo en su casa abrieron un nuevo mundo para Virginia, que de pronto se vio rodeada de ideas sobre la igualdad, el feminismo, la aceptación de la homosexualidad y la bisexualidad, el amor por el arte, el pacifismo y el ecologismo. Todos estos aspectos se reflejan en sus obras y en Orlando están presentes todas ellos. 

Marta Pazos comenta que “El proceso de entrar en su literatura ha sido como atravesar un bosque y llegar a una luminosa pradera.” Y sin duda luminoso es el resultado del trabajo de todo el equipo que forma parte de esta producción. La puesta en escena es realmente magnifica, todo en ella es perfecto. La escenografía obra de Blanca Añón, la iluminación (Nuno Meira), el vestuario (Agustín Petronio), la composición musical y espacio sonoro (Hugo Torres), la caracterización (Johny Dean), la coreografía (Mabel Olea), todo plenamente coordinado por la batuta de Marta Pazos.

© Conchita Meléndez

También es un placer contemplar el magnífico trabajo que realiza el elenco de la obra, en el que todos son capaces no solo de declamar sus textos sino también de bailar, cantar y moverse por el escenario como si se deslizaran por él, como si apenas lo rozaran. El reparto está formado por Nao Albet,  Anna Climent, Alessandra García, Jorge Kent,  Paula Losada, Laia Manzanares como Orlando, Paco Ocho, Mabel Olea, José Juan Rodríguez, Alberto Velasco y Abril Zamora  que interpreta el papel de Virginia Woolf. 

La obra que se estrenó en el Teatro María Guerrero el pasado 25 de abril estará en cartel hasta el 8 de junio. 

Fotografías de escena © Bárbara Sánchez Palomero